I Know Where I'm Going

Jackass 3D, de Jeff Tremaine

2011-03-03T17:58:00.000-08:00

¿Puede ser posible que una película sobre un grupo de personas que realizan acciones imposibles, escatológicas y riesgosas (desde tirarse un pedo hasta hacer bungee jumping en un baño químico lleno de mierda) sea, no solo arte, sino que implique una mirada mucho más profunda de lo que se ve en la pantalla? Jackass ya lo hacía desde sus comienzos en MTV, donde golpe a golpe, constituía una nueva mirada sobre el manejo de la acción y el uso del cuerpo para lo que sea necesario exponer en la pantalla. El grupo de Jackass, liderado por esa estrella única llamada Johnny Knoxville, tiene como meta probar la inmortalidad del cuerpo de una persona común como podría ser cualquier otro ser humano en el mundo. Parecería no haber límites en la serie que se emitió en cable durante bastante tiempo. Sin embargo, salieron las películas. Y con ellas, se comprobó que efectivamente no había barreras a lo que se refería en dos puntos a tener en cuenta: la construcción de un espacio físico y la destrucción del mismo (presente en toda la saga de películas) y la unión de los Jackass llevado a un plano de una insólita ternura.

Si comenzamos un racconto de Jackass, se debería mencionar en primer término la serie que emitió MTV hace una década. En uno de los comienzos más insólitos y sorprendentes que se hayan hecho alguna vez en un programa de televisión, un enano (Wee Man) se sube en un carrito de supermercado y desciende en gran velocidad por una calle empinada. El resultado es Wee Man tirado en el suelo luego que el carrito salga de control. Resultado tan obvio en su resolución misma como festivo luego de que el grupo de gente que acompaña al ocupante del carrito, e incluso este, festejen lo que acaba de suceder. Se podría citar, y efectivamente así sucede, este segmento del programa para resumir el espíritu de todo el universo que componen Knoxville, Bam Marguera, Chris Pontius, y el resto de estos "idiotas".

Las comillas no son casuales: es cierto que la serie y sus participantes se autodenominan de esta manera, sin embargo, muchas veces son referidos por una buena parte de la gente (desde un sector de conocedores, amantes, impulsores de lo que denominan el "buen arte" o "arte de primera clase") como idiotas. Caben entonces varias preguntas al respecto de tal afirmación: ¿Por qué son idiotas?, ¿Por qué es un arte menor y cómo se afirma esta clasificación?, y por último, ¿Puede ser posible que estos "idiotas" hagan no solo un cine de excelente calidad artística y técnica, sino además, uno que propone una visión introspectiva de la realidad para explotarla continuamente? Por eso mismo, "idiotas" no solo es un textual dicho por mucha gente de qualité sino porque parecen ser idiotas, pero realmente la tienen bastante clara.

En el último año hubo varias discusiones acerca de la calidad de Jackass 3D y la aceptación de una buena parte de la crítica. Los que se opusieron de manera tan reaccionaria como histérica, rechazaban el film sin siquiera haberlo visto. No sólo demuestra el prejuicio de cierto público que solo ve lo que quieren ver impidiendo cualquier otro cine que a priori no les satisface o convence, sino la exaltación casi propagandística del cine que teóricamente se encuentra en las antípodas de Jackass 3D. Los idiotas de Jackass no solo se despachan con una saga que está a la altura de cualquier film importante que provenga de cualquier rincón del mundo, sino que excede a una gran parte de estos mismos. No es porque Jackass no tenga nada para contar ni porque eluda los lugares comunes de las grandes películas o no contenga la austeridad de un film del cine arte (que contiene a veces títulos tan o más bochornosos que algunos tanques hollywoodenses). Jackass es lo que es porque antes que nada prevalece en el universo del film la honestidad y la necesidad de compartir su arte con el público, sea quien sea. Knoxville y amigos abrazan a cualquier persona que quiera disfrutar de la compañía de un grupo de amigos que se simplemente se divierten.

¿Y como lo hacen? Explotando la cotidianidad de cada acción. Es decir, toman objetos que se hallan en el universo diario transformándolos en cuerpos que mutan de sentido, que son llevados más allá de su único y real propósito. Por ejemplo, en el segmento titulado Poo Cocktail Supreme, Steve-O es sentado en un baño químico lleno de excremento que salta por los aires cual bungee jumping. Esta utilización de ciertos objetos llevados al límite de lo realizable es lo que realza justamente la capacidad creativa de estos "idiotas". Idearlo y hacerlo es tan exclusivo como admirable. La transformación de los objetos también es llevada de manera literal. Por eso se agrandan los elementos para dotarlos de otro sentido, como sucede con la mano gigante del segmento titulado High Five donde esta golpea a una persona que no se lo espera (en este segmento juega una clase rara de suspenso en la cual a pesar de saber que va a suceder, uno lo espera, como si estuviese también disfrutando del juego). Y otra vez la exaltación de elementos corrientes y la metamorfosis de su verdadera esencia. Y como es bien sabido en Jackass, el cuerpo es utilizado para también crear acciones increíbles. Veamos sino lo que sucede con Preston Lacy. Este enorme personaje es sometido a varios minutos de ejercicio en bicicleta envuelto en un papel de plástico que captura todo su sudor. Si ya de por si, el sudor no es algo muy agradable, los Jackass lo llevan más allá. El cocktail de sudor como bien lo llaman es capaz la idea más retorcida de todo el film, pero hay que decirlo, la que posee la mayor conexión con el publico. Cuesta no sentir verdadero asco ver el vaso lleno de sudor y que otro lo tome. Pero justamente uno de los objetivos (si realmente lo tienen) de Jackass es ubicar al espectador en un lugar privilegiado a nivel sensorial, donde se siente, se escucha y se ve todo como realmente sucede. El acercamiento que se produce proviene de un entendimiento, de una comprensión de los objetos que el mundo de Jackass transforma porque son parte de una vida cotidiana que nos es presente continuamente.

Aparte de ser una película sensorial, que se relaciona de lleno con el espectador, que modifica la realidad que vemos en el día a día, sobre el descubrimiento del mundo que nos rodea, Jackass es, al igual que sucedía en la segunda parte de la saga, un film sobre la amistad. ¿Amistad? Si. Es la película de Tremaine un testimonio tan honesto como verdadero sobre la amistad. Si ya la segunda parte emocionaba (si, emoción) exaltando la unión de grupo mediante las acciones en la que todos participaban y se divertían, en esta tercera parte, el gozo parecería igualar o incluso superar a la excelente Jackass: number Two. La fuerza de Jackass proviene siempre de la imagen como testimonio de un mensaje que nunca es subrayado. El valor de la amistad está visto en la unión, en la cercanía entre todos estos amigos. Y como nunca se debe sobrexplicar, esto se ve siempre de fondo, como un elemento que surge por lógica y no por una continua exposición. La unión surge de manera tan natural como lo es una amistad, porque directamente lo que vemos en pantalla es la imagen definitiva del amor que se establece entre todos.

Jackass se acerca a la ola generada por la Nueva comedia americana que entre otras cosas estableció la amistad entre los hombres uno de sus ejes por los que siempre pasan las películas. Se podría decir incluso, que Jackass corresponde a los temas que hace gala la NCA en la cual se exalta no solo el amor entre dos o más personas del sexo masculino sino la correspondencia con los personajes. A pesar de tener un registro documental, Jackass no escapa a estas dos características. Knoxville, Tremaine y compañía destruyen el modelo clásico narrativo pero conservan la esencia de la nueva ola. Es admirable como todos estos "idiotas" caen en una broma, a veces muy pesada, y se siguen divirtiendo. Se podría decir, incluso, que hay una especie de relación homoerotica entre estos personajes, andando semidesnudos, o a veces directamente sin ropa, que se divierten continuamente. No por nada Dickhouse, la productora de la película, exhibe un arco iris en la cual en el comienzo todos los Jackass se encuentran listos para enfrentar toda clase de golpes. Un arco iris que representa no solo la diversidad, sino la alegría que representa el universo del film.

Utilizando cámaras que capturan mil cuadros por segundo, se percibe en Jackass un avance tecnológico que hace al film una experiencia cercana a la perfección profesional y no un mero entretenimiento. Segmentos como The rocky en el cual un golpe con un guante de boxeo captura los detalles de una cara en el momento exacto en que recibe la paliza asombra tanto que, con toda razón, aparecen esporádicamente a lo largo de la película (lo que transforma a la película en un documental que envidiaría hasta a Discovery Channel). Hay otros que contienen un nivel tanto de emoción, repulsión, sorpresa, y una excitación como pocas veces se ve en el cine, que no hacen más que confirmar que Jackass (3D) es una absoluta obra maestra.

JACKASS 3D (Estados Unidos, Rumania, 2010)

Dirección: Jeff Tremaine.

Interpretes: Johnny Knoxville, Bam Margera, Ryan Dunn, Steve-O, Jason 'Wee Man' Acuña, Preston Lacy, Chris Pontius, Ehren McGhehey y Dave England.

Guión: Preston Lacy.

Producción: Spike Jonze, Johnny Knoxville y Jeff Tremaine.

Fotografía: Rick Kosick, Dimitry Elyashkevich y Lance Bangs.

Montaje: Seth Casriel, Matt Kosinski y Matt Probst.

Calificación: 10

El discurso del rey, de Tom Hooper

2011-02-19T14:56:00.000-08:00

El camino parecía completamente allanado para que Red social se alce con el mayor premio de la Academia en la última entrega de los Oscar. Sin embargo, semanas antes de finales de febrero, la aparición poderosa de El discurso del rey significó para el film de David Fincher nada más que llevarse las manos casi vacías. A pesar de ganar un premio al mejor guión (merecido consuelo para Aaron Sorkin), Red social compitió con una película que va más allá de la calidad cinematográfica. El discurso del rey se amolda a los cánones de los votantes de la Academia (tengamos en cuenta que en promedio superan los 50 años) dejando a la moderna visión de Fincher y Sorkin sobre el origen de Facebook y su conexión con las relaciones sociales de este siglo sin oportunidades a la hora del premio a la Mejor película. La verdadera sorpresa de la noche en los Oscar (premios cada vez más obvios que sin embargo cuando sorprende, usualmente, es para mal) fue la distinción como mejor director al ignoto Tom Hooper, que con mucha experiencia en televisión pero nada en cine, se alzó con el Oscar arrebatándoselo a Fincher. Injusticias que suceden en los premios más importantes... ¿Por qué surgió un cambio tan repentino en la elección de la favorita para los Oscar en tan poco tiempo? Más allá de considerar el lobby que realizan los productores del film, los famosos y controversiales Harry y Bob Weinstein, El discurso del rey es una película que se asemeja a otras que estuvieron nominadas al Oscar en años anteriores. La película de Hooper es tan correcta que no puede caer mal, a menos que se tengan en cuenta y se consideren negativos los elementos que la hacen tan accesible a todo el público.

El discurso del rey es una película que remite a una serie de films en los cuales la suma de sus numerosos elementos relacionados de forma directa con su puesta en escena concluyen en un consenso global. Esta suma se establece en el conjunto de actuaciones, dirección, ambientación, música y otros elementos que el público considera solo en estos casos en donde todo está muy expuesto. Esto no quiere decir otra cosa que la puesta en escena termina siendo transparente al espectador tanto de manera visual como narrativamente. En las películas correctas, que cuentan con el consenso de público y cierto sector de la crítica, se disfruta de dichos elementos que forman parte del film que no hace otra cosa que aproximar al espectador a la película en sí.

La historia se fue conociendo de manera gradual a medida que la película de Hopper fue cosechando nominaciones y el boca a boca del público hizo el resto. Bertie (gran trabajo de Colin Firth) es el hijo menor del rey Jorge V (participación de Michael Gambon) quien desde chico lucha contra una tartamudez que se acrecienta en momentos de mucha tensión. Luego de la muerte de su padre, el hijo mayor (Guy Pearse) toma el control del reinado, pero su falta de compromiso y la manipulación de su amante americana hacen que el poder quede en manos de Bertie. Obviamente que la elección en un principio no es la mejor pero surge de manera inevitable. Con la ayuda de su esposa (medida actuación de Helena Bohnam Carter) y un actor devenido en doctor especializado en los problemas del habla (Geoffrey Rush) ayudaran a Bertie a superar su problema y recuperar la confianza para darle el apoyo a su pueblo en los albores de la Segunda guerra mundial y con Hitler como principal amenaza.

La explicación de la trama sirve en este caso para concretar algunos puntos que en el desarrollo de la historia hacen que el film obtenga la aprobación del público. Como si se tratase de acercar al público a la realeza británica, El discurso del rey plantea una cuestión que le sucede a nada menos que al rey de Inglaterra y no a una persona alejada de la realeza. Esta aproximación de dos estados sociales y políticos opuestos, logra que el público se sienta atraído por la curiosidad, un gancho, de una historia que toca los nervios más íntimos del reinado de Inglaterra en su historia. La paradoja es que el film está construido a partir de una visión inofensiva sobre el poder político y social de la Inglaterra de los años 30. En ese sentido, El discurso del rey se encuentra bien alejado de una película como La reina, que poseía elementos satíricos y muy sutiles que claramente no se aprecian en el film de Hooper. La mirada cruda que se podría haber realizado sobre la realeza, la aparición del nazismo, los personajes históricos como Churchill o la posición dominante de la Iglesia quedan relegados a un segundo plano que casi no tiene un peso en la historia. Por ejemplo: en un momento, el arzobispo (Derek Jacobi) amenaza con reemplazar al personaje de Rush por una persona con credenciales que realmente sea doctor. En dicha escena se podría haber construido una crítica fuerte al poder de la Iglesia sobre la realeza y como siempre el poder eclesiástico estuvo al acecho desde las sombras. Todo esto es desechado por Hooper mostrando al personaje de Jacobi como una simple amenaza relacionada con el trabajo que realiza el actor/doctor y no mucho más que eso.

Los méritos que el film puede obtener derivan más de un análisis de la puesta en escena y cierto suspenso generado sobre el final de la película que a otros elementos. Está todo tan bien construido y tan bien llevado que se encuentra irreprochable a nivel técnico o artístico, pero al mismo tiempo se percibe que el film seguramente tiene un destino de clásico de la TV por cable dentro de un par de años (como Shakespeare apasionado, Sensatez y sentimientos, Lo que el queda del día) que de una obra que cambiará la manera de hacer cine. Salvo por la interesante secuencia sobre el final en la cual se justifica el título de la película en donde Hooper crea el mencionado y logrado suspenso alrededor de la misión que debe llevar a cabo el flamante rey, no hay un registro fílmico en la dirección que merezca demasiada atención. El discurso del rey es así: tan rigurosamente ejecutada, tan inocente, tan simpática, carente de hallazgos que necesiten de un reconocimiento, que permite apreciar como algunas películas ganan premios gracias al envoltorio y no precisamente por su contenido. En esta abulia es donde sale a relucir el mediocre trabajo de Hooper, director muy apegado a películas para televisión y en especial series y mini series muy prolijas donde la exaltación de la puesta en escena termina jugando en contra, ya que adquiere una frialdad que con otro director no se percibiría.

No hay decepción ni una excitación extrema, sino un estado de que vimos algo bien realizado, que da placer apreciar su ejecución y no mucho más. Claro, es más digno un film fallido pero que arriesga bastante y no uno que apuesta poco y naturalmente gana un poco más de lo que puso sobre la mesa. Eso es El discurso del rey. Tómenlo o déjenlo.

EL DISCURSO DEL REY (Reino Unido, Australia, Estados Unidos, 2010)

Dirección: Tom Hooper.

Interpretes: Colin Firth, Helena Bonham Carter, Geoffrey Rush, Derek Jacobi, Michael Gambon, Guy Pearce, Eve Best, Timothy Spall.

Guión: David Seidler.

Producción: Iain Canning y Emile Sherman.

Fotografía: Danny Cohen.

Montaje: Tariq Anwar.

Música: Alexandre Desplat.

Calificación: 6

Me pongo al día con algunas películas: Enredados, de Byron Howard y Nathan Greno

2011-02-19T14:43:00.000-08:00

Que es el estudio de animación más importante de la historia, nadie lo puede cuestionar. Disney, a lo largo de los años ha entregado decenas de películas, sean de animación o protagonizadas por actores de carne y hueso (siendo, en estos últimos años, más rentables que la producción y realización de "dibujos animados"). Durante la década del 2000 (o si se quiere, un poco antes) el estudio Disney sufrió una considerable caída en lo que refiere a la realización de películas de animación. Las historias, que antes lograban resultados exitosos en taquilla y crítica (la nominación al Oscar de La bella y la bestia, como momento cumbre de la empresa), fueron derivando en cansancio, tedio, monotonía. Hay que mencionar que no estamos considerando a las películas realizadas por Pixar, ya que estas no pertenecen exclusivamente a la productora del conejo Mickey. Luego de, para quien escribe, El jorobado de Notre Dame, Disney no presentó ninguna película que esté a la altura de sus clásicos. Teniendo en cuenta que films como Lilo y Stich, Las locuras del Emperador, Mulan, consiguieron aproximarse a la esencia de los clásicos de la empresa, no fueron suficientes para que en Disney haya un recambio en la dirección creativa. El puesto que ocupa desde hace cuatro años John Lasseter (creador de Pixar y director de Toy Story, Toy Story 2, Cars) empieza a dar sus frutos y el ejemplo más claro de esta renovación se encuentra en el último film de la compañía, que tiene como título Enredados.

El paso del tiempo no fue bueno con algunos films de Disney. Los más flojos fueron rápidamente olvidados (Vacas vaqueras, La isla del tesoro) y los intentos por darle mas vida y frescura a ciertos proyectos fracasaron estrepitosamente (dicen las malas lenguas que John Lasseter, luego de ver Chicken Little, preguntó si eso era la solución para los problemas creativos que sufría la empresa) mientras la sombra de los clásicos se agigantaba cada vez más y la competencia crecía con películas como Shrek (film esencial en la animación de los últimos diez años), La era del hielo, Madagascar y Kung Fu Panda. Al menos Disney podía exhibir orgullosamente las gemas de Pixar y no morder por completo el polvo de la derrota. Mencionaba a Shrek como esencial en el desarrollo de la animación de esta década. Esto se debe, básicamente, a que Shrek llegó para terminar con los clichés con los que Disney tropezaba con cada película. En vez del orden y cierto conservadurismo en algunos films, Shrek era puro descontrol, haciéndole muy bien al cine de animación (no vamos a hablar de sus secuelas, que poco tienen que aportar). Durante el 2008, Disney produce Encantada, película que, siguiendo la línea de Shrek, toma elementos fantásticos, situaciones de cuentos de hadas, para hacer un homenaje y al mismo tiempo parodia de estos clichés.

Enredados sigue esta línea pero resulta más lograda, incluso que la propia Shrek, por varias razones. Por un lado, el film de los directores Byron Howard y Nathan Greno, cuenta la clásica historia de Rapunzel de los hermanos Grimm., una princesa con una larga cabellera con poderes fantásticos que es encerrada en una torre. A partir de esta historia, se van agregando elementos que parodian al relato y a su vez elevan el mismo a otros niveles. La suma de personajes como el ladrón pícaro y contraparte romántica de Rapunzel, un corcel con actitudes de perro, una interesante villana y otros geniales personajes secundarios, son utilizados por los directores como elementos para cubrir todos los flancos por los que el film podría venirse abajo. Esto quiere decir que la trama principal se conecta con las subtramas para lograr un equilibrio excelente en la narrativa. Por momentos suceden muchas cosas en Enredados, y el placer es infinito. Hay en el film la imaginación, la gracia, el timing, para ser considerado un clásico inmediato. Como si fuera poco, se explotan muy bien los pasajes de comedia, los momentos musicales, y emocionan hasta las lagrimas ciertas escenas con una inmensa carga dramática.

El secreto de Enredados es a su vez, la solución a los defectos que se le veía comúnmente en algunas de las películas de animación de Disney. No hay una eliminación de la tradición de la compañía, sino una conexión de este clasicismo con la modernidad que el público pide en esta época. Byron Howard y Nathan Greno eliminan ciertos momentos cursis, gastados, poco interesantes de los clásicos y los suplantan por ritmo y frescura, traducido en personajes, canciones, escenas, y la narrativa tan tradicional del cine norteamericano como efectiva del cine actual. Se encuentra presente, entonces, la deformación de la novela original dotándole ciertos elementos que llevan la historia siempre para adelante, con un ritmo envidiable y escenas muy logradas. Entre ellas, la exaltación del musical como medio para establecer una historia de manera tan precisa como necesaria. Es más, estas canciones (compuestas por el mítico Alan Menken) resultan tan clásicas y tradicionales con respecto a los mejores momentos de la historia de la compañía que crea en el espectador la sensación de la nostalgia con la frescura que aportan los directores al relato. Si Enredados fuese una maquina, funcionaría de manera fenomenal.

Si en los films de Disney (tanto los mejores como los peores) la estructura era siempre similar, con sus musicales, personajes, situaciones y conflictos internos de los protagonistas, en Enredados se elimina lo conocido para llevar cada componente a un objetivo claro: la combinación de estos al servicio de la optimización del relato. En ese sentido, cada personaje guarda una tan firme relación con respecto a los demás y a la historia que parece que nunca hay un "bajón" en el relato. Es más, la cantidad de subtramas (la del ladrón, de sus perseguidores, la búsqueda de la eterna juventud por parte de la villana de turno, la relación entre los protagonistas) no deja caer la historia en el desgano por parte del espectador. Es en ese sentido Enredados, perfecta en su narrativa. Uno detalle no menor es la eliminación de todo destello de sermones, ya conocidos de memoria a lo largo de las múltiples películas que se han visto. Los minutos son exactos como pocas veces se ha visto en una película.

Como la gran mayoría de las películas mainstream que se estrenan, Enredados puede ser apreciada en 3D. Desde el comienzo del 2010 que una película no justificaba tanto ese recurso como la película de Howard y Greno, quienes utilizan la tercera dimensión para la introducción del espectador en la historia y no para arrojar al espectador todo lo que se tenga a mano. Por esta razón, el hecho de que la larga cabellera de Rapulzel parezca salir de la pantalla, no se establece como un regocijo visual, sino más bien como una introducción a un elemento clave de la historia. Hasta este punto esta pensada Enredados, película tan atemporal como universal.

ENREDADOS (Estados Unidos, 2010)

Dirección: Byron Howard y Nathan Greno.

Con las voces de: Mandy Moore, Zachary Levi, Donna Murphy, Ron Perlman, M.C. Gainey, Jeffrey Tambor, Brad Garrett, Paul F. Tompkins, Richard Kiel.

Guión: Dan Fogelman basado en el cuento de Jacob y Wilhelm Grimm.

Producción: Roy Conli.

Montaje: Tim Mertens.

Música: Alan Menken.

Calificación: 9

El cisne negro, de Darren Aronofsky

2011-02-19T11:34:00.001-08:00

Muy de vez en cuando hay películas que nos superan. Que forman y hacen que formemos parte de un mundo completamente desconocido. Hay casos en los que se puede tener una idea de tal mundo pero en los cuales la película en si logran crear una puesta en escena que supera a nuestro conocimiento. Y la mejor manera de crear este universo es aplicando ciertos elementos que transcienden la lógica impactando de lleno con los lugares comunes de este mundo que, a menudo conocemos y otras veces nos es ajeno. Sin embargo, la inclusión de estos elementos que parecerían alejar al espectador de la pertenencia a un determinado universo, permiten la creación, desde la estructura que se desee montar, de una especie de submundo particular. Este es el camino que Darren Aronofsky decide tomar para encarar su nuevo film, El cisne negro.

Aronofsky no tenía hasta la fecha una película que sobresalga de la mediocridad. Es cierto que El luchador es una interesante película, pero la verdadera fuerza de ese film provenía directamente de la interpretación protagónica de Mickey Rourke. La gran actuación del actor de Nueve semanas y media era más grande que el film mismo. Tengamos en cuenta que El luchador era la historia de un hombre a la deriva, que a lo largo de los años y después de ciertas decisiones equivocadas lo habían alejado del contacto con otras personas. Solo en su profesión de luchador de lucha libre encontraba un significado de su vida. La marginación de este personaje, unido sabiamente a la historia personal de Rourke, encontraba cierto coctel de nostalgia y entendimiento con respecto al actor/personaje. L luchador es más una película de y sobre Rourke que de Aronofsky. El resto de los films del realizador rayan tanto la mediocridad y el mal gusto, como lo son Requiem para un sueño y La fuente de la vida. Con El cisne negro, Aronofsky no solo cambia completamente de registro en cuanto a un destello visual de La fuente de la vida y opta por la eliminación de los golpes bajos propios de Requiem para un sueño (ya de por si ese título, es terriblemente sobreexplicativo).

Es cierto que El cisne negro está bastante lejos de ser una gran película: comete algunos errores, por momentos puede ser algo obvia en sus metáforas, y quedar al borde del pastiche. Sin embargo, como se mencionaba en el primer párrafo, ciertos elementos potencian su calidad y la alejan de ser un producto prefabricado y digno de esta temporada. El cisne negro comienza mostrando un escenario a oscuras mientras Nina Sayers (Natalie Portman en la mejor actuación de su carrera) baila una parte de El lago de los cisnes. Nina, en medio de la oscuridad, parece bailar dentro de si misma, de su conciencia, que se encuentra al filo de las tinieblas. Este personaje es diferente a cualquier otro que se encuentre en la filmografía del director de Pi (lo que dice mucha acerca del rumbo inconsistente e inseguro de su realizador).

Nina forma parte de un grupo de danza del Lincoln Center de Manhattan. El director, Thomas Leroy (Vincent Cassel), idea la realización de una nueva versión de El lago de los cisnes, despertando la obsesión de Nina, quien pretende no solo ser el cisne blanco (dulce, tierna, frágil) sino también su contraparte en la pieza, el cisne negro. Nina parece ideal para interpretar a El cisne blanco ya que su vida parece amoldarse al personaje del ballet. Aniñada, casi al borde de ser una adolescente que todavía juega con muñecas (como se puede vislumbrar al ver su habitación repleta de peluches), frágil, sobreprotegida por su madre (Barbara Hershey), Nina es, desde el momento en que desea los dos papeles, su propia enemiga. La llegada de una bailarina (genial y poderosa interpretación de Mila Kunis, quien ganó como Mejor actriz en Venecia) parece empeorar las cosas para Nina, quien va cayendo en un espiral de locura y obsesión por llegar a la perfección que solo el cisne negro puede ofrecerle.

Es en el momento en que Nina observa que su realidad comienza a trastornarse en donde El cisne negro comienza el descenso a los infiernos de la mente de Nina. Y es ahí mismo donde el film, que hasta ahí utilizaba el mundo de la danza de manera banal y previsiblemente (como demuestran las rivalidades entre las bailarinas), aborda su metamorfosis en algo más abstracto e ilógico. Uno de los aciertos de Aronofsky es el de unir a la protagonista con la película en si. Nina comienza a sufrir transformaciones en su cuerpo y mente, como también el film empieza a recorrer terrenos misteriosos. Por eso no es incorrecto decir que la mirada que propone el film de Aronofsky, no solo es la de Nina, sino la del propio espectador que ve tanto una descomposición de la protagonista como de la historia y el universo del que forma parte.

Aronofsky toma el mundo de la danza para ir agregando elementos e inclusiones y tópicos de diversos géneros utilizados en la deformación su propio film. Si la historia avanza en un principio con el objetivo de relatar las desventuras de Nina por obtener los dos papeles, esto rápidamente se ve afectado por múltiples toques pertenecientes a diversos géneros. Y otra vez surge lo que se mencionaba anteriormente: la deformación de la carne en Nina es simétrica con respecto a la podredumbre del film. Lo que hace el director es simplemente no hacer de su película, una historia que recorra una línea recta sino que se vaya deformando a golpes para terminar en algo mucho más amorfo si se quieren, en lo cual nunca se sabe que camino va a tomar. Por momentos la película parece tener como puntos de contacto inmediatos a Momento de decisión, por otras a un estilo ya visto en El club de la pelea, en muchos otros a Las zapatillas rojas (obra cumbre de la historia del cine), en la personalidad de Nina parece haber varias similitudes con el personaje de Denueve en Repulsión, la madre sobreprotectora que compone Barbara Hershey parece encontrar un nexo con la madre de Carrie, y por partes el film en si recuerda a algunos títulos de David Cronenberg. El cisne negro es una película que, justamente, a Cronenberg le hubiese interesado filmar, ya que guarda relación con la temática que recorre su filmografía: la descomposición de la carne, el cuerpo que recubre lo oculto, la violencia, y lo sexual como medio de la verdadera liberación son temas que se encuentran en El cisne negro. Si se observa la degradación de un cuerpo como el de Nina también se vislumbra que su mente se empieza a retorcer hasta niveles de autoflagelacion.

En los primeros minutos de la película, Leroy le ruega a Nina que si quiere ser El cisne negro tiene que soltarse, llenarse de pasión, seducir, sentir... objetivo que Nina no cumple. La sobreprotección de su madre y su estilo casi naif atentan contra la unión de la joven con el oscuro personaje de la obra. Algo similar ocurre con la película de Aronofsky ya que por momentos (otra vez surge la cuestión de qué punto de vista tiene el film) es demasiado estancada, rígida, explicativa, obvia en sus ideas con respecto a la personalidad de Nina (los reflejos y la contante idea de los espejos y las dos caras, resultan ser elementos tan obvios como repetidos). Sin embargo, como lo exige una gran interpretación de el cisne negro, el film en muchos momentos seduce, encanta, divierte, desborda pasión y locura. Es cierto que a algunas personas no les gustará el golpe de timón pseudo fantástico que realiza Aronofsky, pero corresponde con la naturaleza del film. En el cine hay algo hermoso que se da en pocos casos y El cisne negro lo tiene: en primer lugar la conexión del universo, la totalidad de la película, con sus personajes, que son en definitiva partes de un mismo todo; y en segundo lugar, la desesperada, hermosa, consciente locura que se le puede dar a un film (si corresponde hacerlo). Cuando El cisne negro (la película) se suelta seduce y logra el suspenso. Suspenso no como género (que además lo tiene) sino en pensar que va a suceder en la próxima escena, ya que por momentos no se sabe que camino tomará Aronofsky con su historia. Cuando pretende ser más controlada, tomando con seriedad las múltiples visiones de Nina y todo el entorno en el que se encuentra, la película pierde bastante de su verdadera esencia. Curiosamente, son estos momentos menos logrados los que se encuentran al borde de una tragedia cinematográfica y no los otros donde se exalta de manera tan hermosa y emocionante la locura de la protagonista.

A veces se encuentran ciertas películas que nos llevan a experimentar un nuevo mundo, a ser parte de algo que no conocemos. El camino para el espectador es elegirlo o rechazar la oferta que se presenta. Cuando a veces se escucha la expresión de "es cualquier cosa" es porque hay un film que propuso un universo particular y ese espectador decidió no aceptarlo. El cisne negro chupa al espectador que decida involucrarse en la locura de Nina y el que no quiera ser parte de este universo se verá alejado y cuestionará los elementos fantásticos que se presenten a lo largo del film. Realmente, hay que ver para creer ciertas cosas que suceden en El cisne negro.

En este sentido, Aronofsky parece no tener miedo y va a 300 por hora. Las películas que no tienen miedo de estrellarse contra la pared son las más honestas, más disfrutables, más pasionales. El director de Pi crea una película visceral, demente, seductora, que raya el papelon pero que sale triunfante cuando no se sabe que va a suceder con la protagonista. Gira, gira, gira, eso es lo que la película hace todo el tiempo. Cuando vemos que nada más puede suceder, un cuerpo en el piso. Alguien lo esconde en una puerta. De repente hay suspenso, hay emoción, pasión por lo desconocido, apetito por la destrucción. Allá está El discurso del rey si quieren ver algo correcto, tan simple que elimina todas las lecturas que se le pueden hacer al film. Allá se encuentran los Coen, carentes de pasión por cualquier cosa. Por eso mismo, aplaudan de pie: Aronofsky no hizo una gran película, está bien, pero sigue girando y a esta altura verdaderamente a quién le importa.

EL CISNE NEGRO (Estados Unidos, 2010)

Dirección: Darren Aronofski.

Interpretes: Natalie Portman, Mila Kunis, Vincent Cassel, Barbara Hershey, Winona Ryder, Benjamin Millepied.

Guión: John J. McLaughlin, Andres Heinz y Mark Heyman.

Producción: Mike Medavoy, Arnold Messer y Brian Oliver.

Fotografía: Matthew Libatique.

Montaje: Andrew Weisblum.

Música: Clint Mansell.

Calificación: 7

Volver al futuro, de Robert Zemeckis

2011-01-23T16:45:00.000-08:00

La década de los 80 es, casi con completa seguridad, la etapa en donde el cine se estableció en la memoria colectiva de millones de espectadores que, a su vez, se conectan a través de recuerdos proporcionados por diferentes momentos de una película. Es que los 80 en materia cinematográfica han dado imágenes, escenas, personajes, diálogos, y demás, que han sido tomados como parte de una cultura formada gracias a estos sellos que a su vez identifican una época. Volver al futuro, película de Robert Zemeckis (ese gran director que está actualmente desaparecido en una zona tecnológica aburrida, chata e incluso ya anticuada concibiendo películas como El expreso Polar, Beowulf y Los fantasmas de Scrooge), es capaz el ejemplo clave de como una obra artística logra escapar de la pantalla para formar parte de una sociedad que le rinde homenaje en el recuerdo que van desde escenas (elijan la que quieran) hasta símbolos e iconos. Pocas películas, establecen en el público, una tan fuerte relación entre su memoria y un hecho determinado que es propio de una película. Una persona puede identificar Volver al futuro si la ve en televisión al igual que cualquier otro puede reconocer la música de Tiburón o a que película corresponde la escena de Elliot y su amigo extraterrestre en bicicleta. Esto se debe a que hay una presencia cultural tan fuerte que pasa de ser un simple hecho cinematográfico a ser un recuerdo que perdura para siempre. En este sentido, Volver al futuro es una de las películas con más referencias culturales que se hayan visto alguna vez en la historia del cine. Me atrevo a decir que es el film que más se recuerda (o que se reconoce, para el caso en que una persona no la haya visto sabe identificar lo que aparece en la pantalla). Volver al futuro no guarda relación con un publico sino con una generación que le transmite sus recuerdos a la siguiente.

Enumerar los factores que permiten que Volver al futuro obtenga este catálogo se debe a numerosas razones porque el film de Zemeckis es, esencialmente, universal; para todo el público, de cualquier nacionalidad, de cualquier edad. Hay elementos que remiten tan bien y de manera tan sarcástica como precisa, diferentes momentos históricos americanos que a pesar de estar ajenos a nuestra Historia, entendemos y disfrutamos. No quiere decir que el film de Zemeckis no sea accesible, fácil de entender y simple. Como mencioné, Volver al futuro es universal, incluso para quienes quieren apreciar la película como un entretenimiento (que lo es, y de que manera...). Para quienes se interesen por una pintura sociopolítica de las diferencias entre los treinta años que transcurren de 1955 y 1985, el film está ahí para presentar un retrato muy crítico sobre las promesas rotas que el sueño americano significó para la sociedad estadounidense. La mayor virtud de Volver al futuro es capaz la manera en que toma a todos los espectadores por igual dándole a cada uno lo que quiere para satisfacer su necesidad.

La universalidad de Volver al futuro no solo se relaciona con el entretenimiento que ofrece ni con la pintura que realiza sobre las diferentes épocas en la que transcurre, sino más bien con la idea que plantea. El guión de Zemeckis y Gale incluye a los espectadores en el conflicto del protagonista mediante la exposición de la gran aventura que atraviesa este personaje. El viaje en el tiempo es algo que se ha pensado e idealizado desde tiempos inmemorables. Sin embargo pocas aventuras de este tipo tienen la relación fraternal que establece espectador-protagonista. Esto se debe a la precisa mirada de los guionistas con respecto al protagonismo de Marty y a la complejidad de la trama. En este sentido, es difícil que Volver al futuro envejezca ya que cuenta con un guión de hierro, que es muy complicado de igualar. A la conocida historia de los viajes en el tiempo, se suma la excelente comedia de enredos que se establece en ese triángulo amoroso entre padre-madre-hijo, bastante chocante hasta en el día de hoy. Pero si Volver al futuro se concentrase en ser una aventura con algunos toques de humor, sería solamente una buena y correcta película.

La mayor virtud del film de Zemeckis es bombardear al espectador con la trama principal, las extraordinarias subtramas e introducir al público en una historia que básicamente nunca se detiene. Justamente un film sobre el tiempo es el que no se detiene nunca, va siempre para adelante y utilizando las mejores armas para armar un clásico. Observemos que Volver al futuro es uno de los films de aventuras más complejos que alguna vez se hicieron. Por un lado tenemos una historia de viajes en el tiempo tan fantástica como creíble, porque desde el primer momento creemos lo que vemos, somos parte de esa historia (otra vez, la idea de la universalidad de la película de Zemeckis). Por el otro se encuentra el conflicto de como Marty puede unir a sus padres y que su madre no se enamore de él. A esto se le suma la historia del Doc Brown (excelente Christopher Lloyd) y su invento revolucionario luego de varios fracasos tecnológicos, y como si fuese poco, la relación entre el pasado y el presente. Si nos detenemos en este punto vemos en el guión una mirada crítica, ácida y bastante pesimista sobre las dos épocas en las que se desarrolla la acción. Por un lado, el presente (o sea, 1985) en Hill Valley es mostrado como un sitio no oscuro pero si venido a menos. Esto guarda relación con la historia familiar de Marty, como si la contención de sus allegados más íntimos esté tan poco desarrollada como la ciudad en la que viven. Si 1985 pasa por un filtro que crítica el momento social y político (representado por un alcalde que en su lema de campaña para su reelección utiliza el mismo que un candidato rezaba treinta años antes), los años 50 están vistos desde la mirada del Marty criado durante la década de los 80. Por momentos acida (la mención a Ronald Reagan como actor y presidente es fantástica, la idealización de la familia durante los años 50, la mención a la guerra nuclear en plena Guerra Fría) y por otros bastante enternecedora (en lo que la cultura refiere).

Es notable como Zemeckis logra en pocos minutos plantear tanto una situación familiar, los conflictos internos de los personajes y la mirada política. En esta introducción vemos el mundo actual de una manera superficial, complementándola más tarde coñá situación treinta años antes. Por eso es terrible la escena en la cual Marty, una vez en 1955, observa que su barrio aun no fue construido minutos después de verlo destrozado y poco cuidado en el comienzo del film. En este sentido la película funciona como un espejo que se complementa con ambas caras. No hay presente sin un pasado. Se puede decir que Volver el futuro es, en el momento en que Marty viaja al pasado, un gran flashback que se completa con la visión del mundo del mañana. De alguna manera lo que vemos en Marty es una suerte de sueño, de oportunidad para revisar la causante de todo lo que sucede 30 años después.

A pesar de ser una película de tintes fantásticos pero ligada a la realidad, hay algo en Volver al futuro que la hace una experiencia casi onírica. Tengamos en cuenta que Marty, al viajar al pasado, ve todo aquello como una pesadilla en la que tiene que despertarse. Supongamos por un momento que Marty atraviese una experiencia onírica que lo envía al pasado. Esta idea guarda una relación posible y muy lógica si tomamos al género fantástico como historias relacionadas a la pesadilla que vive el protagonista. Dentro de este sueño (que incluye el viaje al pasado, y el resto de la aventura) parece haber otro que se conecta con la historia de amor entre los padres. Marty sufre en la realidad con el patetismo de su débil y fracasado padre y la depresión y conservadurismo de su madre. Sobre el final del film, cuando Marty despierta luego de toda su aventura, parece haberse despertado de su propia realidad. Vemos una casa ordenada, alegre e iluminada; sus hermanos exitosos y felices; Biff está en el lugar donde debe estar; y sus padres se divierten jugando al golf. Además de una idealización sobre el estándar de una clase social determinada, esa familia es un sueño que nunca se concretaba para Marty, y que el mismo, luego de la aventura de su vida, permite realizarlo.

El film de Zemeckis contiene un nivel de entusiasmo en el público que ve esta película que es difícil de igualar con otra. Podrían nombraras otros títulos importantes (Indiana Jones, ET) pero ninguno genera la alegría, emoción y satisfacción que expone Volver al futuro. Eso se debe justamente a que el film abarca todos los costados y llega por todas partes al corazón de cada persona que la ve. Por eso mismo es muy difícil encontrar personas que rechacen la propuesta que propone el film. Durante estos días de enero se desató una fiebre generada por el reestreno del film en las principales cadenas de cine en Argentina. La cantidad de gente que formó parte de la medida propulsada por el creador de una página de cine muy importante en el país da cuenta del impacto que tiene la película sobre el público. Y las razones son múltiples ya que Volver al futuro contiene numerosas escenas, imágenes, personajes, símbolos que son reconocidos gracias a la cantidad de veces que se ha visto el film.

Con el motivo del reestreno del film, se conformó un interesante debate con motivo de la nostalgia provocada por la película. Como mencionábamos anteriormente, Volver al futuro es un film que, mas allá de sus múltiples virtudes cinematográficas, adquirió con el paso del tiempo un aura de nostalgia en universo que exhibe la película. Últimamente se están dando en varias esferas sociales y artísticas, un continuo retroceso a capítulos ligados con recuerdos populares, como lo es el film de Zemeckis. Es cierto que la potencia emocional de Volver al futuro es enorme, pero existe y es cierto en este sentido lo que opinan los detractores de la movida generada por el reestreno del film, una postura "retro top" que parece ser disfrutada más por el hecho de recordar diversos aspectos emocionales del pasado que el disfrute de, como en este caso, una película. De todas maneras, y aunque puede existir esta postura (admitamos, no es nociva), el reestreno de Volver al futuro deja en claro que estos clásicos son cada vez mas difíciles de apreciar si se observa el panorama del cine actual (en ese sentido, es Avatar, una obra con magnitud que se propulsará para ser un clásico. La película de Cameron es en este sentido el último clásico que dio el cine moderno.)

Volver al futuro es una película que demuestra su magnitud, su grandeza, con solo su visión. Como los grandes films, no pierde intensidad o sus principales valores con el paso del tiempo. Incluso se hace más valioso luego de 25 años desde su estreno ya que se magnifican sus virtudes, no solo por estas pertenecientes a la película en si, sino en comparación con la pobreza en que se encuentra el cine mainstream. Pocas veces el cine hollywoodense llegó tan lejos y dejó una huella tan permanente en el público y en el cine mismo.

VOLVER AL FUTURO (Estados Unidos, 1985)
Dirección: Robert Zemeckis.
Interpretes: Michael J. Fox, Christopher Lloyd, Lea Thompson, Crispin Glover, Thomas F. Wilson.
Guión: Robert Zemeckis y Bob Gale.
Producción: Neil Canton y Bob Gale.
Fotografía: Dean Cundey.
Montaje: Harry Keramidas y Arthur Schimdt.
Música: Alan Silvestri.
Calificación: 10

Más que una película de terror: Piraña (2010)

2011-01-13T18:04:00.000-08:00

¿Qué lleva a un espectador a ver una película como Piraña 3D y no otra película? ¿Qué se busca cuando uno ve una película donde un grupo de feroces peces devoran partes enteras de un cuerpo humano? ¿Es esto cine o solamente un regodeo gore para cierta clase de público deseoso de sangre? ¿Tiene justificación tanta sangre y tanto entretenimiento? ¿No es el cine eso, nada más ni nada menos que un entretenimiento que puede derivar en miles de variantes posibles?

Existen en el cine ciertos casos en los que un film no se "esfuerza" o mejor dicho, no pretende contar una gran historia sino que deposita sus fuerzas en como emprende esta tarea. Estas películas, recurrentemente son mal vistas por una gran parte de un público que busca un entretenimiento (el cine es en definitiva eso, mas alla de sus múltiples variantes) que los "llene" más que un film que en apariencia tiene poco para mostrar. Podemos tomar varios títulos en este último tiempo que le ofrecen al espectador la oportunidad de introducirse en el mundo que se les presenta y darles una falsa idea de inteligencia que los satisfaga. Sin embargo, muchas veces resulta más interesante y entretenido ver un film que se toma las cosas sin mucha seriedad pero con profesionalismo. Piraña 3D va por este camino, que no es ni mas ni menos, que un vehículo para generar un entretenimiento de 85 minutos que pocos pueden ofrecer a esta altura.

Piraña, modelo 2010, increíblemente y a pesar de todos los pronósticos es un film a tener en cuenta por varias razones. Pero primero vamos al pasado por un momento. Luego del impacto que provocó Tiburon en la historia del cine y en especial en la década del 70, muchos directores de diferentes categorías se animaron a hacer un subgénero que duró más bien poco. Este consistía en el peligro provocado por especies acuáticas que acechaban, sin importar la especie. Así surgieron Barracudas, Orcas, Tentaculos, etc. Lo que sea necesario para inculcar terror y generar dinero. Esto se resolvió rápido cuando el publico simplemente dejó de esperar algo que supere al film de Spielberg y vaya en busca de algo novedoso. Sin embargo, hay una película que funciona a partir de una premisa similar a la que dos años antes había mostrado en Tiburon. Piraña, modelo 1978, sigue siendo hasta el día de hoy una película muy disfrutable, más allá de sus geniales efectos especiales, gracias a la mano del enorme Joe Dante. Hay algo en el film que es una marca registrada en su cine y es la combinación de dos géneros que muchas veces logran resultados asombrosos, como en este caso. Piraña es una muy buena película de terror con una cuota muy bien graduada de comedia. El cine clase B, donde Dante junto con otros exponentes es un experto, se nutre de esta combinación creando un universo donde lo terrorífico es llevado tan al extremo que termina formandose dentro de ese universo un placer involuntario frente a las imágenes que se nos presentan que terminan divirtiendo tanto como impactandonos. La remake de Piraña sigue por ese camino aumentando a una máxima potencia ese propio universo.

Hay que ser sinceros, luego de la primera versión de Piraña, era difícil que una remake se iguale a la película de Dante. Piraña versión 2010 no supera a la original, eso seguro, pero contiene varios elementos destacables dentro del contexto actual del cine mainstream.

Como mencionaba anteriormente, hay ciertas películas que no necesitan una gran historia, personajes muy delineados, ni situarse en un contexto político y social. Gustavo Noriega, director de la revista El amante, denominó en su momento a la película The hitcher como una "película cabeza" (no es para nada un aspecto negativo, incluso Noriega disfrutó la película). Esto se debe a varias razones pero en particular una que sobresale: la explotación de los recursos de un género al servicio de una historia que no tiene nada que “decir” salvo contar una historia de manera precisa. Piraña sigue esta misma línea, esta idea en particular. Sobre el comienzo del film de Aja (responsable de la horrible, tramposa e intragable Alta tensión) no se vislumbra una historia original, personajes que sobresalgan o que no hayamos visto anteriormente, ni tampoco una mirada sociopolítica que cree un análisis que se desprenda de la trama (en realidad hay una interesante critica al entretenimiento banal y mundano norteamericano). Pero a medida que avanza el film, luego de un comienzo poco prometedor, Aja mezcla elementos propios del cine clase B rindiendo un homenaje al film de Dante y mucho, muchísimo, del cine cabeza que hace mención Noriega.

Si el comienzo no es prometedor se debe a que los lugares comunes, los clichés del género y un aire a muy conocido golpean muy fuerte. Luego, el descontrol y la transformación de estos estereotipos y lugares comunes en algo novedoso. Elisabeth Shue como sheriff (!!) de un pueblo que deposita esperanzas económicas en su lago de ensueño (si, como Tiburón pero sin el peso político que había en el film de Spielberg), muchas mujeres desnudas, diversión barata americana, y una pirañas exageradamente diseñadas para hacer todo más acorde al universo del film. Todo esto forma un coctel condimentado con algunos demás personajes que a pesar de estar delineados de manera precaria, son parte de la Naturaleza que está directamente relacionada a la diversión que proporciona el film producido por los hermanos Weinstein.
Piraña es una película que forma parte de ciertos títulos que se alejan de la media del cine mainstream que inunda salas de todo el mundo. Aja logra una película políticamente incorrecta si se quiere. En épocas en que se busca un cine accesible a un público masivo que para las grandes productoras solo tiene como objetivo llenar salas y recaudar millones, Piraña es una alternativa a esta pereza e hipocresía propia del cine actual. Es esta remake uno de los films mas sangrientos, desagradables y por momentos originales (si, originales) que se han visto en años. Esto no solo se debe a las alternativas muertes que se superan a medida que transcurren los minutos, sino a ciertas escenas que son directamente imperdibles (ver el destino del personaje de Jerry O'Connell, por ejemplo). La principal diferencia entre El juego del miedo o Hostel (por nombrar dos películas que utilizan el gore sin justificación) y Piraña es que esta ultima celebra el universo en el que se encuentra y eleva el gore al nivel de la parodia con el objetivo de ser parte de un entretenimiento puramente disfrutable, sin caer en la filosofía terriblemente equivocada de los films de Jigsaw o en el vacío cinematográfico que representa Hostel.

Si bien a esta altura el 3D se encuentra ya instalado en la cultura cinematográfica (en la actualidad se ve una increíble variedad de películas que cuentan con este formato) tempranamente presenta una saturación y un tedio que se debe exclusivamente a la explotación de esta oportunidad de ver una historia en tres dimensiones. El 3D en Piraña a simple vista, es decir, en 2D y en un monitor de PC, no representa otra cosa que una oportunidad para hacer todo más terrorífico. Esto no se debe a que sin la tercera dimensión el film no le hace honor al género de terror sino que hay un acercamiento al mundo que promueve el film de Aja. El problema surge cuando este uso últimamente indiscriminado no cambia absolutamente nada en la historia, sino que es parte de un negocio que cada vez se hace más rentable. Tomemos dos películas como Avatar y The Hole (obra de Joe Dante), dos films que se nutren de las tres dimensiones para crear obras que justifican su uso. En Avatar el 3D nos permite entrar en el universo creado por Cameron y es casi una obligación introducirse mediante este uso porque no solo estamos viendo un film original e innovador sino que somos parte de un mundo que nos absorbe en todas las dimensiones. En The Hole, el 3D nos introduce en la psiquis de los personajes, en los conflictos internos de los protagonistas que aquí están representados por los miedos de cada uno. En este film, Dante toma el camino opuesto a Cameron y en vez de llevar el uso de las tres dimensiones a un planeta desconocido, decide explorar los misterios psicológicos, de alguna manera algo mas interno pero tan sorprendente y desconocido como lo es Pandora.

Piraña es un entretenimiento que está ahí para ser apreciado por algunos y reprobado por muchos otros. Los que entren en el mundo que propone la película se van a encontrar y se van a sorprender con esta historia de unas pirañas gestadas hace millones de años que luego de un movimiento sísmico son liberadas y comen todo lo que hay a su paso. Van a encontrar de vuelta a esa genial y sexy (mas sexy que todas las mujeres que aparecen en el film, según mi humilde opinión) actriz llamada Elisabeth Shue en un papel inusual, a un Jerry O'Connell en plan desatado como director de un programa de TV a lo Wild On y muchas otras virtudes narrativas y visuales que Piraña no teme en mostrar. En cierto sentido es el film de Aja, una de las películas más repulsivas y valientes que ofreció el cine de terror en mucho tiempo.

PIRAÑA (Estados Unidos, 2010)

Dirección: Alexandre Aja.

Interpretes: Elisabeth Shue, Adam Scott, Ving Rhames, Steven R. McQueen, Jerry O’Connell, Christopher Lloyd, Jessica Szorh, Kelly Brook y Riley Steele.

Guión: Pete Goldfinger y Josh Stolberg.

Producción: Alexandre Aja, Mark Canton, Gregory Lavasseur, Marc Toberoff.

Fotografía: John R. Leonetti.

Montaje: Baxter.

Música: Michael Wandmacher.

Calificación: 7

Imperdible: Amigos apasionados, de David Lean

2011-01-07T15:54:00.000-08:00

Hay en el realizador ingles David Lean dos etapas bien diferenciadas si uno ve, incluso sin haber visto cada una de sus películas, su completa filmografía. Lean comenzó filmando dramas íntimos, muy escuetos en producción, contando con un guión que se sobreponía a los grandes destellos materiales de una puesta en escena. Breve encuentro, Amigos apasionados o Hobson's choice son completamente diferentes al resto de su filmografía. Hay que apuntar que esta mirada está relacionada con elementos que implican una ostentación en la puesta en escena más que al guión de donde salen los personajes y las acciones en cada una de sus películas de su primera etapa como realizador. Si bien luego el cine de Lean fue derivando en un atractivo visual mas que en una intensidad provocada por la intimidad de un abrazo, un beso o una mano apoyada en un hombro, los elementos emotivos se pueden percibir incluso en otras películas suyas de su periodo más mainstream.

Amigos apasionados, o Apasionada, es una de las películas más interesantes de Lean, ya que contiene varios elementos que pueden ser vistos en otros títulos pero que en esta adaptación a la pantalla de una novela de H.G. Welles, crea una digna y muy honesta emoción. Amigos apasionados es la historia de una pareja que el tiempo se encargó de separar a lo largo de muchos años. En realidad, no fue solo el tiempo sino factores relacionados a cada personaje. El film, dirigido con mucha gracia y firmeza por Lean, está repleto de flashbacks (a veces unos dentro de otros), sueños y deseos de los que podemos ser testigos, y una narración poco clásica. La historia es parecida a muchas otras. Y contiene los mismos personajes de siempre. Pero es su estilo, su ejecución, su nobleza, lo que nos permite emocionar como si nunca hayamos vivido con anterioridad estas historias en el cine.

Amigos apasionados (The passionate friends cual reza su título original) es la historia de amor que surge luego de muchos años entre Mary y Steven. Años que significan un encierro sobre sus sentimientos dispuestos a liberarse una vez que se ven después de mucho tiempo. El film, como hacía mención anteriormente, está repleto por recursos que le brinda Lean para enmarcar la historia en un contexto que se justifica en cada presencia y encuentro entre los personajes. El comienzo del film en ese sentido es ejemplar: Mary viaja a Suiza a estar de vacaciones con su esposo, Howard, un diplomático muy correcto y poco demostrativo afectivamente. Al lado de la habitación donde se hospeda Mary y su esposo, se encuentra Steven, quienes nueve años antes tuvieron un affaire mientras ella se encontraba casada aun con Howard. El director de Breve encuentro (película que comparte algunos puntos en común que después veremos) utiliza dentro de ese flashback que nos muestra lo que pasó nueve años antes para utilizar otros que nos sintetizan momentos mucho tiempo atrás, cuando Mary y Steven eran novios. Entonces Lean deforma, transforma, le da un giro a estos recursos, que se meten en la historia, rompe con una supuesta línea narrativa para contar algo que no es para nada simple y chato como para ser establecido de una manera lineal.

Lean va del presente al pasado, luego mas al pasado para volver a la actualidad de las acciones. Juega con los tiempos, como lo había hecho en Breve encuentro, salvo que esta vez está todo maximizado. De hecho, Amigos apasionados podría ser considerada como un lado B de la película que le permitió a Lean obtener el gran premio en Cannes cuatro años antes del estreno de The passionate friends. Hay en el melodrama, ese género hermoso, algo que nunca se agota. El melodrama es una imagen de una triste realidad que nos acerca a los personajes, los comprendemos, somos parte de su mundo. Por eso en Breve encuentro despreciamos a la amiga de Laura cuando interrumpe los últimos minutos con la persona que nunca podrá volver a ver en su vida. Por eso mismo en Amigos apasionados, estamos pendientes que la relación entre los amados no termine nunca, que no se entere nadie que pueda quebrar el amor entre ellos. Hay una compresión que se permite estar ahí por medio de una relación entre el espectador y el personaje ligada exclusivamente a la realidad, a la racionalidad de lo que vemos. Y es esa racionalidad lo que hace que en todo momento creamos lo que vemos, porque somos parte todos del mismo mundo. No hay universos nuevos que descubrir en el melodrama sino un sistema que conocemos demasiado bien.

La historia del triángulo amoroso ha dado muchas películas con varias variantes en su historia. Las hay de suspenso, las hay trágicas, las hay de comedia y otras acentuando lo melodramático. En Amigos apasionados hay una historia clásica de dos enamorados. Por eso las similitudes con Breve encuentro pueden ser fáciles de encontrar. Sin embargo hay varios detalles que permiten que Amigos apasionados se permita desligar de su "antecesora". Si B.E. se concentraba en la trama protagonizada por los dos amantes y casi dejaba de lado toda mención al esposo de Laura, alejado de la acción, de la comprensión de los sentimientos de su mujer, en The passionate friends, el papel del marido de la protagonista es esencial. No solo hay un mayor protagonismo de este, sino que hay una fuerte carga dramática que se amalgama formidablemente con la relación entre Mary y Steven. Por eso, cerca del final, la confesión del esposo (hermosa y terrible, en uno de los monólogos más impactantes que he visto, no por lo que expresa sino por su esencia, su dejo de felicidad y tristeza al mismo tiempo) permite establecerlo como un participe más de la historia y no como un personaje que solo funciona como el tercer vértice del triángulo.
Igual de brillantes son varias escenas clave, que maneja tan bien Lean superponiendo en varios momentos la multitud y el caos en una estación de subte o la euforia de un festejo de fin de año junto con los sentimientos mas íntimos; lo minimalista en contraste con la magnitud de varios momentos que sirven para lograr un claroscuro de sensaciones que se encuentran. Por eso el lado B de Breve encuentro tiene un peso propio, no tiene que copiar nada a nadie. Contiene escenas (el festejo de año nuevo, la confesión del esposo, el encuentro entre los tres protagonistas en el salón de Howard, la desesperante última escena) que podrían considerarse de lo mejor que dio el melodrama durante la década del 40.

AMIGOS APASIONADOS (Reino Unido, 1949)

Dirección: David Lean.

Interpretes: Ann Todd, Claude Rains, Trevor Howard.

Guión: Eric Ambler, Stanley Haynes y David Lean basado en la novela de H.G. Welles.

Producción: Ronald Neame.

Fotografía: Guy Grenn.

Montaje: Geoffrey Foot.

Música: Richard Addinsell.

PD: la exhiben en el Malba el sábado 15 a las 14:20 hs. en el marco de la programación "Homero Alsina Thevenet: La maquina de escribir"

Primer película del año: Más allá de la vida, de Clint Eastwood

2011-01-06T12:21:00.000-08:00

Hay ciertas películas que quedan en la memoria por un tiempo. Las hay muy buenas, buenas y otras que son difíciles de ubicar. No vale aclarar los dos primeros grupos porque todos sabemos cuando algo en muy bueno o bueno, sea en el aspecto artístico que corresponda. En el tercer conjunto la cosa es más bien inusual. Es común en el cine de terror más bien o en la comedia (dos géneros a veces muy maltratados y subestimados) que haya films que tengan múltiples fallas o defectos si se quiere pero que aunque son notorios, los aceptamos, los abrazamos, y terminan siendo más bien parte del universo que plantea la película. En resumen, los defectos terminan siendo algo positivo para quien acepte las reglas del juego que presenta la historia. Como decía anteriormente, el cine de terror y la comedia son parte de este grupo y esto se da cuando alguien menciona “es tan mala que es buena”. Es mala porque tiene fallas pero estas fallas terminan encariñando a quien decide tomarlas, concientemente, como un aspecto positivo.

La última película de Eastwood roza ese grupo para quien escribe. Más allá de la vida no es una película mala ni mucho menos que eso. Es un gran film, es un honesto con sus ideas y decide ir a toda velocidad (si el clasicismo de Eastwood me lo permite) con su idea principal. En general, las últimas películas del realizador tienen elementos que pueden ser ubicados en el tercer grupo. Pero después hablaremos de esto. Los primeros minutos de Más allá de la vida llaman la atención si uno no vio antes el trailer de la película o si no sabe más o menos de que se trata el film. Mary LeLay, una conductora de televisión francesa está de vacaciones en Asia en el momento en que el recordado tsunami de 2004 azotó las costas del sur de Asia. Mary experimenta una cercanía con la muerte por un par de segundos en los que queda inconciente. En otra parte del mundo, esta vez en Londres, un niño de 10 años sufre la muerte de su hermano gemelo en un accidente. En San Francisco, un hombre puede hablar con los muertos pero por diferentes razones se encuentra retirado de lo que fue un negocio que le dio más disgustos que satisfacciones.

Estos tres son los personajes principales que Eastwood plantea en su nueva película. Personajes que recorren todo el film con un gran peso a cuestas. Son personajes sufridos, tristes que vagan buscando una solución constantemente en un mundo terrible. El universo que expone Eastwood va desde la atroz fuerza de la naturaleza a la relación rota entre dos hermanos, ya sea por la muerte o por la incomprensión. La mirada de Eastwood toma por igual a todo problema que haya en el mundo, por más mínimo que parezca y lo trata con precisión, sin descuidar detalles, porque Más allá de la vida es una película que, increíblemente no habla de la muerte, sino de los conflictos que surgen en “el acá”. Los personajes, si piensan en la muerte, buscando una solución que no encuentran en el mundo. No es por nada que el niño de 10 años, se pasea por varias personas que le pueden brindar una solución a su soledad y comunicarse con su hermano fallecido, y no encuentra otra cosa que la desazón de encontrarse más solo aún y en un mundo lleno de falsificadores y mentirosos. Hasta ese punto llega la mirada pesimista del director de Gran Torino, una película que comparte algo con Más allá de la vida. Ambos films dejan un mensaje bien claro, si se quiere a veces subrayado pero siempre honesto, con respecto a la solución de los conflictos de sus protagonistas. Ver Gran Torino y Más allá de la vida son buenas opciones para hacer una suerte de díptico.

Eastwood, de 80 años, conserva todavía la capacidad de hacer un cine clásico con una precisión que muchos realizadores jóvenes envidiarían. Esto se puede observar en el pulso para que a las tres historias que formar parte del relato coral no les sobre ni les falte un minuto. Hay un nivel de perfección en lo que respecta al aspecto narrativo que en sus anteriores películas no se podía observar. Hereafter, como indica su titulo en inglés, es pausada, se toma su tiempo para presentar a los personajes pero una vez que el conflicto se establece. Por eso vamos junto con los protagonistas sintiendo la desesperanza del mundo que los rodea. A diferencia del mexicano Gonzalez Iñarritu y sus películas como Babel y 21 gramos e incluso Amores perros, hay en Más allá de la vida mucha más emoción y nobleza que en las películas del realizador azteca. Como mencionaba, Eastwood se plantea los problemas cercanos a la vida que a la muerte en si. El más allá, según su visión, es una especie de infinito donde varias personas se encuentran detenidas con una luz cegadora en el horizonte. Esta visión, esta idea del más allá puede ser tomada de diferentes maneras. Lo que para algunos es banalizar algo que desconocemos y crear algo más cercano a la semejanza que podemos tener del más allá, para los defensores puede ser tomado como justamente eso. La poca idea, o la nula si se quiere, de la continuación de la vida (si la hay) es la que expone Eastwood y la describe con mucha simpleza, que no es pereza, sino que es algo que se une al desconocimiento de los personajes (en especial el de la periodista y el niño).

Al principio comencé hablando de los tres grupos. Más allá de la vida contiene elementos que pueden terminar siendo defectos o pequeños detalles (relacionar Paris=Arco del triunfo y Torre Eiffel; San Francisco=Golden Gate; Londres=Big Ben y el río Támesis) que parecen obvios y hasta algo graves, al igual que momentos en los que la música no acompaña, Eastwood se la ingenia para que la historia siga siendo lo más importante y estos elementos desaparezcan o sean tomados sin importancia. Antes de caer en ese pastiche de Peter Jackson llamado Desde mi cielo, Eastwood propone una mirada terrenal sobre el más allá, sobre la salvación antes que la muerte. Clint no está pensando en lo que pasa después que nos morimos, sino en las respuestas a las preguntas que nos hacemos mientras vivimos.

MAS ALLA DE LA VIDA (Estados Unidos, 2010)

Dirección: Clint Eastwood.

Interpretes: Matt Damon, Cecile De France, Frankie McLaren, Bryce Dallas Howard, Jay Mohr.

Guión: Peter Morgan.

Producción: Clint Eastwood, Kathleen Kennedy, Robert Lorenz.

Montaje: Tom Stern.

Música: Clint Eastwood.

Calificación: 8

Top 20 del 2010 y algunas cosas más...

2010-12-30T15:18:00.000-08:00

Top 20 del 2010:

1) Toy Story 3

Se pueden nombrar múltiples méritos en la última película de Pixar que la elevarían a cualquier listado de “Lo mejor del año”. Antes de hacer este pequeña reseña, pensé cual era lo que más me había conmovido, dejado perplejo y lo que realmente quería que quien leyera esto se de cuenta de porque una película de animación terriblemente taquillera es considerada para mí como lo mejor que le sucedió al cine en el 2010. Al igual que en varias películas provenientes de la factoría creada por John Lasseter, TS3 combina varios elementos ligados a géneros que van y vienen constantemente. Si empieza a pura acción en una gran escena llena de imaginación (que no es otra cosa que lo que un niño tiene cuando juega con sus juguetes favoritos), termina en cuestión de segundos en ser una nostálgica escena con una importante carga dramática (Andy jugando con sus juguetes siendo niño) para luego desembocar en una que parece ser una comedia de enredos (con los juguetes a punto de ser llevados por un camión de basura por un malentendido). En fin, en general el film se mueve en varios géneros constantemente, siempre siendo fiel a su trama y lo que realmente quiere contar. Pero hay algo esencial en la película y que es todavía más osado que poner a una rata en una cocina o que un anciano sea protagonista de una historia de aventuras que incluye una casa con globos. TS3 muestra algo que Hollywood se acostumbró a dejar de lado. Los juguetes experimentan lo que es ser dejados de lado, ser escondidos, bajados de categoría si se quiere. TS3 es una historia sobre el olvido, sobre lo que fue en un momento y ya no existe más. TS3 es un film, ni más ni menos, sobre la crudeza del paso del tiempo, la confirmación del ser como propósito final en la vida y, como si fuese poco, sobre la libertad. Los juguetes están ahí para ser utilizados, nunca para ser colocados en una repisa. Esa es la naturaleza de Woody, Buzz, y el resto de nuestros amigos.

2) Policía, adjetivo

El espectador promedio va a salir disparado del mundo que propone Policía, adjetivo. Tiempos muertos que muestran personajes caminando, largas conversaciones (en apariencia) banales, momentos en los que parece que no sucede nada y (ya es un cliché decirlo) puede pasar muchas cosas. O no. El film de Porumboiu retrata las desventuras de un joven policía que debe espiar a un adolescente por un supuesto consumo y posiblemente trafico de marihuana. La conciencia del protagonista empieza a ser estragos cuando descubre que el chico puede ser condenado por fumar un cigarrillo de marihuana a 7 años de cárcel. La conciencia es lo que lleva al protagonista a cuestionarse donde está parada la ley, la Justicia, las instituciones, y el significado de palabras que no siempre son lo que uno piensa que son. Policía, adjetivo confirma el excelente estado de la nueva ola de cine rumano.

3) La pivellina

Hay películas que no necesitan ostentación de cámara, despliegue técnico, grandes estrellas. Películas que con el mínimo detalle no solo logran conmovernos sino que nos incluye en el mundo en el que viven los personajes. La pivellina es la historia de una familia de artistas circenses que adopta a una nena que encuentran en un parque. Los directores apelan a una cámara en mano que registra todo movimiento dotando a la historia de un registro documental que en vez de alejar al público, lo acerca a la proximidad con el realismo expuesto. ¿Que es lo que hace a La pivellina un gran film? Será esos pequeños momentos cotidianos expuestos por esos geniales personajes, cercanos a una caricatura pero que nunca son exagerados. O capaz es porque es un film sobre el amor, la familia, el cariño por el otro, la unión de la familia… temas en los que todos estuvimos involucrados más de una vez y los identificamos cuando lo vemos en la pantalla.

4) Avatar

El film más esperado del año fue a su vez uno que dividió aguas en el público. Muchos vieron al último trabajo de Cameron como un despliegue de efectos especiales al servicio de una pobre historia. Otros como una película que cambia las reglas de cómo hacer cine. Más cercano a lo segundo que a lo primero, Avatar es un cambio en el modo de introducir al espectador en una trama aparentemente simple y deudora de varias historias, en un análisis sobre el accionar de EE.UU. a lo largo de su historia bélica aunque focalizando el conflicto en medio oriente. Al igual que The Hole, otra gran película de este año, la historia aparenta ser simple pero es más compleja que solo el espectador inteligente podrá desgranar la mitología que encierra el film de Cameron. Porque más allá de las discusiones sobre los efectos y la historia, y sobre quien tiene razón en esta puja, Avatar es un universo aparte, único que guarda ni más ni menos que mitología pura. Además, como dice mi amigo Santiago, es una gran aventura. Dejémonos de joder y disfrutemos lo que el amigo Cameron nos regaló.

5) El escritor oculto

Polanski vuelve a hacer lo que le sale de memoria. El escritor oculto puede ser una película que no descubra nada nuevo, pero que pertenece a un puñado de films que a pesar de esto, contiene más autenticidad y genera más placer que cualquier otro. Entre tanta historia prefabricada, poco personal, hecha por productores en vez de directores, Polanski se manda una película que atrapa, que incluye suspenso, acción, un toque de comedia y una mirada crítica a la dirigencia política en general. Remarcada con excelentes actuaciones y momentos que figuran entre lo mejor del año (el recorrido del GPS que lleva a lo desconocido a su protagonista), El escritor oculto es uno de esos films que, al menos yo, compraría o al menos vería cada vez que la pasen en televisión.

6) Wendy and Lucy

Esta es una de las coladas del 2010. Era imposible dejar de lado esta película que prácticamente no llevó a nadie al cine en el momento de su estreno. Lástima por las personas que no vieron este film. Reichardt, directora de Old Joy, pinta un retrato oscuro, el lado pesimista de ese mal llamado Sueño americano. Que probó ser nada más ni nada menos que una mentira y todos fueron parte de ese engaño. Wendy (esa actriz genial que es Michelle Williams) es una más de las víctimas de un sistema que aparenta ser perfecto pero que muestra sus grietas una vez que entramos en las millones de historias que encierra EE.UU. Wendy, acompañada por su incondicional perra Lucy, marcha hacia Alaska en busca de una mejor vida en un destartalado auto que pronto dejará de funcionar. Parará en un pueblo que es básicamente la América que el mismo país se avergüenza de mostrar. Sin recargar tintas, sin usar una mirada cínica sobre los personajes o la gente del pueblo, Reichardt consigue uno de los tratamientos más exactos sobre la dura realidad.

7) Atracción peligrosa

Ben Affleck, el mismo que tantos bodrios ha protagonizado, ya no es tal. Ahora hay un director, que con solo dos películas, ha extirpado, eliminado, y nos ha hecho olvidar, todo lo que ha hecho en el pasado. En The town confirma que pertenece a una forma de hacer cine ya olvidada, de una manera clásica, poniendo a una historia antes que un estilo visual. Hay en The town, al igual que en su obra anterior, un relato sórdido que es manejado por un director que mueve los hilos de sus personajes asombrosamente eficaz. La película se potencia con el desarrollo de la trama y sus personajes, que a su vez permiten el lucimiento de subtramas realizadas con tanta intensidad que el espectador nunca siente que el film falle o decaiga su atención. Esperemos que Affleck siga con esta interesante carrera como director.

8) Un maldito policía en Nueva Orleans

“Para poder hacer una película con esta egregia locura, hay que manejar el cine desde todos los ángulos. Para poder hacer una película en Estados Unidos y dar vuelta convenciones artísticas, ideológicas y narrativas, hay que conocerlas a la perfección. Para contar con esta gracia y desparpajo y llegar a ese final, hay que ser un genio. No hay tantos directores europeos en actividad a la altura de estos desafíos, pero Herzog, más que europeo, parece extraterrestre.”

Javier Porta Fouz, en El amante.

9) Rosetta

Es de 1999 pero recién se estrenó a comienzos de este año. Rosetta es la historia de una joven de clase baja en Francia quien vive con su madre alcohólica, que busca un trabajo para salir del lugar donde vive y tener una vida más digna. Claro está que esto será difícil y Rosetta hará cosas imposibles y muchas veces terribles para tener un trabajo. Los Dardenne, apelando a su estilo (que en este film estalló) de seguir a los protagonistas como si fuésemos parte de la historia, retratan la dura vida lejos de las grandes ciudades francesas. No hay luces ni glamour, hay una triste y terrible realidad que está retratada de una manera cruda, precisa y real. Como se dice a si misma Rosetta cada vez que se acuesta: “Tu nombre es Rosetta. Mi nombre es Rosetta. Vos encontraste un trabajo. Yo encontré un trabajo. Tenés un amigo. Yo tengo un amigo. Vos tenés una vida normal. Yo tengo una vida normal. No caerás en la rutina. No caeré en la rutina. Buenas noches. Buenas noches.”

10) El rati horror show

Enrique Piñeyro toma un caso de encubrimiento policial y, enfurecido, carga con la Policía, la Justicia, los medios y todo aquel que se le cruce en el camino. No es solo un documental atrapante sobre un hecho trágico (se culpa a un hombre inocente –como demuestra el film- de matar a 3 personas en 2003 tras un accidente automovilístico) sino que es un ejemplo de cómo hacer un documento periodístico dinámico, con alcance a todo el publico, sin que aburra y que pueda ser mostrado para ver como muchas cosas están podridas en este país. Dicen que Piñeyro está sobrador, canchero, arrogante. Yo lo veo justificado ante al caso que estamos viendo. Cualquiera se pondría así cuando vemos que la gente que nos debería cuidar, nos mete un arma en una escena de delito y la Justicia nos mete en la cárcel por algo que no cometimos. Un golpe de frente en la cara del Poder.

Del 11 al 20: menciones de honor.

11) Luz silenciosa, de Carlos Reydagas (México, Francia, Holanda, Alemania, 2007)

12) Vivir al límite, de Kathryn Bigelow (Estados Unidos, 2008)

13) El último exorcismo, de Daniel Stamm (Estados Unidos, 2010)

14) Hadewijch, entre la fe y la pasión, de Bruno Dumont (Francia, 2009)

15) Yuki & Nina, de Hippolyte Girardot y Nobuhiro Suwa (Francia, Japón, 2009)

16) Aquel querido mes de agosto, de Miguel Gomes (Portugal, Francia, 2008)

17) Kick Ass, de Matthew Vaughn (Estados Unidos, 2010)

18) Una pareja despareja, de Glenn Ficarra y John Requa (Estados Unidos, Francia, 2009)

19) La isla siniestra, de Martin Scorsese (Estados Unidos, 2010)

20) Por tu culpa, de Anahí Berneri (Argentina, 2010)

Top 10 de estrenos en DVD, bajadas de Internet y vistas en festivales y ciclos de cine.

1) Whip It, de Drew Barrymore (Estados Unidos, 2010)

2) The Hole, de Joe Dante (Estados Unidos, 2010)

3) Scott Pilgrim vs. Los siete ex de la chica de tus sueños, de Edgar Wright (Estados Unidos, Reino Unido, Canadá, 2010)

4) El fantástico Señor Zorro, de Wes Anderson (Estados Unidos, 2009)

5) Tuesday alter Christmas, de Radu Muntean (Rumania, 2010)

6) Lourdes, de Jessica Hausner (Austria, Francia, Alemania, 2009)

7) The Other Guys, de Adam McKay (Estados Unidos, 2010)

8) Como sobrevivir a un rockero, de Nicholas Stoller (Estados Unidos, 2010)

9) The Robber, de Benjamin Heisenberg (Alemania, Austria, 2010)

10) The happiest girl in the world, de Radu Jude (Rumania, Holanda, Francia, Japón, 2009)

Las que me decepcionaron (no quiere decir que no me gusten el día de mañana, siempre puedo encontrarle algo “que se me perdió”).

El origen, de Christopher Nolan.

Red Social, de David Fincher.

Dos hermanos, de Daniel Burman.

Excursiones, de Ezequiel Acuña.

Las peores (esta si que no las salva nadie).

Desde mi cielo, de Peter Jackson.

Alicia en el país de las maravillas, de Tim Burton.

La cinta blanca, de Michael Haneke.

The Hole

2010-12-07T18:10:00.000-08:00

Joe Dante sigue demostrando porque es un grande. El director de Gremilins y Matinée, entre otras maravillas, forma parte de un conjunto de realizadores que surgieron durante los años 70 y ahora se los puede disfrutar esporádicamente. Claro está que estos directores (Landis, Carpenter e incluso Cronenberg son otros de estos representantes) no se llevan bien con la industria hollywoodense, justamente los que manejan muchas veces el destino de un film. Por eso mismo, las grandes productoras (en su mayoría, salvo algún caso especial) prefieren directores de una nueva generación, más flexibles a la modificación de un proyecto por parte de los productores. La conexión, en este caso, con Joe Dante, no es casual. El director de Piraña es parte de una capacidad casi extinta en estos días de hacer cine y luchar por su trabajo. Entre tantos directores impersonales, entre tantos productores estrellas que hacen las cosas a su manera y entre tantos proyectos mediocres, Dante echa luz en la oscuridad. Irónicamente, la ultima película del realizador se trata sobre un pozo pero a pesar de la oscuridad en su temática, The hole ilumina la pantalla con cine en estado puro.

En su primer acercamiento a la tercera dimensión, Dante cuenta una historia en apariencia simple, casi infantil como los viejos cuentos de terror para adolescentes y las películas familiares con elementos fantásticos tan de los 80 (una década que increíblemente se extraña demasiado). Una familia, una madre y sus dos hijos, se mudan a un pequeño pueblo. Los dos hermanos, un buen día, encuentran un pozo sin fondo en su sótano que crea los peores miedos de los protagonistas. Lo que podría acercarse a ser una versión ATP de El descenso, de Neil Marshall, termina siendo algo mucho más profundo. Dante toma la historia de estos dos hermanos y la transforma en un estudio sobre el significado de los miedos y el complejo traspaso de la adolescencia. ¿Cuál es el tratamiento de Dante con respecto a esto? Va desde un miedo corriente y banal, como por ejemplo el temor a los payasos, hasta algunos más profundos, pero sin considerar uno por encima del otro en cuanto a su tratamiento. Para Dante, que comprende tanto la niñez como la adolescencia, es tan serio y tan entendible el miedo a un muñeco como el miedo que provoca la muerte de un amigo. Por eso, The Hole puede ser tomada como una inversión de un cuento de hadas (como bien la remera del personaje que interpreta Haley Bennett lo expone), una pesadilla para adolescentes ya que todo está visto desde los ojos de estos personajes. La ausencia de padres (incluso, la madre de los dos hermanos está ausente en gran parte del film, o al menos lejos de la acción) es uno de los pilares fundamentales en los cuales se sostiene la película de Dante. A partir de esta ausencia, se despeja toda protección adulta (si realmente existe en este tipo de historias). Entonces, de esa manera, se tejen las redes entre los personajes. El director de Aullidos deja para el análisis una idea muy atendible: con el miedo se logra la unión de las personas y la unión de un mismo personaje. Se necesita el miedo para obtener la libertad.

Más allá de este interesantísimo planteo psicológico, Dante no se olvida de construir una puesta en escena. Que no es otra cosa que una lección de como armar una ambientación que mete miedo por si sola. La puesta en escena, siempre funcional a los personajes y sus miedos, se centra en la aburrida vida de los suburbios (donde pasa la acción de la mayoría de las películas de Dante) donde no hay escapatoria para los miedos que persiguen a los personajes. Dante da una clase magistral de como crear una atmósfera con pocos elementos: el uso de la iluminación, los juegos entre la luz y la oscuridad, los colores, etc. Todo esto sin descuidar en ningún momento la trama. Un ejemplo de esto es la pelea entre el hermano mayor y su miedo representado por su padre y la casa psicodélica, deforme, donde ocurre la acción (homenaje a si mismo por parte de Dante y su capítulo para La dimensión desconocida: la película).
En estas épocas donde el cine apuesta al impacto visual antes que a una historia, en donde hay tanto ruido, tanta trampa, otorgarle a un director inmenso como Dante el beneficio del 3D es un placer para el publico que goza del buen cine. Si la película no tuvo el éxito de taquilla (todavía no encuentra un distribuidor) es porque se mira la superficie, se piensa que The Hole es simplemente una historia infantil que no vas mas allá de su argumento. La última película del maestro Joe Dante no es ni mas ni menos que un estudio psicológico sobre la gesta, la confrontación y resolución de nuestros peores miedos.

THE HOLE (Estados Unidos, 2009)

Dirección: Joe Dante.

Interpretes: Chris Massoglia, Haley Bennett, Nathan Gamble, Teri Polo y Bruce Dern.

Guión: Mark L. Smith.

Producción: Vicki Sotheran, Michel Litvak, David Lancaster y Claudio Fäh.

Fotografía: Theo van de Sandeh.

Montaje: Marshall Harvey.

Música: Javier Navarrete

Calificación: 9

Semana de cine europeo: Tuesday after Christmas

2010-12-06T14:36:00.000-08:00

Las dos primeras escenas del film ya aluden a una suerte de claroscuro, de opuestos. Al comenzar el film, se ve a una pareja en una cama luego de tener relaciones sexuales. Ambos están felices, relajados, bromeando y paseándose completamente desnudos. Ella es rubia, bella, joven, animada y al parecer, feliz. El, Paul, es un hombre común y corriente, que cualquiera podría encontrárselo caminando en la calle, viajando en colectivo, saliendo de su trabajo, etc. La antítesis de esta escena se vislumbra rápidamente en la segunda, cuando vemos a Paul con su esposa comprando ropa. Debaten sobre los regalos de Navidad de su hija, discuten acerca de unas botas que su padre quiere comprarle para las fiestas. Ella es una mujer común también, bella, cercana a los 40 años. La relación, aunque no es terrible, se la ve cansina, ya automática, rutinaria, mas cerca de las obligaciones y el día a día que a la diversión y la libertad que Paul siente al lado de Raluca.

Tuesday after Christmas forma parte de esta ola imparable de cine rumano que desde 2006 viene cosechando premios en festivales de todo el mundo. Junto con la última película de Cristi Puiu, Aurora, el film de Muntean, se presentó en el Festival de Cannes de este año cosechando buenas criticas. Sin embargo, Tuesday after Christmas es diferente de los últimos films de la nueva ola rumana. Mientras las anteriores películas se concentraban en un estudio socio-político de Rumania post dictadura de Ceaucescu y sus consecuencias en la gente, en Tuesday... los conflictos ya no son entre una persona y el mundo que lo rodea sino exclusivamente entre los personajes (acá es necesario apuntar que a pesar de esquivar esta temática más política, el film no se priva de mostrar actitudes de la sociedad misma hacia el modo de vida consumista que fue adquiriendo el pueblo rumano luego de años de comunismo) . Es cierto que Muntean también delinea los conflictos de los personajes con ellos mismos. Por eso hay en la película una fuerte carga dramática en todos los intérpretes en conflicto. Si hay un aspecto en común entre todos los films de la ola rumana son los planteos morales de los personajes; mientras algunos luchan contra el sistema político y contra su propio pensamiento (a veces impuesto por la fuerza o por la naturaleza marcada por la Historia).

En vísperas de Navidad, Paul se acerca inevitablemente al momento de esclarecer la relación con su amante. La película se aproxima a rozar el suspenso, con el protagonista en medio de la encrucijada de su vida. A pesar de no ser, como mencionaba anteriormente, igual en su temática a otros films provenientes del mismo país, Muntean comparte similitud en los recursos con los demás exponentes. Largos planos secuencia donde el director hace gala de su precisión para el naturalismo, recurso explotado gracias al nivel de las actuaciones de los tres protagonistas. Todo en Tuesday after Christmas fluye de manera natural. Por momentos parece que algunos pasajes del film están tomados desde la más pura realidad. Según palabras del director, se intentó no caer en los lugares comunes respecto a los triángulos amorosos. En este caso, no solo hay un conflicto interno fuerte en el protagonista sino que el propio espectador se debate y se involucra en la película. Por eso da gusto ver la película de Muntean. Toma una historia común y hasta puede decirse que trillada, y le da un giro, le dota (aunque sea casi imposible) mayor naturalismo. No es raro que mucha gente que vea el film, se sienta identificada con lo que sucede en la pantalla, hayan sido parte o no de una experiencia similar.

Al tratar una temática mas universal que se ha visto muchas veces, Tuesday after Christmas puede ser mas accesible que una película como Policía, adjetivo. Esta última demandaba al espectador no solo concentración sino una paciencia inusual para el público promedio. El film de Muntean, a pesar de contener algunos recursos narrativos y estéticos similares a otros exponentes rumanos, no aleja tanto al espectador de la historia. Es un la joya universal que todos pueden disfrutar.

TUESDAY AFTER CHRISTMAS (Rumania, 2010)

Dirección: Radu Muntean.

Interpretes: Mimi Branescu, Maria Popistasu, Mirela Oprisor, Dragos Bucur.

Guión: Radu Muntean, Alexandru Baciu, Razvan Radulescu.

Producción: Dragos Vilcu.

Fotografía: Tudor Lucaciu.

Montaje: Alma Cazacu.

Calificación: 9

Whip It

2010-08-28T18:11:00.000-07:00

Antes de entrar a comentar la película en cuestión en la cual Drew Barrymore marca su debut como realizadora en un largometraje, conviene establecer algunos puntos sobre la actriz y ahora realizadora en cuestión. Por 1982, Steven Spielberg realiza ET, uno de sus mayores logros como director y una de las películas más significativas en cuanto al conocimiento popular de un personaje, en este caso el extraterrestre que establece contacto con el protagonista. Barrymore aquí es una nena de pocos años de edad y generaba tanta ternura y aprecio como lo hacia el intergaláctico protagonista. A medida que fue creciendo, la imagen de niña tierna fue desapareciendo (no por completo, después volveremos a eso) para dar paso a una mujer que tras una serie de escándalos y momentos agitados fue creando otra faceta en su personalidad. Sin dejar nunca la gracia, puede decirse que Drew es una de esas actrices que combinan física y emocionalmente muchísimas características y la sobresalen del resto. Gran actriz de comedia en todas sus ramificaciones, Barrymore demostró con el paso de los años que es uno de esos artistas que hacen que la actuación sea tan fácil. Ahora la actriz de Como si fuera la primera vez se embarca en un proyecto personal. Tan así que esta introducción tiene mucho que ver con la personalidad de Barrymore con respeto a su debut detrás de cámaras.

Bliss, la protagonista de Whip It, es un personaje bien "barrymoriano". Mezcla entre dulzura, rebeldía, melancolía, el personaje de Ellen Page (en su mejor personaje de toda su carrera) se mueve por toda la película por diferentes estados. Desde el primer momento sabemos que es un sapo de otro pozo, cuando va a acompañar a su madre en una especie de desfile muy paqueto o con solo mirar la relación con su familia. Bliss, una joven encerrada en un pueblo de la profunda América, encuentra en el roller derby (un juego que combina el patinaje con algo de hockey sobre hielo por su violencia) una salida a su vida anodina. Lo interesante y lo que eleva a Whip it y la distingue de otras historias de corte similar son varios aspectos pero uno de los principales es la manera en la cual Barrymore construye los personajes, a medida que avanza la historia, casi se podría decir de forma caótica. No hay para Barrymore una necesidad de introducir cada personaje, porque cada imagen es tan fuerte y habla por si sola mediante acciones o simples gestos , que la radiografía de Bliss y compañía sale de manera natural yde la manera en que debe ser en el cine.

Por momentos el film recuerda a esa obra maestra llamada La última película, de Peter Bogdanovich. Bliss pertenece a un mundo q le es ajeno. Por eso hay dos personajes diferentes en la protagonista que se van uniendo en uno solo a lo largo de la historia. Por un lado, retraída, diferente, incomprendida, deprimida con respecto al resto de la sociedad de ese pueblo poco motivador. Entonces tenemos un personaje que varía entre estados anímicos que guardan relación con el mundo que la rodea. ¿Cuáles son estos dos universos? Uno ya ha sido mencionado, el pueblo apagado y carente de excitación donde vive Bliss y el otro completamente opuesto en todo sentido. Hay en esta comparación y en su particular relación con sus personajes algo que hace recordar a las temáticas de los films de Tim Burton donde lo tradicional, conservador y "serio" no se apega a los sentimientos de los protagonistas (como sucedía en El cadáver de la novia). Barrymore sigue esta línea temática propuesta por el director de Batman y apuesta a una protagonista que ve una escapatoria entrando a un mundo pseudo fantástico para obtener su libertad. El diseño de producción en ese sentido elevan aún más el universo del film ya que Barrymore expone una estética explosiva y poderosa en lo que se refiere a ambiente, personajes y colores que abundan en el lugar donde existe la verdadera y radiante Bliss.

Es realmente motivador, emocionante y vibrante lo que hace Barrymore con su película. Pocas películas pueden darse el lujo de combinar numerosos elementos y géneros y salir bien paradas. Las que logran esto son las grandes películas. Y Whip it explota por todas partes, lleva todo al extremo, va a 300 km/h sin miedo a chocar. Y esto no quiere decir que la película da una imagen de rudeza únicamente sino que sabe dosificar el drama, la comedia, el romance y la acción desenfrenada en una misma línea con un equilibrio muy pocas veces visto en una película independiente. Puede combinar perfectamente el drama adolescente existencial de Adventureland con la comedia de Dodgeball. Hay en Whip it lugar para todo.

Barrymore se acerca a sus personajes y humaniza a todos. Todos tienen algo para decir y en todo momento lo dicen. No hay parcialidad hacia algunos o más cariño hacia otros, sino que la mirada melancólica de la directora alcanza a todos los personajes sin caer en la justificación torpe de su accionar de cada uno de ellos. Lo que podría haber sido algo cercano a la mencionada Dodgeball o Blades of glory, películas claramente irónicas, termina siendo un interesante drama con certeros momentos cómicos. Pero más allá de la acción y la divertida brutalidad del juego, hay un halo de tristeza en la mirada de Barrymore en el mundo real. Sin embargo, hay como en todas las películas y en la vida real, un acercamiento a la amistad, al compañerismo, a las relaciones familiares y al amor en su máxima expresión. Lo que parecía una simple historia sobre una chica que juega en el roller derby, se convierte en una historia sobre el sentido de la vida y la necesidad de alcanzar la libertad y la felicidad. El cine se trata de esto. Barrymore no nos miente, no juega con los sueños, el optimismo barato. Whip it es la realidad y es honesta con su público.

WHIP IT (Estados Unidos, 2009)

Dirección: Drew Barrymore.

Interpretes: Ellen Page, Kristin Wiig, Drew Barrymore, Marcia Gay Harden, Juliette Lewis, Eve, Zoe Bell, Jimmy Fallon, Alia Shawkat, Daniel Stern.

Guión: Shauna Croos basada en su novela Derby Girl.

Producción: Barry Mendel.

Fotografía: Robert D. Yeoman.

Montaje: Dylan Tichenor.

Calificación: 9

El origen

2010-08-06T15:20:00.001-07:00

Luego del éxito de películas como Batman inicia, El gran truco y El Caballero de la noche, Christopher Nolan, quien se hizo mundialmente conocido gracias a Memento, se embarca en su proyecto más ambicioso de su carrera. Escrita junto a su hermano, El origen es uno de esos films que se meten en los peligrosos terrenos de lo abstracto y que parecen no dar respuestas fáciles al espectador. Hay que decir que esto no es tan así. David Lynch o Cronenberg han explorado los diferentes niveles del subconsciente en reiteradas películas, es incluso uno de los grandes temas elegidos por ambos directores. Pero no le vamos a echar la culpa a Nolan no ser como estos dos directores, sería hasta absurdo comparar a un realizador de mediana pero interesante trayectoria como lo es Christopher Nolan con otros más experimentados y de diferentes características. Los problemas que se le pueden descubrir a El origen no tiene tanto que ver con no poder ser como tal director, sino los inconvenientes internos que contiene el film.

Hay que hacer un alto para explicar de "que va" la historia. Y de ahí extraer para analizar por partes. Parece ser que en los tesoros no se esconden en bóvedas o en bancos, ya no exclusivamente en el mundo real. Ahora lo esconden en el recóndito y retorcida mente de cada persona. Para extraer un pensamiento o un secreto hay una serie de personas encargadas de este trabajo. Cobb (Di Caprio) es uno de ellos. Junto a un equipo de profesionales, estos son contratados por justamente una víctima por parte de este misterioso grupo para imponer un pensamiento, algo que puede tomarse como una misión imposible. Y justamente por ese territorio se introducen los héroes de la película. Mezclando el espíritu de los films de Misión imposible con el mundo de los sueños, Nolan introduce al espectador en otros mundos recorridos por Cobb y compañía en el que hay nada más ni nada menos sueños dentro de sueños y así su curso...

Ahora bien, el caso que deben resolver es detener una herencia que amenazaría a un empresario. Eso, ni más ni menos. El problema con esto y ahí es donde El origen empieza a mostrar sus grietas, es cuando el trabajo para el que Cobb fue contratado deja de ser tomado como un disparador y pasa a ser una "excusa" para el despliegue visual que propone Nolan. Desde las primeras escenas Nolan se concentra en depositar todo el impacto en lo visual mientras la trama se va retorciendo y entrando en niveles fantástico. Lo que no significa que la película no se entienda, al contrario, Nolan (sobre)explica todos los detalles oníricos y como se construyen los mundos en los cuales los personajes acceden (el personaje de Ellen Page sería en un momento determinado de la película como el espectador al cual le enseñan detalladamente “como funciona todo”). La escena de París doblada en la cual Cobb enseña los trucos del mundo fantástico es un claro ejemplo de los problemas que tiene el film. Por un lado parecería que Nolan no se atreviese a dejar al espectador a la deriva poniéndolo a prueba como si lo hace, para citar una película muy reciente, Policía, adjetivo en la cual cada silencio representa un reto hacia el público. Nolan en definitiva, es un director con cierto vuelo independiente en sus historias que parece alejarse de la media hollywoodense pero que no permite al mismo tiempo que el espectador asimile por su cuenta todo lo que sucede en el film.

Esto nos lleva a lo siguiente que relaciona las escenas de acción con cada uno de los sueños. Y acá es capaz donde Nolan deja ser el niño prodigio del cine actual para terminar siendo algo más convencional. La película contiene sueños dentro de sueños q a su vez están dentro de un sueño, etc... Hay además un limbo y todo eso. El problema del film ocurre en el momento en que entran justamente en el mundo de la fantasía. Nolan deja todo muy vistoso, el uso de los efectos especiales es logrado pero se transforma en un inconveniente cuando terminan siendo abrumadores y carecen de una identidad propia. Es decir, la magnitud de las imágenes es más fuerte que lo que transmite el guión para terminar siendo un ejercicio visual frío y carente de emoción.

Se podría decir que la mayor virtud de El origen es paradójicamente su más importante defecto. Queda la sensación que Nolan entonces dedica gran parte de su film a mostrar escenas de alto impacto visual con una historia en apariencia interesante pero que solo sirve como excusa para desplegar espacios imponentes donde ocurre la acción. Las imágenes que provienen de la imaginación de Nolan son impresionantes pero en el fondo no hacen otra cosa que confirmar la tendencia de que todo regresa a la estructura hollywoodense más obvia de acción. Es decir, que las escenas que transcurren en los sueños se limitan a ser momentos que no hacen otra cosa que calcar momentos ya vistos anteriormente en el cine. Si los sueños para Nolan son una serie de grandes escenas de acción a lo James Bond, empiezo a darme cuenta superé al director de El caballero de la noche, oníricamente hablando. Naturalmente hay dos tipos de estado en el cine de Christopher Nolan, uno tiene un estilo narrativo excepcional donde fluyen las mejores ideas de la película, en el otro el director de Noches blancas tiende a saturar su propio material haciendolo mucho más espectacular de lo que realmente es. Tengamos en cuenta que esto mismo sucedía con su anterior película, El caballero de la noche en la cual la cantidad de subtramas y vueltas de tuercas del guión saturaban toda la estructura narrativa. En Inception hay que agregar además el trauma que tiene el personaje de Di Caprio con su esposa, en el cual no solo causa fastidio sino que no logra crear un mínimo de interés.

El origen es un film que sirve para una discusión muy rica acerca del papel de los espectadores. Nolan crea una película que por un lado, como ya se mencionó, es de un gran despliegue visual. Por el otro, un film con un guión lejos de ser perfecto, que se retuerce, se entrelaza con personajes, sueños, imaginaciones provocadas por la mente, etc. Esto quiere decir que el espectador que busque acción o un entretenimiento visual va a encontrar escenas muy logradas y el que quiera ir más allá que el regodeo de Nolan por los efectos y las grandes escenas de acción, tiene una historia interesante para ir descubriendo. Algo sucedía con Matrix (con lo que la película comparte algunos puntos en común) que también separaba estas dos grandes estructuras (acción por un lado, narrativa y un guión intrigante por otro) para que por así decirlo, nadie se quede afuera. Cuando uno no es enganchado por ninguna parte, se empieza a entrever los problemas de la película de Nolan. La cuestión es que el espectador medio va a disfrutar el film, porque tiene varias aristas para entretenerse/disfrutar o pensar. Lo admirable es que Nolan pueda llegar al público masivo de esta manera y no creando un bodrio como Transformers. No será un niño prodigio finalmente pero al menos tiene estilo y sabe filmar y un 10% de Inception es mucho más que todas las películas de acción que desembarcan en esta época. Y está bien que el público masivo le responda de manera positiva porque este film es un ejemplo de que todavía vale la pena ir al cine a ser chupado por el mundo de Nolan o salir rechazado para después tener discusiones sobre cómo hay que analizar estos films. Paradójicamente las preguntas que rondan en mi cabeza tienen más que ver con el espectador y el critico frente a una obra que a los niveles de lectura que representa cada sueño que inventa Nolan.

Los elementos que pongo en discusión en este análisis parecen indicar que El origen me gustó más bien poco. Al contrario, le encuentro varios puntos atendibles pero no estamos ante una obra maestra ni en una película que hará historia por haber cambiado las reglas del juego en el cine. Avatar fue un adelanto tecnológico difícil de superar y tiene un mérito aparte, el mundo de los Na'vi le pertenece a Cameron quien construye un universo aparte, único y original. Nolan está lejos de esto por acercar el mundo de los sueños a un conjunto de grandes paisajes que provocan escenas espectaculares. Sin duda la discusión sobre esta película recién empieza. Y eso habla positivamente de la ambiciosa, altisonante, magnifica y agotadora experiencia que es Inception.

EL ORIGEN (Estados Unidos, 2010)

Dirección: Christopher Nolan.

Interpretes: Leonardo Di Caprio, Ellen Page, Marion Cotillard, Joseph Gordon-Levitt, Ken Watanabe, Tom Hardy, Dileep Rao, Cillian Murphy, Michael Caine, Tom Berenger.

Guión: Christopher Nolan.

Producción: Christopher Nolan y Emma Thomas.

Fotografía: Wally Pfister.

Montaje: Lee Smith.

Música: Hans Zimmer.

Calificación: 6

Policía, adjetivo

2010-07-28T11:15:00.000-07:00

La nueva ola de cine rumano iniciada con la aparición de La muerte del señor Lasarezcu, allá por el 2006, ha creado obras importantes como esta película de Cristi Puiu, Al este de Bucarest, Francesca, entre otras. Policía, adjetivo viene a confirmar que el cine rumano ya no es una novedad sino que ya pisa fuerte en todos los festivales alrededor del mundo. ¿Qué es lo q atrapa del cine rumano y por qué es tan favorecido en criticas? Capaz un análisis a posteriori detallando cada película podría ser más fructífero pero esta especie de crítica desarrolla varios de los aspectos más sobresalientes de esta nueva ola.

Cristi es un joven policía que vive en un pueblo de Rumania. Tiene una esposa con la cual se casó hace poco tiempo y viven en un pequeño departamento. El problema de Cristi se relaciona con su trabajo, que esencialmente consiste en vigilar a un adolescente del cual se presume que consume marihuana a la salida del colegio todos los días. Así, nuestro pequeño gran héroe vigilará a este joven y sus movimientos a toda hora siendo su sombra y analizando sus actividades que distan de ser sospechosas. El problema para Cristi radica en que si el joven llega a ser acusado de consumir marihuana, este debería afrontar una condena de casi 15 años en la cárcel. Una condena demasiado grande, demasiado conservadora por simplemente fumar un porro. "Es sólo un chico loco" dice Cristi a uno de sus superiores que le responde de manera muy elegante y determinada "es un chico loco que puede suministrar a otros chicos locos".

En Policía, adjetivo se hace foco no solo al trabajo que Cristi debe realizar que el director se concentra en mostrar como el joven policía es testigo de cada una de las acciones sospechosas o no que lleva a cabo el supuesto consumidor y dealer de marihuana. Lo que hace a Policía, adjetivo una de las películas del año y una de las más logradas de esta ola de nuevo cine rumano es lo que esconde detrás de esta aparente historia. Si en su anterior film Porumboiu expresaba sus ideas sobre la revolución rumana de 1989 mediante una serie de patéticos personajes en un estudio de televisión, en este film el realizador va más allá al concentrarse en las consecuencias de un país que todavía no le hizo frente a la revolución. "Cada uno arma su propia revolución" dice un personaje en Al este de Bucarest y parece aplicarse a esta nueva película. Cristi empezará a darse cuenta de q de a poco va armando su propia revolución frente a un sistema que todavía no olvidó la dictadura de Ceausescu.

Para el espectador común y corriente, Policía, adjetivo puede ser una experiencia angustiante y algo densa por algunos pasajes que se desarrollan con un nivel de observación y detalle inusual en una propuesta convencional. En esto radica justamente la calidad del film y lo que lo hace una genialidad. Cada plano que parece no decir nada, lo puede llegar a decir todo. Incluso la película tiene mucho humor y diálogos que rozan la perfección como la escena donde una cursi canción de amor es el eje de discusión del protagonista y su esposa o la ya mítica escena donde Cristi expone sus problemas de conciencia ante su jefe precedida por un momento genial. Cristi está sentado junto a un colega esperando que el capitán de la policía lea el informe del joven y atormentado protagonista. Son dos minutos que trabajan en fuera de campo mejor de lo que lo trabajó Haneke en su último film. Se ve a Cristi esperando la palabra final del jefe como si fuese la fuerza superiora que Kafka exploró tan bien en su obra. El realizador como indica A.O. Scott sabe combinar elegantemente elementos cómicos, absurdos, momentos de tensión y una estructura dramática que se impregna en escenas donde todo parece destinado a la implosión del film. Inteligentemente se puede relacionar este estilo con el estado de la conciencia de Cristi que de a poco va viendo como su vida se va desmoronando.

Dentro de las múltiples facetas que la película expone es capaz la más interesante la que encarga de los problemas de significado de los diferentes temas a tratar por Porumboiu. ¿Qué es la justicia? ¿Quién define lo correcto y lo incorrecto? ¿Quién hace la ley y la aplica? ¿Es posible y es útil tener una conciencia en un mundo plagado de conservadurismo? Todas estas preguntas tienen lugar en en film furor de la sección Una cierta mirada en Cannes 2009. Policía, adjetivo es una de esas películas q exponen temas "importantes" pero sin cargar las tintas contra nadie y sin cubrir la historia con un manto solemne. El espectador sabio va a saber regocijarse de las múltiples aristas de la película siendo testigo de las desventuras de Cristi en su ambiente laboral y sus problemas de conciencia y ética. Incluso es un film muy divertido que deja al descubierto lo nocivo de un sistema en decadencia gobernado desde la extrema arbitrariedad.

Policía, adjetivo es una película de silencios, de largos pasajes en los que parece no haber nada que analizar pero que esconden numerosos secretos. No estamos ante un policial ni una de acción, sino una de una enorme inteligencia que desafía al espectador a cada momento (con sus silencios y con sus ricos diálogos en cambio de las armas clásicas de las películas del género) y recompensa a los pacientes dándoles una de esas lecciones que muy de vez en cuando se da en el cine.

POLICIA, ADJETIVO (Rumania, 2009)

Dirección: Corneliu Porumboiu.

Interpretes: Dragos Bucur, Vlad Ivanov, Irina Saulescu, Ion Stoica, Marian Ghenea.

Guión: Corneliu Porumboiu.

Producción: Corneliu Porumboiu.

Fotografía: Marius Panduru.

Calificación: 10

Algunos comentarios sobre Hard Candy

2010-07-25T09:47:00.000-07:00

Se estrenó hace casi cuatro años en Argentina pero después de una segunda visión más seria (esto quiere decir con un poco más de conocimiento y con varias películas encima) puedo hacer un análisis como se debe al film de David Slade que tanta polvareda levantó en su momento. Lo que una persona, llamemosla X, opina sobre la película al terminar de verla es basicamente lo que Slade pretende que suceda en el espectador. En realidad es lo que cualquier director que sabe lo que hace con y en su film busca. Pero a diferencia de los buenos directores y más aun de las buenas películas, Slade hace de su Hard Candy un manifiesto discursivo, tonto, solemne y de una obviedad increible en su narrativa y estilo (una historia sobre una caperucita roja q toma el lugar del torturador en vez del torturado)

No tengo nada contra la gente que le gustó la película. El alcance de esta película es simple: al ser estúpidamente fuerte, obtiene más público deseoso de ver el sadismo en pantalla. Y después se quejan de Saw o Hostel. Lo interesante es que el discurso pronunciado por Slade es de un alcance limitado, o mejor dicho, de un del alcance al espectador políticamente correcto. Como es pedófilo está bien que lo hayan castrado. Entonces estamos frente a un film obvio en su propósito y que no tiene más que ofrecer ideologicamente un plano discurso sobre lo mal que está abusar de menores, algo que todos sabemos de antemano, pero que el guión lo refuerza a cada rato.

Slade se hace el canchero, filma de manera "cool", usa colores cálidos (guau!, el color rojo!) antes de la tortura y fríos en el momento de mayor tensión, un montaje digno de un videoclip de hip hop en las reiteradas escenas y algunos truquitos como movimientos y posiciones de cámara que se la dan de piola.

Entonces luego de cuatro años puedo tomar una posición sobre esta película obvia, cansadora en su narrativa como aburrida en diálogos que pretenden ser ingeniosos y son cada vez más irritantes a medida q avanza la historia. Si, Ellen Page saltó a la fama después de este film y la verdad que está bien a pesar, es cierto, de tener que lidiar con un guión repetitivo. Hard Candy es lo que el cine, en mi modesta opinión, no debería ser.

Toy Story 3 (y regreso al blog)

2010-07-16T19:37:00.000-07:00

Atención: se hace mención a varios momentos clave de la película.

Luego de dos visiones, una más superficial y otra mucho más focalizada en aspectos dejados de lado en su primera experiencia (consecuencia del placer de reencontrar personajes luego de 11 años y ser parte de sus aventuras) es todavía complicado todo lo que tiene Toy Story 3 para ser separado por partes para una correcta crítica. Imposibilitado en el momento en que escribo estas líneas de verla nuevamente, tomaré los elementos que influenciaron en mis dos visiones para sacar la conclusión de que no solo TS3 es la mejor película de la saga de Woody y Buzz Lightyear, sino el resultado de las mejores características del mejor cine. Pixar fue creando a lo largo de sus años el interesante desafío de ir superándose a medida que sus películas se estrenan. Esto no quiere decir que unas sean mejores q otras, aunque naturalmente, esto sucede a pesar de ser tener todas un nivel extraordinario.

TS3 comienza con una gran secuencia de acción, en las que los juguetes son parte de la imaginación de Andy, su dueño. En esta escena, muy rica visualmente, donde los colores son variados y chillones, también vemos como "actúan" los juguetes y cual es el fin para el q están hechos. Más tarde volveré a ese punto, uno de los temas esenciales en la película e incluso en la filmografía de Pixar. Luego vemos como Andy, quien antes jugaba incansablemente con sus juguetes, es ya grande y está a pocos días de irse a la universidad. La elección de quien llevara Andy consigo no solo es importante en los primeros 30 minutos sino que por culpa de un accidente, todos los juguetes terminan en una guardería llamada Sunnyside. Mientras Woody pretende salir de ahí para ir con su dueño, los demás juguetes ven bien el hecho de ser utilizados nuevamente luego de tantos años. Si para los ancianos existe el geriátrico, para los juguetes viejos y que ya no se usan el único lugar donde pueden volver a sentirse útiles es en una guardería.

En dicho lugar, q aparenta ser el paraíso pero se transforma rápidamente en un infierno (palabra que usaré más adelante para otro momento de la historia). Un oso rosa llamado Lotso, en apariencia tierno y buenazo, deja entrever una maligna faceta dictatorial que impedirá que los juguetes escapen de Sunnyside. En ese momento que remite al cine de Don Siegel TS3 es un deleite narrativo y visual.

TS3 combina dos elementos que hacen que Pixar sea el pilar de la animación (y porque no, del cine a nivel global) en la actualidad. La película de Lee Unkrich, al igual que ocurría con Up, mantiene un equilibrio interesante entre la aventura en el sentido más amplio de la palabra y la emoción de contar una buena historia con las mejores armas narrativas. Por una parte TS3 es divertida, repleta de acción, aventuras y un nivel de detalles que parece increíble que se realice. En varias escenas de la película, hay momentos (no hay que ser un chico de 8 años para darse cuenta) en que la perfección es casi observable. Las escenas que corresponden al escape de esa especie de cárcel que es Sunnyside tienen una imaginación que parece no tener precedentes, al menos en el cine de animación. TS3 es más que las anteriores y ese es el mejor elogio que se le puede ofrecer a la película.

Mencionaba que el film tiene un grado de aventuras y acción que incluso es más logrado que cualquier otra película con actores de carne y hueso. Pero lo que hace a la película más genial es su composición narrativa. Habitualmente, a veces con razón y otras veces de manera equívoca, se dice que el cine comercial que apela a la acción, a la desmesura, al exceso visual, es menos que el cine hecho de manera más artesanal que termina resultando más poderoso sin tener que apelar a un gran despliegue. Pixar sabe combinar ambos aspectos y logra su equilibrio. Si ya se por sí, TS3 se remite a un pasado constante transformándola en un ejercicio nostálgico. Si en el comienzo del film esto es notorio, la segunda parte del film se transforma en una película dramática llevándola hacia más allá de lo esperado.

Antes comentaba que si la escena que da inicio al film tiende a la saturación de colores fuertes y chillones, una importante parte de la película parece suprimir esta característica. Llegado a un determinado momento, Woody y sus amigos terminan en un basurero y el film se pone muy oscuro. Si para los juguetes, el ser utilizado es casi tocar el cielo (prestar atención a la escena donde Woody es revoleado por los aires por una nena que juega con el vaquero) la muerte se parece bastante al infierno. Un infierno que los tiene como siempre juntos. Porque como es costumbre en las películas de Disney, uno de los pilares fundamentales es el sentido de la supervivencia de un grupo, la solidaridad con el otro, el paso del tiempo, y por último el sentido de la vida.

Claro, para estos juguetes hay un sentido en sus vidas. Si en TS2, el coleccionista pretende colocar juguetes en una vitrina para ser exhibidos, en TS3 Andy pretende llevarse a Woody para dejarlo en su habitación como recuerdo de su infancia pero sin siquiera jugar con él (ocurría lo mismo con el ave Kevin de Up, objeto de persecución del villano Charles Muntz para mostrar en su museo). El fin de un juguete es jugar con él. Y pasa lo mismo con el arte, como bien apunta Javier Porta Fouz en su artículo de la revista El amante. El arte, y por ende, Toy Story 3, está para ver y volver a ver hasta el infinito y más allá.

TOY STORY 3 (Estados Unidos, 2010)
Dirección: Lee Unkrich
Con las voces de: Tom Hanks, Tim Allen, Joan Cusack, Ned Beatty, Timothy Dalton, Michael Keaton, Don Rickles.
Guión: Michael Arndt basado en los personajes de John Lasseter, Andrew Stanton y Lee Unkrich.
Producción: Darla K. Anderson. Música: Randy Newman.
Calificación: 10

Arrástrame al infierno

2009-08-16T09:17:00.000-07:00

Siempre es un acontecimiento importante el regreso de un buen director a sus fuentes. Existe una camada de realizadores surgidos en la década del 70’ y ’80 que todavía siguen generando interés con el cine que realizan. Desde F.F. Coppola hasta George Romero, pasando por De Palma hasta John Carpenter y Joe Dante, además de Spielberg, Landis y Geroge Miller, crean todavía en sus seguidores y los críticos cierta esperanza por establecer en un cine cada vez más simplista, efectista, y poco interesante, una película que haga recordar para que existen estos artistas. Uno de los tantos directores que se pueden incluir en la lista es Sam Raimi. Para muchos Sam Raimi no es un nombre conocido, para otra parte es el director de Spider Man y para una parte más selecta es uno de los realizadores más importantes de las últimas décadas en materia del género fantástico.

Hay que tener en cuenta que este regreso de Raimi al género que mejor sabe manejar es un acontecimiento que muchas personas esperaban luego de su estadía en el cine hollywoodense en la última década. Más allá de los meritos de las dos primeras entregas de Spider Man (la tercera no incluye grandes momentos para atesorar como sucede con las otras dos) Raimi siente que en el género de terror se siente completamente a gusto. Esto se debe a que el director de Darkman sabe manejar como pocos la gracia y el humor que el terror a veces puede proporcionar.

Hay en Arrástrame al infierno varios elementos que se pueden identificar con el cine que realizaba en los años ’80 y el humor que reina en varias de sus películas. En este caso la historia se centra en Christine Brown, empleada de un banco que aspira al puesto de vicegerente. Obviamente, para ocupar un puesto tan importante en su lugar de trabajo, debe tomar “decisiones difíciles” y una de ellas consiste en no permitirle una prorroga a una tétrica anciana quien le realiza una maldición gitana. Lamentablemente para Christine, en tres días, a menos que lo impida, se va a ir al infierno. La trilogía de Evil dead que Raimi realizo en la década de los ’80 y su última parte en 1992 (se comenta que habría una cuarta parte dirigida por el mismo creador) se hace presente por momentos en este film. Si algo reinaba en las películas protagonizadas por Bruce Campbell era el juego constante entre el terror y la comedia, que incluía a los espectadores. Raimi mostraba sangre y vómitos sin ningún tipo de culpa a los espectadores básicamente porque no le interesaba si al otro no le gustaba ese juego bien gore. En Arrástrame al infierno sucede exactamente lo mismo. Sangre, vómitos, bichos asquerosos, animales muertos y un largo etc. es tirado al espectador en la cara sin esperar otra cosa que la aceptación por parte del público.

Hay algo interesante que separa a directores como Romero, Dante, Raimi, Carpenter en algunas películas, que radica en no tomarse las cosas muy en serio. Parecería que estos directores pueden asustar y mucho sin crear films que van desde la solemnidad hasta la exclusiva prefabricación propia del cine de terror americano actual. Raimi utiliza el slapstick, diálogos punzantes y situaciones bizarras para divertir pero también es consiente de la película que está realizando y en vez de dejar que el humor sirva como separador y tranquilizante entre escenas escalofriantes, pone todo en la misma bolsa creando un espectáculo menos estructurado y más enloquecido. Parecería que el cine de terror actual necesita más gente que se arriesgue, como lo hace Raimi en su última película.

En el párrafo anterior, se nombraba la palabra solemnidad. En esta película hay una especie de cuento moral si se quiere que invade el problema que adquiere Christine luego de rechazar la prorroga a la anciana. Por debajo de este cuento de terror aparece una subtrama sobre el manejo despiadado de los negocios y la maquina imparable que son los bancos. Para quedar bien con su jefe y obtener su codiciado puesto de vicegerente, Christine obra manejada por la ambición. Y así es como le va. En esa obra maestra llamada Un plan simple, Raimi crea una historia que se centra en un grupo de amigos que encuentran millones de dólares en un avión estrellado en medio de un bosque. El dinero y la codicia, temas centrales del cine en toda su historia, hace que estos se vayan aniquilando hasta terminar de manera trágica. La ambición según Raimi es el peor de los defectos humanos y en Arrástrame al infierno está presente de manera casi subliminal.

Protagonizada por una excelente y hermosa Alison Lohman y secundado por el gran Justin Long y Lorna Raver, Arrástrame al infierno es una película de terror que cumple con el propósito de asustar y divertir. Ah, además, el director de Darkman y Rápida y Mortal, da una lección a los pequeñísimos y mediocres directores de la última generación moderando los efectos especiales para que vayan junto con la historia y no como meras pretensiones efectistas. Interesante planteo el que realiza el señor Raimi.

ARRASTRAME AL INFIERNO (Estados Unidos, 2009)
Dirección: Sam Raimi.
Intérpretes: Alison Lohman, Justin Long, Lorna Raver, David Paymer, Adriana Barraza, Dileep Rao.
Guión: Sam Raimi e Ivan Raimi.
Producción: Rob Tapert y Grant Curtis.
Fotografía: Peter Deming
Montaje: Bob Murawski
Música: Christopher Young
Calificación: 8

Up, una aventura de altura

2009-07-20T14:11:00.000-07:00

Por estos meses, desde mayo hasta agosto, la frase se repite hasta el cansancio en los medios. Desde diarios, revistas, programas de televisión, etc. Se escucha siempre lo mismo. Ya no es sorpresa que Pixar logre de nuevo una obra maestra. Parece no existir límites para la imaginación de los genios detrás de la compañía más fructífera del cine americano en lo que historias y éxitos de criticas y público respecta. Si el año pasado una película como WALL-E parecía superar lo insuperable que ya había significado el estreno de Ratatouille en el 2007, Up parece demostrar que el cielo no es el límite para John Lasseter y compañía.

Si WALL-E era una historia que mezclaba el humor físico del mejor slapstick, el romance y una cruda y aguda critica social, el camino para que Up se introduzca entre los mejores films de Pixar era una tarea difícil, pero no imposible. Nunca hay que ser prejuicioso con un film producido por la gente que nos trajo obras como Buscando a Nemo o Los increíbles ya que cada nueva película contiene elementos que pueden ser diferentes a cualquier otra cosa antes vista pero que es, además, combinado con las mejores tradiciones provenientes del estudio. Alejado de los monstruos, aliens, jirafas y cebras descontroladas, Pixar opta por otros caminos. Caminos que se acercan a un estilo más propio del cine europeo que del cine americano convencional.

Up, una aventura de altura, es la historia de Carl Fredricksen (la voz de Ed Asner) un anciano recientemente viudo que mediante miles de globos sale volando junto con su casa a Sudamérica a cumplir una promesa a su esposa. Lo acompañan un boy scout de ocho años, un perro que puede hablar y un ave exótica perseguida por un excéntrico cazador.

Sin embargo, como la mayoría de las cosas planteadas por los muchachos de Pixar, esto no es simplemente una historia que se acerca solamente a la aventura. Al igual que en los mejores exponentes de la productora, Up seduce en esos pequeños momentos que los hacen únicos en el cine actual. Porque ya no hablamos de cine de animación para referirnos a la grandeza de Pixar en este aspecto. Para referirse al cine propuesto por Up se deben usar mayúsculas. Pixar son palabras mayores. Hay por lo menos tres momentos únicos que pueden ser considerados de lo más emocionante de lo que va de este año 2009. Entre estas pequeñas joyas dentro del film se puede apreciar un racconto de cuatro minutos que describe un matrimonio entre el protagonista y su esposa. Y otra vez, como sucedía en WALL-E, el diálogo cede ante las imágenes. Imágenes cada vez más poderosas que demuestran ser de una simpleza superficial que se alternan con un poderío emocional casi imposible de hallar en el cine de nuestros días.

El doble merito de Pixar es ser fiel con su propio material. Docter hace referencias a literarias desde Don Quijote hasta El viejo y el mar, pasando por citas a films como El increíble castillo vagabundo de Miyazaki, el ídolo de las personas detrás de las películas pertenecientes a la factoría. Si el póster promociona una gran aventura, Up la cumple. Y lo que no muestra el póster (hermoso y sutil) es lo que se encuentra detrás de la acción que tiene el film. Sin embargo, el drama no consigue opacar a la aventura, que en este caso hasta funciona de mejor manera que por ejemplo, la última aventura de Indiana Jones. Casas que vuelas, pájaros de colores, perros que hablan y pilotean aviones, lugares exóticos. El director Pete Docter (realizador de la genial Monsters Inc.) logra combinar a la perfección el drama y la aventura, como ningún otro. Para tener en cuenta, el género de aventuras pocas veces a cedido terreno al drama. Siempre oscilante entre la comedia y la acción, en Up el género se introduce en la misma historia, haciendo que el film vuele a terrenos inimaginables. Lo interesante y original que contiene la película de Docter es que ésta nunca deja de ser un gran espectáculo que divierte sobremanera y hay tantos elementos para prestar atención que éstos son luego analizados en un estudio posterior. Como menciona el critico Kenneth Turran de Los Angeles Times: “es difícil recordar un film que recorra diferentes terrenos cinematográficos como lo hace Up”.

Cualquier film importante se aprovecharía de los temas tocados magistralmente por Docter en su nueva película. Porque Up es una historia que en otras manos podría ser utilizadas para ser enfocada en una aventura tonta y superficial o a lo sumo en un compendio de temas utilizados de manera grotesca. El paso del tiempo, las derrotas, la tristeza, y sobre todo, acerca de la aventura de vivir, de perder y empezar de nuevo. Docter logra, sin exagerar, maravillas con estos temas. Todos estos son tratados de la manera sutil que nos tiene acostumbrado Pixar. Docter utiliza todos los datos de sus personajes para no ser abarcativo en ellos. Muchas partes del film están expuestas como datos dichos al pasar si se quiere. Esto no quiere decir que la película sea fría. Al contrario, el realizador de Monsters Inc. Aprovecha cada historia para ser desarrollada de la manera más implícita posible.

Al salir del cine, escuché a una chica que decía “igual no tenía sentido la película”. Esto no habla mal de nadie, sin embargo es interesante ver como el cine de Pixar es disfrutado por el público pero que a veces este no pretende ver una historia con mucha historia, sino solamente aventura. Seguramente (capaz me equivoco) esta misma joven irá a ver La era del hielo 3 y se divertirá más con el humor expuesto en la película de Carlos Saldanha. Por esto mismo, el cine de Pixar es apto para todo público y más aún para las personas que pueden emocionarse con ver únicamente al protagonista observando un álbum de fotografías.

Cuantas películas “grandes” y pretenciosas podrían llenar nominaciones al Oscar en el mes de enero con estos temas es algo incalculable. Luego de ser seleccionada por Cannes para abrir su último festival de cine, si la película consigue una nominación a los premios hollywoodenses debe ser poco importante para Docter y el co-director Bob Peterson. Up es un soplo de aire fresco en medio de una cartelera de cine cada vez más cerrada al cine de autor. Porque ya no es ninguna sorpresa que Pixar sea catalogado cómo un referente del mejor cine de los últimos años.

UP, UNA AVENTURA DE ALTURA (Estados Unidos, 2009)
Dirección: Pete Docter y Bob Peterson.
Con las voces de: Ed Asner, Jordan Nagai, Christopher Plummer, Delroy Lindo, Bob Peterson.
Guión: Bob Peterson y Pete Docter.
Producción: Jonas Rivera.
Fotografía: Patrick Lin.
Música: Michael Giacchino.
Calificación: 10

Star Trek

2009-06-09T17:40:00.000-07:00

Si había una película que despertaba curiosidad entre el público masivo en casi todo el mundo, ésta era Star Trek , (otra) remake del clásico dirigido por Robert Wise allá por el año 1979. Recordemos que estamos ubicados en plena época donde los grandes tanques provenientes de Hollywood desembarcan en la cartelera argentina listos para convocar miles de espectadores y así convertirse en grandes éxitos de taquilla. Si tomamos como otros ejemplos recientemente estrenados, apreciamos films como Wolverine, Ángeles y demonios, Una noche en el museo 2, etc. Como bien se sabe, Hollywood no es (y en realidad nunca fue, al menos en los últimos años) sinónimo de buen cine. Hay casos excepcionales que quiebran esta regla (y que son muchos). Star Trek, sin embargo, venía precedida por un entusiasmo general ya que la saga del Enterprise necesitaba una “refrescada” y J.J. Abrahms, el nuevo niño estrella de Hollywood, venía a darle a la alicaída historia un nuevo rumbo. Y es cierto que la necesitaba.

Como sucede habitualmente en estos últimos años, Hollywood recurre al sistema de elegir una historia y darle un nuevo comienzo. Sucedió hace cuatro años con la interesante Batman inicia, hace tres con la fallida Superman regresa, y así podemos seguir con algunos ejemplos más que están lejos de la historia de Kirk y Spock. Hollywood solicita a Abrahms para crear una nueva saga (y de paso eliminarla anterior). Abrahms, quien veía con un curriculum excelente con su serie Lost y su gran Misión imposible 3 parecía ser la persona adecuada para darle un nuevo toque a Viaje a las estrellas como se lo llama por estas tierras a la historia de la tripulación del Enterprise.

Como toda precuela, vamos al comienzo de la historia misma de los personajes empezando por un joven James Kirk, hijo de un tripulante de la Enterprise quien muere salvando centenas de vidas. Claro está que el rebelde Kirk no está en sintonía con la historia de su padre. Éste Kirk se la pasa armando quilombo hasta que decide entrar en la flota estelar y hacerle honor a su apellido. A su vez, Spock, un Vulcano, de padre de esta especie y madre humana lucha por superarse a sí mismo siendo una vez adolescente un prodigio de incalculable inteligencia pero con demasiada frialdad emocional.
Si la primera parte del film es interesante al delinear de manera correcta e inteligente estos dos personajes, el resto de la película se concentra en la aventura de ambos en la famosa nave Enterprise. Abrahms se muestra seguro en la primera mitad del film, con un manejo de la narrativa y situaciones precisas. Sin embargo, una vez llegada la acción, Abrahms mantiene un mismo tono desde el comienzo de esta etapa hasta la finalización del film. Por decirlo de alguna manera, no hay grandes sobresaltos en Star Trek y eso parece ser un paso en falso para un director interesante que en su anterior película lograba todo lo contrario. Misión imposible 3 crecía a pasos agigantados cada vez que la historia avanzaba. En Star Trek, la acción es casi inofensiva, poco atrapante, con grandes despliegues audiovisuales pero sin ningún espacio para que esta sea completamente satisfactoria. O sea, a lo largo de la película hay pocos momentos de acción y estos son casi nulos.

Si el objetivo de Abrahms era concentrarse en la personalidad de sus criaturas no habría problemas. Es más, sería interesante una película proveniente de grandes estudios con grandes presupuestos con una proyección masiva se centralizara en sus personajes. Sin embargo, esto sucede en pocos momentos del film. La primera parte, la presentación de Kirk y Spock (y dejemos de contar porque ningún otro personaje es tocado para su perfeccionamiento emocional) es lograda, si, pero esto no se proyecta hacia el resto del film. El resto del film es frío como el personaje de Spock. Algunos otros personajes están delineados de manera mediocre (como el personaje femenino, realmente vacío de cualquier interpretación) y hasta simplona.

La presentación en sociedad de Star Trek ya es un hecho. Ahora Abrahms y sus guionistas deben corregir los errores de esta primera parte. Si una película de aventuras es una película de aventuras debería hacer saltar a los espectadores de su butaca. La versión de Abrahms en ese sentido no mueve un solo pelo. Es cierto que el productor de Cloverfield rechaza ciertas situaciones y lugares comunes (como el posible triangulo amoroso entre Spock-Uhura-Kirk) pero cae en una puesta en escena fría, una poco desarrollada historia y una aventura de la que, pocas veces visto esto, uno desea abandonar.

STAR TREK (Estados Unidos, 2009)
Dirección: J.J. Abrahms.
Interpretes: Chris Pine, Zachary Quinto, Leonard Nimoy, Eric Bana, Zoe Saldana, Winona Ryder y Simon Pegg.
Guión: Roberto Orci y Alex Kurtzman.
Producción: J.J. Abrahms y Damon Lindelof.
Fotografía: Daniel Mindel.
Montaje: Maryann Brandon y Mary Jo Markin.
Música: Michael Giacchino.
Calificación: 5

Aquiles y la tortuga

2009-04-11T21:06:00.000-07:00

Takeshi Kitano, el director de Flores de fuego, se introduce en las Paradojas de Zenón para explicar el porqué de su nuevo film. Una de las paradojas más famosas es la que tiene lugar en la carrera entre Aquiles y una tortuga. Si la tortuga comienza la carrera con una ventaja otorgada por el mismo Aquiles, quien conciente de sus habilidades, sabe que va a alcanzar inevitablemente a su competidor. Cuando comienza la carrera Aquiles se ubica rápidamente en el lugar donde estaba la tortuga pero esta ya no se encuentra allí ya que ha avanzado. Aquiles vuelve a correr para alcanzarla pero esta nuevamente ha seguido el camino y ya no se encuentra más en el lugar donde estaba anteriormente. De esta manera Aquiles nunca podrá alcanzar a su competidor.

Kitano utiliza de esta manera la popular paradoja para retratar la historia de un artista sin talento pero con mucho amor por el arte a lo largo de toda su vida. Kitano opta la narración más clásica y, de forma lineal, plasma la vida de este personaje desde su niñez hasta el momento de mayor madurez.

Se establece entre el artista y la época en que habita una conexión con el momento artístico de cada tiempo. De niño, Machisu retrata en el lienzo los diferentes objetos que están presentes en su vida diaria, desde animales hasta colectivos. Una vez adolescente, su estilo no mejora y con la ayuda de las clases en una Escuela de arte empieza a copiar a diferentes artistas. Sin tener una identidad propia en su diseño (el personaje copia a Miró, Warhol, Pollock e incluso a Basquiat), llega la madurez en la que va a luchar para conseguir la aceptación.

Aquiles y la tortuga es un film sobre y el arte y los artistas. La concepción del arte por parte de Kitano se ajusta a la caracterización de los artistas que desfilan en su película. Vemos como muchos personajes pasan sus horas logrando obras con distintos propósitos y con diversas miradas sobre el papel del arte. En la sociedad, en el mundo artístico y por último dentro del mismo artista. El papel del protagonista en la historia es ejemplar en ese sentido: Machisu es apoyado por sus propios deseos de avanzar como pintor y luego es apoyado por su esposa. No le importa si su hija su avergüenza de sus extravagantes métodos como tampoco si tiene que estar casi muerto para pintar algo interesante. Machisu es un ser perseverante pero inútil a lo largo del film. No es el primer caso de un personaje sin talento pero que demuestra ser un enamorado del arte. Ed Wood es similar en ese sentido, pero esa es otra historia. La verdad, o la realidad, es algo que Kitano expone también en relación con el artista. El realizador japonés parece decir que el artista debe afrontar lo real y ver como sus sueños a veces no son cumplidos.

Ahí es donde la fabula de Aquiles y su tortuga cobra mayor protagonismo. Machisu está persiguiendo algo que parece ser inalcanzable y que hasta el final va a terminar atormentándolo. El éxito proveniente del arte según Kitano es algo que está siempre adelantado y que el artista puede o no alcanzar. El éxito es relativo ya que, como muchos personajes expuestos en el film, el propósito de este objetivo tiene diferentes variables.

Si en la primera parte del film Kitano opta por una narración clásica que se apoya en una gran fotografía y momentos de humor bien utilizados, en la segunda parte estas virtudes son llevadas al extremo. Los intentos de Machisu por lograr una gran obra de arte son lisa y llanamente bizarros. Enumerar y describir los momentos sería arruinar la sorpresa a quien no ha visto todavía el film. Es también en su segunda mitad donde los personajes son todavía más queribles. La mirada de Machisu interpretada por Kitano es absolutamente tierna y, de alguna manera, seductora. La conexión entre espectador y personaje, como en toda buena película, es constante y se vuelve más intensa. Al igual que el film, que va adquiriendo un tono más oscuro pero por momentos divertido.

Divertida y profunda, por momentos seria y por otros disparatada. En Aquiles y la tortuga abundan seres extraños y situaciones bizarras: desde niños deteniendo trenes para dibujar hasta personas con baldes de pintura chocando contra lienzos. La hermosa locura de Kitano choca de frente a los espectadores. A pesar de haber un nivel de demencia exagerado (que se encuentra lejos de ser un defecto propio del film) Aquiles y la tortuga es una película sutil y poética.

Ser exitoso no tiene nada que ver con ser talentoso. Eso dice en un momento un personaje en el film y s lo que Kitano nos pretende decir del arte y el mundo artístico actual. Kitano deja en nosotros mismos la interpretación de esto. Kitano mencionó que está película es sobre “el cruel mundo del arte” y que “el arte y los artistas están sobrevalorados”. Machisu se encuentra entonces frente a un monstruo enorme que es el universo artístico .En un mundo donde el éxito abunda pero en talento escasea, el Machisu de Kitano corre detrás del éxito aunque también podría interpretarse que el protagonista esté persiguiendo nada más ni nada menos que su identidad artística y talento.

El niño pez

2009-04-07T13:03:00.000-07:00

Tras el éxito obtenido con su opera prima detrás de cámara, Lucía Puenzo adapta para la pantalla grande su propia novela El niño pez. Publicada en 2004, es la historia de la relación entre dos mujeres. Una de ellas es Lala, una joven de clase alta (la ascendente Inés Efrón) que mantiene un secreto romance con la Guayi (una excelente Emme), una chica paraguaya que trabaja como mucama en su casa.

Dentro de la trama, que se concentra en la relación entre ambas jóvenes, también hay varias subtramas que completan el universo que es El niño pez. Un asesinato será el detonador del drama y el conflicto entre los personajes. Sin embargo, Puenzo decide incluir en su propia obra varios elementos relacionados con algunos secretos puntuales que chocan directamente con las protagonistas, diversos personajes y una fabula sobre un ser fantástico (el mismo que da el nombre al film).

Puenzo trabaja esta historia de amor sin problemas con respecto a la narración y en eso se determina un gran paso como directora con respecto a XXY. Sin embargo, El niño pez no es una película perfecta (y está lejos de serla) ya que la cantidad de tramas y subtramas y temas que el film aborda termina por transformar al film en un trabajo excesivo. El incesto, el sacrificio, las relaciones entre padres e hijos, entre hombres y mujeres, la familia, e incluso la fabula de El niño pez terminan por ser abrumadores para un film. No leí el libro del cual proviene esta adaptación, pero me imagino que el trabajo de Puenzo debe ser mucho más satisfactorio en las paginas de su novela.

Sin embargo, El niño pez contiene algunos elementos a favor como su producción y profesionalismo. Lo mismo puede mencionarse de sus actuaciones. Inés Efrón sigue sumando puntos para convertirse en una gran actriz en un futuro. No digo que no sea un buen exponente te la nueva generación de artistas nacionales, pero en un futuro próximo, la actriz de Amorosa soledad va a ser considerada una actriz con mucho valor en el cine o en la televisión. La revelación a nivel actoral, más allá del trabajo de Efrón, la brinda Emme (o Mariela Vitale). Ésta chica, proveniente de la música R&B (¿alguién se acuerda de sus video clips?) ofrece un trabajo sutil por momentos y en otros explosivo. Se puede vislumbrar a una actriz que también tiene un futuro marcado en la actuación.

El niño pez no es un desastre pero tampoco es una gran película. Al igual que sucedía en XXY, el film se queda a mitad de camino. Los temas importantes abundan, (al igual que los géneros que se cruzan –suspenso, romance, road movie -) y quitan la tensión de la trama. En algún punto del film ya no interesa demasiado lo que ocurre. Eso último es mi opinión, teniendo en cuenta lo que sentí mientras transcurrían los minutos.

Aquel querido mes de agosto

2009-04-02T10:05:00.000-07:00

La nueva película del joven director portugués Miguel Gomes es la nueva sensación de los festivales de todo el mundo. Será por su frescura, originalidad, su espíritu lúdico, o por muchas cosas más. Lo cierto es que luego de su paso por todas partes del mundo, Gomes exhibe su maravillosa película en la nueva edición del BAFICI. Luego de ganar premios en San Pablo, Las Palmas, y en el prestigioso festival de Viena, Gomes participa con su film en la competencia internacional de la nueva edición del Festival porteño.

Explicar o intentar dar un resumen de Aquel querido mes de agosto es una tarea algo difícil de plasmar en una redacción. Se puede por lo tanto promover una idea acerca de la originalidad de esta película y como se plasma en pantalla lo que Gomes pretende en su último film.

Primero en principal, el objetivo principal de Aquel querido mes… fue hacer un documental acerca de la gente de distintos lugares de Portugal, sus costumbres y la música típica de las diferentes regiones. La idea fue cambiando a lo largo de la formación del film. En una de las primeras escenas de este proyecto de Gomes se ve como su productor le reprocha a su director (el mismísimo Gomes) que la película no está avanzando correctamente y que se necesitan actores para conseguir financiación al proyecto. Gomes responde: “no necesito actores, necesito gente”. La búsqueda de esta gente es la que emprende Gomes en una buena parte del film. La entrevista a personajes típicos de diferentes lugares y la observación de la música popular en la población se combinan para crear una primera parte interesante y por momentos muy simpática. Luego la película da un giro increíble. La transformación de este documental en una ficción cuando menos se lo espera. Un triangulo amoroso con ecos a romances del verano clásicos de cualquier región son filmados, de esta manera, de forma “ficcional”.

La extrema originalidad del film es capaz el “gancho” principal del cine propuesto por Aquel querido mes de agosto. La mezcla entre el documental y ficción es algo que se ha probado varias veces en el cine con resultados dispares. Gomes no mezcla estos dos aspectos. Él se encarga de borrar la gran línea que existe entre ambos estados creando algo único al sumarse él, equipo técnico y película en sí al juego. Porque de eso se trata todo. Es un juego divertidísimo, que aceptamos jugar. Aprendemos las reglas y nos dejamos guiar por la mano maestra del realizador portugués.

La gente que actúa en el film es consciente de este juego y se deja llevar por él. Un ejemplo de la poca distinción entre realidad y ficción ocurre en un momento determinado en que la protagonista llora la huída de su amor para luego reír avergonzada.

Más allá de la posición en que se ubica, Aquel querido mes de agosto es un film divertido, estimulante, emocionante que pasa por todos estos estados sin ningún tipo de reparo. Comedia, drama, romance y musical. Todo combinado con la maestría de Gomes. La realidad y la ficción nunca gozaron de esta libertad de géneros que es el premiado proyecto del director.

Como si todo esto fuese poco, Aquel querido mes de agosto es también autorreferencial a su director y el equipo que lo acompaña. Esto le sirve a Gomes para crear una pequeña crítica hacia el cine comercial actual y las grandes empresas de producción.

Aquel querido mes de agosto sea posiblemente LA película del 11º BAFICI. Es un film interesante por donde se lo mire, divertido, innovador, que permite replantear los términos de ficción y realidad en el cine para que estos se puedan combinar como lo hace Gomes en su hermosa película. Aquel querido mes de agosto nace junto con el espectador para no terminar nunca.

BAFICI + Un Conte de Noël

2009-03-27T08:18:00.000-07:00

Desde el día de hoy voy a hacer un pequeño analisis de las películas que pueda ver en el BAFICI de este año. Por motivos como la facultad, el dinero, y demás... no voy a poder ver la cantidad de películas que quisiera. Pero que al menos vea más de cinco películas me deja feliz. Si, son más de 400 films y yo veo cinco... no somos nada...

UN CONTE DE NOËL (Arnaud Desplechin)

Un conte de Noël es el octavo film del genial director francés Arnaud Desplechin. Protagonizada por la gran Catherine Denueve, Mathieu Amalric, Emmanuele Devos, Jean Paul Rousillon, Un conte de Noël es la historia de una familia problemática donde abundan los problemas entre todos los integrantes (casualmente su apellido es Vuillard, el mismo de los personajes de Reyes y reina). Diferencias entre hermanos, padres e hijos, maridos y mujeres, etc. Son el centro de la atención del nuevo film del director de Esther Kahn. Como es habitué en la filmografía de Desplechin, la duración es excesiva. Y en este caso se advierte como los minutos se van alargando más y más a medida que la película va avanzando. A pesar de tener un elenco formidable y que algunos conflictos son muy atrapantes para el espectador, el film termina por resultar abrumador entre tantos personajes y tramas y subtramas. La primera mitad es un ejemplo de la capacidad de Desplechin para presentar personajes y como estos interactúan de manera natural, pero luego, una vez que la película sigue avanzando todo se va haciendo más lento, más pesado, más agotador. La espectacular Reyes y reina es una película más redonda, más consistente, mejor realizada. Es cierto que Desplechin es un excelente director pero esta vez parece dejarse llevar más por la exponer todos los conflictos posibles restándole importancia al resultado final luego de los 150 minutos que dura su película.

Rebobinados

2009-03-24T10:20:00.000-07:00

Michel Gondry es dueño de una interesante carrera que contiene títulos destacados como Human nature y la interesante Eterno resplandor de una mente sin recuerdos que resultó un suceso en el año 2004 y le permitió a su guionista Charlie Kauffman ganar un premio Oscar. Luego llegaría La ciencia del sueño, una puerta hacia la locura del director, a quien le encanta trabajar con guiones que no estén ligados al convencionalismo. En Be kind rewind, Gondry se pierde en su propio mundo presentando una historia que, a pesar de tener pasajes muy graciosos, se queda a mitad de camino entre la comedia absurda y el drama nostálgico.

Be Kind Rewind, es la historia de dos encargados de un video club que luego de que uno de ellos borre las cintas accidentalmente comienzan a grabar cada titulo que falta a pedido del público resultando un éxito absoluto. Los encargados están interpretados por Jack Black y Mos Def mientras que el gran Danny Glover interpreta al dueño de la tienda.

Algo que es necesario para que una película funcione correctamente, a pesar de contar con los demás elementos, es un buen guión. Este determina todo: la historia (de que se trata, quienes la componen, como, cuando, etc.), los personajes (quienes son, como son, sus miedos, aspiraciones, motivaciones, etc.), las acciones, entre muchas otras cosas. En el film de Gondry, el guión parece olvidarse de toda estructura al presentar una historia que parece sostenerse gracias a algunas pinceladas de humor realmente efectivas pero que no alcanzan para levantar la película entera. Pareciera que el film tiene la firmeza de un flan, y no es broma. La idea de Gondry es clara y no es para nada desechable: una historia sobre la nostalgia, sobre un barrio caído que requiere la necesidad de algo que le recupere su identidad, sobre dos personas que quieren demostrar que pueden ser alguien, etc. Con todos estos elementos se podría haber hecho un gran film, realmente conmovedor. Pero en su intento de alejarse de algunos patrones efectistas, el director nacido en Versalles crea un film sin sustento que no se decide entre las escenas de comedia de los dos protagonistas filmando películas o un interesante drama melancólico sobre el pasado. Uno de los principales errores es, entonces, la poca decisión del director con que hacer con su material.

Más allá de tener situaciones realmente graciosas comandadas por Jack Black y Mos Def haciendo pseudo remakes de películas reconocidas (2001 odisea en el espacio, Roboop, Los cazafantasmas, etc.) el guión no tiene ningún tipo de consistencia y eso entierra a Be kind rewind definitivamente. Si se le hubiese entregado este proyecto a otro director se podría haber hecho algo más similar pero con otra estructura que de más lugar a las cosas que en guión de Gondry pasa por alto (léase personajes, situaciones, detonantes). Pero es cierto que con otro realizador se hubiesen perdido los temas originales de la película.

A pesar de que Be kind rewind cuenta con un elenco formidable (aparte del elenco principal, se encuentran Melanie Diaz, Sigourney Weaver, Mia Farrow), con una fugaz critica hacia el mercado moderno de formato de dvd’s y las grandes empresas de alquiler (cuando no, Blockbuster), y con escenas cómicas muy logradas, el film de Gondry termina fácilmente en el olvido al no tener una identidad propia y al quedar en el medio de dos géneros sin decidirse por ninguno.

REBONINADOS (Estados Unidos, 2007)
Dirección: Michel Gondry.
Interpretes: Jack Black, Mos Def, Danny Glover, Mia Farrow, Melonie Diaz, Sigourney Weaver.
Guión: Michel Gondry.
Producción: Julie Fong y Georges Bermann.
Fotografía: Elias Kuras.
Montaje: Jeff Buchanan.
Música: Jean-Michel Bernard.
Calificación: 5

Watchmen

2009-03-17T19:22:00.000-07:00

Como muchos saben, Watchmen es una novela grafica creada por Alan Moore a mediados de los años 80 en pleno auge de la confrontación entre la URSS y los Estados Unidos comandados por Ronald Reagan. El comic es una declaración de amor/odio de Moore hacia los superhéroes que hasta ese momento eran moneda corriente en el universo de este arte. El mundo creado por Moore es notoriamente diferente a la realidad de la década del 80 y también su calidad argumental al igual que los temas que la novela se encarga de expresar. Watchmen parte de una transformación de la historia para presentar un espacio y un tiempo propios. Según el comic, Richard Nixon sigue gobernando Estados Unidos y la situación con la Unión Soviética está al borde de una guerra nuclear. En el medio se encuentran los Watchmen, un conjunto de superhéroes que vieron tiempos mejores hasta el momento en que la sociedad y la política se pusieron en su contra.

El responsable de la arriesgada llegada del comic a la pantalla grande está a cargo de Zack Snyder, el mismo de la (perdonen fanáticos) fallida adaptación de 300, la novela grafica de Frank Miller. El film de Snyder se limitaba a exponer una versión de la histórica batalla entre Esparta y Persia carente de todo sentimiento pasional. Watchmen es un cambio con respecto a la novela de Miller. Es indudable que más allá de los aciertos y errores de Snyder, este es un director que toma en cuenta el poder de la visualización y sabe utilizar los efectos para crear escenas realmente impactantes. En 300 ocurría por momentos pero en Watchmen lo visual pasa a ser prácticamente esencial para la creación del mundo creado por Alan Moore.

Si decimos que Snyder es un realizador para tener en cuenta seriamente esto se debe a algunos aciertos en el film éxito de taquilla en estos momentos. En ese sentido, el comienzo es sencillamente espectacular. Como cualquier persona que ha leído el comic sabe que la muerte de The Comedian (Jeffrey Dean Morgan) es el disparador para las investigaciones de sus compañeros acerca del porqué de este acontecimiento. La música de Nat King Cole suena mientras el personaje de Morgan es atacado en su departamento. Las suaves melodías de Unforgettable combinan con la violencia desatada en ese lugar. La voz de Cole se combinacon el sonido de los huesos rotos y el quebramiento de la ventana causado por el cuerpo de Comedian al ser arrojado al vacío.

Snyder vuelve a acertar con la apertura de los créditos, en los cuales se sintetiza la historia desde la aparición de los Minutemen (la conformación anterior a los Watchmen) hasta el presente. Apoyado por The Times Are A-Changin del gran Bob Dylan y un montaje interesante, Snyder combina tiempos y hechos en pocos minutos explicar el auge y la desaparición de los superhéroes. El poder de las imágenes sin reforzar ninguna clase de diálogos es algo que no pertenece al cine americano de los últimos años. Cuando todo es sobreexplicado, Snyder crea y expone en los primeros minutos su amor por la imagen antes que la palabra. Al menos en esta secuencia, luego en el film esto desaparece una vez que el director tiene la necesidad de brindar información no siempre requerida.
Luego de que el film arranque junto con las investigaciones de Rorschach (Jackie Earle Haley) Snyder se concentra en abarcar las historias de todos los personajes mediante interesantes flashbacks (el origen de Dr. Manhattan o la relación entre The Comedian y Silk Spectre son los más logrados) pero de a poco el film va adoptando un estilo muy autoconsciente con la obra de Moore. Las escenas y algunos planos en particular son exactamente similares a la novela gráfica haciendo que la película sea simplemente un calco del comic. No es necesariamente un paso en falso el hecho que Snyder sea muy fiel con la creación de Moore, sin embargo, en algún punto se siente que el realizador pretende recrear las viñetas en la pantalla grande sin mucha explicación del porqué de esta decisión. En ese sentido, Snyder podría haber sido un poco más personal con su película en vez que ésta se imponga antes que el trabajo del director.

La humanización de los héroes y villanos es uno de los temas fundamentales que Moore imprime en su comic y Snyder en su film. En una secuencia, The Comedian se sienta en la cama de su archienemigo muchos años después de haber sido un héroe y un villano respectivamente. Ya no es un héroe y un villano los que están ahí frente a frente. Son dos seres humanos escondidos detrás de sus mascaras. En cada una de ellas se encuentran historias de logros y frustraciones.
Watchmen es un retrato de la sociedad, la política, el amor, la amistad, el pasado y el temible futuro. El film cumple las expectativas al terminar siendo una obra para discutir y confrontar distintas opiniones sobre estos temas. Más allá del regodeo visual de Snyder, que a veces peca de excesivo, el realizador y los guionistas David Hayter y Alex Tse se concentran en las diferentes capas de la novela grafica exponiendo todos la temática propia de la obra. En algunos casos, puede resultar que algunos temas sean tratados en mayor medida que otros pero esto se debe que el film, a diferencia del comic, tiene una duración limitada (al menos para el estilo hollywoodense) y algunos aspectos que se podrían exponer de una manera más correcta son parcialmente ignorados.

En un sentido cinematográfico, teniendo en cuenta el poder que adquiere lo visual en determinados momentos gracias a Snyder se puede decir que Watchmen es un gran espectáculo. Sin embargo, cuando el director de El amanecer de los muertos empieza a jugar con su trabajo para crear grandes imágenes sin una necesidad del todo justificada, la película se siente por momentos como un compendio de escenas muy lindas pero finalmente vacías. Esta tendencia de Snyder a representar viñetas en su película le juega en contra no solo a él sino a los propios actores que parece que en algunos momentos están más pendientes de estar imitando el comic que realmente actuando para la película.
Por un lado tenemos una obra maestra creada por Alan Moore. Por el otro una película con fallas provenientes de su director pero que maneja por momentos las imágenes como pocos saben hacer. Me preguntarán, ¿en que quedamos? Watchmen es una muy buena película que podría haber sido una terrible decepción si Snyder hubiese seguido con sus juegos. Sobria, cruda, triste, desesperanzadora, irónica. Esa es la obra de Moore. Watchmen es sencillamente una adaptación lograda de una gran novela grafica.

WATCHMEN – LOS VIGILANTES (Estados Unidos, 2009)
Dirección: Zack Snyder.
Interpretes: Malin Akerman, Jackie Earle Haley, Jeffrey Dean Morgan, Patrick Wilson, Billy Crudup, Carla Gugino, Matthew Goode, Matt Frewer.
Guión: David Hayter y Alex Tse
Producción: Lawrence Gordon, Lloyd Levin, Deborah Snyder.
Fotografía: Larry Fong.
Montaje: William Hoy.
Música: Tyler Bates.
Calificación: 8

El transportador 3

2009-03-14T19:27:00.000-07:00

Hay varios motivos para festejar el estreno de una película como El transportador 3. Primero en principal, la saga creada por el francés Luc Besson no se caracterizan en ser muy sutiles que digamos. Grotescas, delirantes y hasta algo grasas son los términos más comunes con los cuales se relacionan a las tres partes de esta simpática saga acerca de un remisero a bordo de un Audi. El hecho de que la física, ni la química, ni la lógica entre en el juego que es El transportador transforma al film en un entretenimiento lisa y llanamente placentero.

La segunda parte de la saga, según mi opinión, superaba a la original. Mucho más osada, más delirante y absolutamente inverosímil, el film era una montaña rusa de 85 minutos que terminaba siendo toda una gema en el genero. El transportador 3 no supera a la segunda parte, pero contiene varios puntos interesantes para analizar. Si, dije bien, para analizar.

En este caso, al igual que en las anteriores películas, la trama es lo de menos. En este caso, Frank Martin (el genial Jason Statham, un héroe de acción que desborda carisma y simpatía en cada movimiento) debe transportar a la hija de un funcionario extorsionado por el grupo de villano de turno y dos bolsas con contenido misterioso y secreto. Nada nuevo. Lo mismo de siempre si se quiere. Hay una subtrama de conflictos sobre el medio ambiente y no mucho más. Sin embargo, El transportador 3 se sostiene gracias a su excelente protagonista y algunos detalles que hacen al film un espectáculo muy interesante.

Jason Statham es uno de los últimos grandes héroes de acción que hay salido en los últimos años. Luego del decaimiento de los estrellas más poderosas de los 70 para adelante, Statham ha encontrado crear varios aspectos ha tener en cuenta en la conformación de su personaje. Es serio pero parece reírse un poco de esta faceta suya y eso es lo que lo hace más que interesante. Lejos de la solemnidad y más cercano a la parodia del héroe clásico de acción, Statham es el actor indicado para este tipo de papeles. Dentro de poco se viene Crank 2. Mientras se lo puede ver en Carrera mortal en DVD o, si no la vieron, en El gran golpe, una de las grandes películas del año pasado.
Asistir a ver una película como esta merece eliminar todo prejuicio de entrada sobre el género y el film en si. Si el espectador deja de lado las referencias lógicas que dominan el mundo real puede entretenerse como nunca gracias a que en el universo ficticio, donde transcurren las aventuras de Frank Martin, todo puede suceder. Esencialmente, en El transportador 3 puede suceder cualquier cosa y uno se siente feliz con ello. ¿Qué importa si es o no una publicidad de Audi de una hora y media? ¿Qué importa si las leyes de la física o la química no se cumplen? El cine de acción y aventuras se sostiene gracias a la manipulación del espectador para crear mundos inverosímiles donde cualquier cosa puede suceder mientras el espectador sea participe de este espacio.

Creemos que puede pasar cualquier cosa: desde un auto en dos ruedas entre dos camiones hasta este mismo auto entrando con conductor y todo en un tren en movimiento. El placer de realizar un film sin limitaciones y el placer de ser parte de ese mundo aunque solo por una hora y media es, simplemente, creer en el arte y sus infinitas variables. Y de eso se trata el poder del cine y que va a más allá de lo relacionado con la trama, los efectos especiales, las actuaciones. El director Oliver Megaton, Luc Besson en carácter de guionista y la superestrella Statham le imprimen el absurdo a su film y logran un espectáculo decente, creíble, satisfactorio y hermoso.

EL TRANSPORTADOR 3 (Francia, 2008)
Dirección: Oliver Megaton.
Interpretes: Jason Statham, Natalya Rudakova, François Berléand, Robert Knepper, Jeroen Krabbé.
Guión: Luc Besson y Robert Mark Kamen.
Producción: Luc Besson y Steve Chasman.
Fotografía: Giovanni Fiore Colteracci.
Montaje: Camille Delamarre y Carlo Rizzo.
Música: Alexandre Azaria.
Calificación: 8

Detalles sobre Gran Torino

2009-03-07T14:43:00.000-08:00

Como reza el título, estos son algunos detalles que me quedaron pendientes en mi crítica sobre la última maravilla de Clint Eastwood. Ayer pude verla por segunda vez y descubrí más cosas que analizar, y acá están.

ATENCIÓN: HAY DETALLES DIRECTAMENTE RELACIONADOS CON LA TRAMA Y LA RESOLUCIÓN DEL FILM.

El clasicismo: la recientemente estrenada El luchador de Darren Aronofsky parte de un estilo visual y formal para relatar la historia de su protagonista. No en vano muchos críticos vieron en esta propuesta una ventana al cine de los años 70. Un retorno a las fuentes de los mejores títulos de la década más rica del cine contemporáneo. Sin embargo, y aunque esto es cierto, el estilo que el director de Pi le imprime a su película no deja de ser algo formal, y por ende, poco justificado. Teniendo en cuenta que las manías de Aronofsky en sus primeras películas se traducían en el uso de un montaje acelerado y los excesos de a fotografía, el abandono de este sistema se debe a una renovación de su estilo y no guarda relación con la historia que está contando.
Falsamente disfrazada de película de acción, simple y liviana, Gran Torino es una gran película clásica. Al igual que la interesante Million Dollar Baby, Eastwood propone colocar a sus personajes antes que el regodeo visual y la puesta en escena (ese es otro tema a tratar más adelante). Lo que sorprende de un film como Gran Torino es su capacidad de emocionar con armas tan simples como la firme construcción de personajes que van creciendo a lo largo de la película. Eastwood crea personajes, nos seduce, nos enamora, y luego nos abandonan. Celebramos la compañía de estos en el film y lloramos cuando se van. Esta importancia al personaje (y al espectador) es algo que no se ve en un cine que inunda pantallas con espejitos de colores. En Gran Torino no importan muchas cosas más que buenos personajes y la funcionalidad de la puesta en escena con estos. ¿Por qué funciona mejor una puesta en escena que abandona los rubros técnicos y se concentra en lo esencial? Se debe, principalmente, porque hay personajes que nos importan. Por ejemplo: en una parte importante del film Walt decide prestarle su preciado auto a Thao. El espectador siente que algo verdaderamente malo puede llegar a pasar, dado los acontecimientos que se fueron dando (la pandilla, momentos antes, atacó a Thao). La importancia que el publico le da a un simple gesto (el prestar un auto) es enorme. Eso solo lo logra un guión y una dirección inteligentes que están en el momento justo para atacar directo al corazón del espectador.

Los personajes: Eastwood nos propone jugar un juego a lo largo de Gran Torino. Nos presenta personajes esparcidos por la mesa y va acomodándolos de manera tal que todo resulte ordenado una vez finalizado el film. Nuestra atención está en el movimiento de las cartas, como se corresponden unas con otras y la manera en que terminan relacionándose. A lo largo de las dos horas, uno conoce los personajes. Sus miedos, sus deseos, sus ambiciones, sus zonas frágiles y fuertes. Se acostumbra al humor que imprime Eastwood (dicho sea de paso, es muy bueno en sus dotes cómicos) y no desea abandonar el juego. Pero como es costumbre el juego finaliza tarde o temprano. Sin embargo, el recuerdo de haber sido parte de algo tan hermoso y entrañable no abandona al espectador. Es finalmente, una película imprescindible. De esas que van a hacer historia. “Salvemos la leyenda” reza el cofre de recuerdos de Walt. Eastwood lo hizo.

No es un film sobre la venganza: esto es claro una vez que Eastwood encierra a Thao para impedir que se manchen sus jóvenes manos de sangre. Sobre el final, Walt se ofrece como sacrificio para salvar dos vidas mucho más importantes y necesarias dando toda su existencia a los disparos de la pandilla. Termina siendo mucho más que el ojo por ojo. Es un rechazo a la violencia, la guerra, las diferencias, la intolerancia. Es contradictorio el hecho de que haya más vida en Walt en el momento de su muerte que en cualquier otro momento del film. Hay vida porque permite más vida y paz. Paz que se ve en ese hermoso paisaje en la última escena de la película.

El actor y el ícono: como señalé en mi crítica sobre este film, Eastwood nunca se caracterizó por ser un gran actor. Su faceta de tipo duro lo acompañó en todas sus interpretaciones. Gran Torino no es la excepción. Sin embargo, la vuelta de tuerca se hace presente cuando ese tipo duro empieza a mostrar la otra cara. La cara de los errores cometidos en el pasado, la culpa, los años perdidos, el odio generado. Hay en esa cara una conexión al espectador presentes en sus ojos, sus gestos, sus dientes apretados, que generan un entendimiento directo con las emociones internas de Walt. Disculpen fanáticos de Sean Penn en Milk, pero actuación es lo que hace este hombre en esta película. La capacidad de dar vuelta una imagen para transformarla en algo completamente nuevo.

El final: el acercamiento que en un momento Walt pretende con su familia no prospera. En los últimos minutos, Eastwood, en vez de borrar con el codo lo que había ya escrito, no le deja nada a su familia en su testamento. Su Gran Torino marcha sobre una costa apacible conducida por Thao acompañado por Daisy, la perra de Walt. Al igual que en las dos muy buenas películas estrenadas este año Marley y yo, y Las horas del verano, hay un entendimiento entre el auto (y el pasado) y el joven que lo conduce. La amistad creciente entre los dos personajes es especial, cariñosa al fin y al cabo. El joven conduce tranquilamente su Gran Torino entendiendo que más allá de todo eso hubo algo especial entre dos personas decididamente distintas. Ocurre lo mismo en la mano de Owen Wilson acariciando a su perro o en el último paseo de la joven en la casa de su abuela en la película de Assayas. Es el entendimiento que hay algo más profundo en las pequeñeces de la vida cotidiana. El compartir un asado, el tomar una cerveza junto a alguien de creencias contrarias, el prestar un auto o el enseñar a hablar como hombre, son las cosas de la vida que perduran más allá de todo.

Gran Torino

2009-03-05T12:07:00.000-08:00

Gran Torino, la nueva película de Clint Eastwood, comienza en el funeral de Walt Kowalsky, un americano de origen polaco, conservador, racista, nacionalista y cascarrabias. Walt odia a todo el mundo: desde su propia familia (hijos incluidos), hasta cualquier persona (en especial sus vecinos de origen asiático). Parecería que el personaje vive añorando tiempos pasados donde no era común ver a una joven como su nieta con un piercing en el ombligo usando su celular en una iglesia. Como el personaje de Eastwood en Million Dollar Baby, Walt también siente rechazo hacia la institución religiosa. Sus peleas con el reverendo del barrio son constantes y las exposiciones de ambos frente a la vida y la muerte son bien desiguales.

Un noche, su joven vecino obligado por una pandilla, trata de robar su Gran Torino modelo 72 (símbolo del sistema americano del que es parte) que para Walt es su más preciada pertenencia. Él interfiere e impide el robo. Luego se hará amigo de este tímido joven y su hermana mayor abriéndose a sus vecinos.

Según se sabe por las declaraciones hechas por el propio Eastwood este es su último film como actor. Nunca fue un gran intérprete, es cierto. Sin embargo Eastwood realiza su mejor trabajo personificando a su Walt, un personaje complejo, muy difícil de abordar a pesar de tener los tics característicos de otras interpretaciones del propio actor y director. Más allá de su cara de amargado, sus dientes apretados y los sonidos de odio que descarga cada vez que ve a alguien diferente a él, se puede observar un gran trabajo del actor de Harry el sucio en la composición dejando entrever que hay algo encerrado en Walt. Una historia repleta de diferentes acontecimientos que componen al anciano antipático y patético que personifica Eastwood, quien parece reírse de alguna manera de su propia mítica figura.

Hablando de historia, lo interesante de Gran Torino es que nunca sabemos mucho de Walt. Solo conocemos parte de su vida: de su esposa no se dice nada salvo que fue una gran esposa, sus días como soldado son mencionados pocas veces, el resto es completado por el espectador a medida que el film avanza y nos permitimos entrar en el personaje.

El film toca temas comunes en la filmografía del director de Los imperdonables. Desde el pasado (su tópico más común), la familia, la religión, los contrastes, etc. Es notorio observar como todas las temáticas que se aprecian en la película están tomadas con sutileza, algo que Clint nunca tuvo como director. El subrayado innecesario, el discurso llevado al extremo siempre fueron características (negativas) de sus películas (en Mike Leigh sucede lo mismo). Hay ejemplos en todos sus trabajos pero eso se podría hacer en otro post. Volviendo a Gran Torino. Los temas “importantes” como la vida y la muerte, y la venganza (es claramente una película sobre “otras oportunidades”) están tratados de manera natural sin dar ninguna opinión al respecto ni promover ninguna acusación o lección.

Mientras que en El sustituto Eastwood hacía todo mal, en Gran Torino todo fluye de manera agradable. Es un film muy simpático, mucho más atrapante que su anterior película. Contiene grandes momentos humorísticos y profundas escenas dramáticas (cercanas al desenlace). El secreto radica en que Eastwood sabe dirigir a sus personajes seduciendo desde las primeras escenas. Nunca abandonamos Walt a pesar de ser un viejo patético, nos acostumbramos a su forma de ser y compartimos algunas de sus opiniones.
Lo que más sorprende de un film como Gran Torino es el hecho de ser un film sin muchas pretensiones que entretener con una historia simple, con un guión muy limitado pero que solo una persona como Eastwood puede levantar con su presencia y dirección. Exceptuando algunos temas que están presentes en ambas películas, El sustituto y Gran Torino parecen estar dirigidas por dos personas distintas. En la primera los clichés, lugares comunes y golpes bajos inundaban el film por completo convirtiéndose en un desfile de miserias. En Gran Torino sucede todo lo contrario y se debe a que este último trabajo de Clint no tiene grandes pretensiones ni ambiciones artísticas. Solo pretende contar una historia con las mejores armas narrativas. El cine actual, enfrascado en los grandes dramas y en los discursos sobre temas importantes no presta atención a estas pequeñas películas hechas con amor al cine y al querer contar bien un cuento. Ahí esta Eastwood realizando una película que es entretenida y al mismo tiempo conmovedora sin caer en ningún tipo de exceso.

En definitiva estamos ante un clásico. Casi una obra maestra del cine actual. Un film nostálgico, conmovedor, íntimo, que expone un análisis sobre el ser humano, la vida y la muerte. Esas películas que están para ser guardadas y ver y volver a ver.

GRAN TORINO (Estados Unidos, Australia, 2008)
Dirección: Clint Eastwood.
Interpretes: Clint Eastwood, Christopher Carley, Bee Vang, Ahney Her, Brian Haley, Geraldine Hughes, John Carroll Lynch, Dreama Walker, Brain Howe.
Guión: Nick Schenk.
Producción: Clint Eastwood, Bill Gerber, Robert Lorenz.
Fotografía: Tom Stern.
Montaje: Joel Cox, Gary Roach.
Música: Kyle Eastwood y Michael Stevens.
Calificación: 9

Nueva comedia americana + Pineapple express y Role models

2009-02-28T12:13:00.000-08:00

Como muchos saben, la Nueva comedia americana básicamente comenzó luego de las películas protagonizadas por el nuevo grupo representativo del genero. Estos son: Will Ferrel, Steve Carrell, Ben Stiller (aunque las comedias suyas ya venían cosechando exitos), Vince Vaughn y los hermanos Wilson. Desde aproximadamente el estreno de Zoolander. Sin embargo, dentro de esta nueva etapa aparece la persona responsable de crear un nuevo nivel de comedia en el cine actual. Judd Apatow, que había escrito el guión de la interesante Las locuras de Dick y Jane, realiza Virgen a los 40 años con Seteve Carrell en el papel más reconocido de su carrera. La película es casi una obra maestra del género y esto funciona básicamente gracias al tratado que el director le imprime sobre su protagonista. Como todos sabemos, el virgen cuarentón del film rechaza la idea de estar con una mujer luego de varias situaciones fallidas con el sexo opuesto. El miedo y el rechazo hacia establecer una relación de cualquier tipo hace que Andy, el protagonista, se encierre en si mismo siendo una suerte de marginado con relación al entorno que los rodea. Justamente la idea de Apatow es la creación de personajes patéticos, con problemas puntuales y bien expuestos, pero que generan la simpatía con el espectador. Al final de Virgen a los 40 años uno abandona a Andy sabiendo que su vida será distinta a partir del momento en que logra consumar el acto sexual con su esposa. Sin embargo, lo interesante es que el recuerdo de Andy no logra despegarse de la memoria. Esta amalgama también está presente en Ligeramente embarazada. Particularmente no es de mi agrado ya que luego de los primeros treinta minutos la película pierde el encanto del descontrol creado por el protagonista y su grupo de amigos, y adopta una postura más seria creada por el sexo femenino (a cargo de los personajes de Katherine Heigl y Leslie Mann).

En Superbad el amalgamiento es superior ya que Apatow (en el rol de guinista) y Greg Mottola (el director) plasman esta conexión entre los tres amigos y el espectador llevando a otros niveles. Superbad es una película acerca del crecimiento, de la perdida de la adolescencia, y sobre todo es un análisis de la amistad entre dos amigos en la etapa más conflictiva de sus vidas. No ser parte de esa conexión se debe a un rechazo del humor propuesto por Apatow y Mottolla. Esto quiere decir, simplemente, no entender muchos de los buenos chistes que tiene el film.

Hay varios ejemplos de personajes excluidos que tienen su redención final. Forgetting Sarah Marshall, Walk Hard (The Dewey Cox story), Step Brothers y las dos películas que voy a mencionar ahora. El principal poder del cine de Apatow radica en este entendimiento entre los personajes y el espectador, pero es notorio que esta conexión traspasa los límites de un film. Es decir, sabemos que las películas de Apatow cierran con un happy ending y con el reconocimiento de los personajes por parte de los demás participes de la película. Sin embargo, más allá de ser un lugar común y gastado, la fuerza principal de la Nueva comedia americana radica en el hecho de querer ver triunfar a los antihéroes protagonistas de los films. Queremos el lugar común y seguro. Esta formula se agotará en algún momento (a lo mejor en el próximo trabajo de Apatow con Adam Sandler) pero estamos bien con ella y nos da gusto ver sus películas.

Pineapple express

Dirigida por David Gordon Green (realizador de cine independiente recordado por Undertow y All the real girl) la película gira en torno a dos hombres adictos a la marihuana involucrados en un asesinato con tintes mafiosos. Por un lado Dale es un empleado municipal adicto a la marihuana que consigue su vicio gracias a Saul, su dealer. Gracias a una trama que mezcla el policial con la comedia Pineapple express consigue desarrollar su historia por medio del magnetismo creado por sus protagonistas. Seth Rogen (habitual colaborador de la factoría Apatow) y un sorprendente James “Harry Osborn” Franco logran tomarse los personajes bien en serio para que la trama fluya correctamente. El film es uno de esos títulos que podrían catalogarse como “dos personas que están en el lugar equivocado en el momento equivocado”.

Acá se cumple la principal regla del cine de Apatow (en este caso como creador de la idea principal y productor del film) y radica en dos personajes marginados. En primera instancia el dealer frente a los ojos de su comprador y luego ambos frente a los demás personajes. Lo interesante es que la amistad propuesta por Apatow entre los dos hombres se presenta como una relación única, que con el paso del tiempo va floreciendo hasta la unión final en el desenlace del film. Hay un tercer personaje que a lo largo de film juega el papel del traidor y que hasta el último momento no se sabe en que bando está realmente. Sin embargo hasta en este caso la amistad entre los hombres parece preferible que la relación entre diferentes sexos (atención al personaje femenino, la novia de Dale).

El film no llega al nivel de perfección como otros exponentes del genero. Tiene varios momentos en que la historia no es tan atractiva como para dejar al publico completamente interesado en lo que se está contando. Su desenlace se alarga innecesariamente y las escenas de acción no están del todo logradas. Sin embargo hay elementos interesantes como para expresar que Pineapple express es un film a seguir que sirve como cadena entre los trabajos anteriores de la factoría Apatow y los que están por venir (la mencionada Funny people con Sandler y The year one con Jack Black).

Role models

Role Models, por otra parte, guarda relación con los films dirigidos, producidos o escritos por Apatow, únicamente por Paul Rudd (que es, además, uno de los guionistas de la película), uno de los dos protagonistas. La historia es simple y hasta ya vista. Dos hombres que trabajan promocionando una bebida energizante en colegios son obligados, luego de un incidente, a ser pupilos de dos jóvenes. Por el lado de los grandes está el mencionado Rudd, un amargado hombre de 35 años que no ha hecho nada interesante en su vida y pasa sus días regañando por cualquier cosa. Para colmo su novia lo deja (uno de los conflictos más comunes en la Nueva comedia americana). Por el otro, Wheeler (Seann William Scott, un peso pesado en la comedia) es el típico jodón. Se acuesta con muchas mujeres y no tiene mayores objetivos en la vida que trabajar de lo que le gusta (vestirse de un minotauro promocionando la bebida).

El film no necesita grandes vueltas de tuercas ni mucho menos un guión perfecto. Role models es el caso típico de la película que con solo sus protagonistas y sus excelentes personajes secundarios, y algunos momentos muy interesantes permiten que todo funcione como una maquina. De Rudd y Scott no se puede decir más que son dos grandes actores cómicos. El aspecto más interesante del film es el entendimiento que los guionistas y el director tienen por los personajes más jovenes. Mencionaba que una de las claves de Superbad era la conexión entre el publico y los protagonistas, ya que estos se sitúan en la conflictiva etapa adolescente. En Role models sucede algo similar.

El personaje de Christopher Mintz-Plasse (el recordado McLovin de Superbad) es un adolescente que, para salir de su conflictiva vida, se junta con amigos y demás personas recreando un mundo ficticio situado en la edad media. Augie vive pensando en este mundo para alejarse de las críticas de sus padres quienes piensan que su pasatiempo es simplemente una estupidez. La creación de este mundo paralelo es de utilidad para que los responsables del film encuentren en esto una salida para los problemas de los adolescentes y el uso y la importancia que tiene. En El mundo mágico de Terabithia sucedía lo mismo. Los dos niños protagonistas se sumergían en otra realidad para escapar de su vida cotidiana. En el final de Role models, lo ficticio contagia los protagonistas absorbiéndolos y plasmando la “actitud” de este universo en la realidad. El happy ending de la película de David Wain es un ejemplo de eso.

Las dos películas expuestas sostienen la evidencia de que una comedia inteligente puede ser más interesante que cualquier otro género. Si bien ambos trabajos no son perfectos, tampoco pretenden serlo. Tampoco tienen el objetivo de ser simples vehículos para que el público se ría y solo pase un buen rato. En los dos films hay detalles interesantes que están escondidos para que el buen espectador sepa interpretarlos. Al igual que sucede en las obras de Pixar, la mayor parte de la Nueva comedia americana tiene muchas capas que esconden un mensaje, que lejos de aleccionar, solo exponen la naturaleza de la vida misma.

Un detalle importante sobre los premios Oscar

2009-02-24T18:36:00.000-08:00

El critico Horacio Bernades, en su nota publicada el día de ayer en Pagina 12, expone algunos datos interesantes sobre Slumdog Millionaire y la relación de esta película con la entrega de los Oscar del día domingo. Mucho se habló de la apertura de los premios al mundo entero teniendo en cuenta la diversidad de artistas representantes de otros países que estuvieron nominadas e incluso ganaron. Sin ir más lejos, el film de Boyle realizado en la India, con capitales británicos; el premio a la inglesa Kate Winslet; la coronación de Penelope Cruz a mejor actriz; el documental britanico Man on wire con protagonista francés, etc.

La película ganadora del Oscar, Slumdog Millionaire, es una prueba de que ni Hollywood ni este film están tan abiertos como parecen. Las apariencias engañan. Bernades lo expone de la siguiente manera.

"Porque dónde está lo malo de que –inaugurando tal vez la era Obama en su versión cinematográfica– Hollywood se abra al mundo y no le pida a nadie visa de entrada. Que, al contrario de lo que sucede hasta ahora en las hipervigiladas aduanas de su país, no sólo no se cachee a los migrantes de piel oscura, sino que encima –ejemplo de desprejuicio racial, de integración internacional, de antidiscriminación militante– se los premie, aplauda y vive, como acaba de suceder con varios miembros del equipo creativo de Slumdog Millionaire. No es tan sencillo, hay una trampita: para poder gozar de todos esos beneficios es necesario someterse primero a uno de tres tratamientos posibles. El primero es dar lástima, dándole de comer al monstruo de la corrección política y el samaritanismo imperial. El segundo, actuar de extranjero, reforzando, si es posible hasta la caricatura, los rasgos estereotípicos del folklore nacional. El tercero es el contrario del segundo: se trata de lo que podría denominarse “cipayismo estético”, consistente en borrar toda marca identitaria y mimetizarse con el modelo hegemónico. Que es, por supuesto, el impuesto por Hollywood.
Pero, claro, no hay nada más redituable que ponerse los tres disfraces a la vez. Así lo demuestran Ciudad de Dios (cuádruple nominada en 2004) y, ahora, la triunfal Slumdog Millionaire. Ambas ejercen sin asco la pornografía de la miseria (opción 1) y refuerzan todos los clichés habidos y por haber sobre sus respectivas culturas (opción 2), adoptando las fórmulas propias del cine dominante, tanto en términos dramáticos como narrativos y visuales (opción 3). Con lo cual la aparente apertura se revela como rostro amable de la hegemonía imperial. O académica, si es que lo otro suena demasiado setentista."

La ceremonia no estuvo tan mal como años anteriores. Aunque voy aclarar algo importante: empecé a ver la transmisión desde el momento en que se dieron los primeros premios técnicos. O sea, luego de que Penélope Cruz haya ganado en su rubro. Las tres horas y media que duró el espectáculo (parece que nunca van a poder acortar la duración) fueron un vehículo para que Slumdog Millionaire se quedase con la mayoría de los premios. Estaba con mi hermana viendo como el film de Boyle ganaba todo lo que estuviese a su paso (la premiación al montaje fue algo vergonzoso) y debatía adentro mío si valía la pena seguir viendo la premiación. Obviamente seguí ya que apostaba mis fichas para que Rourke se coronase en su rubro. Al escuchar el nombre de Sean Penn me di por vencido.

El luchador

2009-02-23T06:25:00.000-08:00

No está de más empezar esta crítica mencionando algo que escribió el periodista Luciano Monteaguado en Pagina 12 el día del estreno de El luchador, la nueva película de Darren Aronofsky. Según el crítico, este film marca la resurrección de dos personas: el protagonista (Mickey Rourke) y la de su realizador. La filmografía de Aronofsky cuenta con títulos de resultados fallidos. Su opera prima Pi le permitió rodar la mediocre para luego de varios años dirigir la horrible Requiem para un sueñoLa fuente de la vida. Ahora con El luchador, Aronofsky hace su primera película lograda de su carrera.

El film es el tragico y duro relato de Randy “The Ram” Robinson, una estrella de lucha libre que ha visto días mejores .La interesante secuencia de títulos que da a entender que el pasado de Randy estuvo lleno de gloria, pero que en la actualidad es solamente es fantasma. Una persona respetada por sus colgeas que tiene todavía algunos fieles seguidores y no mucho más. Randy solo hace lo que saber hacer. Y eso es pelear.

Aronofsky plantea la paradoja que surge en torno a la figura de Randy en el cuadrilátero y afuera de el. En uno, en el ambiente donde trabaja, Randy es invencible. Sufre todos los golpes y el siempre termina ganando. Afuera, en el mundo, el protagonista no es más que otra persona a la que la gente no le importa nada. El mismo se encarga de decir esto en una escena cercana al final del film. El trabajo del director y su protagonista logran crear un personaje de fácil acceso para el público. Ver a Randy en la cama solar, haciendo pesas, sufriendo un ataque al corazón o verlo trabajar en una fiambrería acercan más al personaje al espectador que es seducido por la personalidad arrolladora del protagonista. Rourke compone a un león herido, un antihéroe si se quiere.

Al igual que sucede en Rocky (especialmente en Rocky Balboa) el ambiente es otro ser que actúa por su cuenta. Nueva Jersey en este caso es un lugar oscuro, deprimente, en esos que raramente sale el sol. En ese lugar se instalan los personajes de El luchador. Aparte de Randy, también se hace presente Cassidy, una stripper (Marisa Tomei) que busca encontrar una solución en su vida. Capaz este personaje no esté del todo logrado. Sin embargo, El luchador no busca ser un film perfecto.

Hay un aspecto que es clave para entender el film de Aronofsky y ésta radica en que está construido usando el drama genuino que le aplica su director y su actor principal. No busca grandes efectos visuales (como lo hace Slumdog Millionaire) o golpes bajos y sentimentalismos (al igual que sucede en Benjamin Button), el film del director de Pi se alza mediante la construcción de un gran personaje que el espectador nunca abandona. Capaz es ese el principal merito de El luchador. Ser un film duro, realista, pero que con un protagonista difícil de olvidar.

Por momentos algunos pasajes de comedia hacen que el film no sea del todo denso y se concentre en el drama, pero toda la película está reinada por una atmosfera de decadencia manejada por un actor que se lo ve identificado con su personaje. Rourke realiza una actuación consagratoria (capaz la mejor de su carrera). Lo realmente paradójico es que su mejor papel proviene de un personaje que aguanta todos los golpes y derrocha sangre y sin embargo, estas marcas sirven para tapar viejas heridas del pasado del actor de Nueve semanas y media. Los ojos de Rourke son los que expresan el dolor a lo largo del film. Es difícil no emocionarse cuando Randy le dice a su hija que es un hombre solitario y merece estarlo. La interpretación de Rourke, que va desde el gesto mínimo hasta la explosión de su personaje (la escena en la fiambrería es clave), es lo mejor que tiene el film para ofrecer.

Esto no significa que el film de Aronofsky no sea bueno. Todo lo contrario. Es un trabajo consagratorio para el director de Requiem para un sueño. Pero la actuación de Rourke hace que por momentos los ojos del público se concentren en el protagonista, dejando de lado a la película en sí. Que tiene fallas. Se excede por algunos minutos y algunas cosas caen en la obviedad (como el final). Pero, repito, El luchador no es un film que busque ser perfecto. Está alejado de los cánones del cine hollywoodense. Hay planos secuencia extensos y muchos momentos en el que solo Rourke, con su mirada, lo dicen todo.

El luchador es la clásica historia del regreso. Del personaje, del actor, del director. Todos son parte de un proyecto nostálgico que recuerda los buenos momentos pero que siempre miran adelante. Más allá de las mierdas que ofrezca la vida, Randy va a seguir luchando adentro y afuera del cuadrilátero. Claro está que la vida es mucho más dolorosa.

EL LUCHADOR (Estados Unidos, Francia, 2008)
Dirección: Darren Aronofsky.
Interpretes: Mickey Rourke, Marisa Tomei, Evan Rachel Wood, Mark Margolis, Todd Barry.
Guión: Robert D. Siegel.
Producción: Darren Aronofsky y Scott Franklin.
Fotografía: Maryse Alberti.
Montaje: Andrew Weisblum.
Música: Clint Mansell.
Calificación: 8

Slumdog Millionaire

2009-02-16T05:07:00.000-08:00

Aquí está, finalmente se estrena Slumdog millionaire. Que si es buena o mala, si describe la pobreza dignamente o con hipocresía… tanto se ha hablado sobre esta película que la expectativa es enorme. Y más suponiendo que se quedará con los premios principales en los Oscar de estos años (los más devaluados de los últimos años) a menos que la mediocridad de El curioso caso de Benjamin Button le robe la estatuilla en el último tramo. Sin embargo todo indica que no sucederá eso. “The feel good film of the decade” se puede leer en varias críticas sobre Slumdog… ¿Qué sea una película (falsamente) optimista la convierte en una buena película? ¿Es realmente el film del año? Muchas preguntas, demasiadas, surgen a la hora de analizar el film de Boyle.

Pero vayamos analizando de a poco. La historia comienza en Mumbai con Jamal Malik siendo torturado por la cruel policía hindú al ser sospechado de hacer trampa en el popular programa de televisión ¿Quién quiere ser millonario? Picana eléctrica de por medio para hacerlo más dramático. Sin embargo, el policía deja de torturarlo y decide colocar el video del programa para preguntarle a Jamal como hizo para contestar tantas preguntas y estar a una sola de ganar el premio mayor. Boyle comienza a establecer un flashback que vincula cada pregunta con una experiencia en particular a lo largo de la vida de Jamal. Boyle abarca todos los tiempos: la niñez, la adolescencia, y el presente de Jamal por medio de su modus operandi que va a ser exprimido a lo largo de la película.

Hay una historia de amor, claro. Entre Jamal y una joven que conoce desde que son niños. Sucede que un buen día, una pandilla racista ataca el lugar donde vivían Jamal con su hermano y su madre, matando a esta. Desamparados, ambos hermanos y la niña (quien perdió a sus seres queridos también), son presas de un explotador que utiliza a los niños para pedir limosnas. Para conseguir más dinero, los hace ciegos con una cuchara. Una vez que los destinos de la niña Latika (quien terminará siendo la esclava sexual de un gangster) y Jamal se unan luego de separarse, la idea de participar en el show de televisión se convierte en el vehiculo para que ella interprete su amor. Lástima que la relación entre los dos personajes sea absolutamente nula.

El principal problema de Boyle es que ni él ni el guionista Simon Beaufoy son capaces de darse cuenta de que la cantidad de golpes bajos y situaciones degradantes funcionan como un boomerang ya que el hecho de contar una historia y crítica el modo de vida en la India les pega de vuelta haciendo al film un compendio de degradaciones humanas y miserabilísimo. Lo peor de Slumdog millionaire es mostrarnos imágenes terribles de la India pero sin hacer nada al respecto. Desde un cine o un living, alguien ve esta película y dice “es maravillosa, un canto a la vida”. Salen del cine, van a comer afuera pensando que su happy ending los tranquilizará a la noche. Y lo más probable sea así. Ya que Slumdog millionaire es un film tranquilizador, mediocre al fin y al cabo. Que apunta con el dedo lo que está mal y no hace nada al respecto.

No hay fabula ni Dickens en esto. El universo de Dickens no funcionaba de esta manera. Boyle exprime cada sufrimiento al máximo para arrancar lágrimas (al igual que Fincher en Benjamin Button). La carencia de sutilezas afecta al desarrollo del film ya que pasada una hora es difícil seguir el curso de la historia. No por desinterés, sino porque el producto se vuelve previsible y obvio a medida que avanza. Capaz ese es el peor error de Slumdog millionaire, creerse una propuesta original porque está hecha en la India y tiene una historia más o menos atrapante. Pero no es nada más que todo lo que mencioné anteriormente.

Si quieren ver una buena película en los cines vayan a ver Marley y yo o Las horas del verano. Dos exponentes de un cine inteligente donde los pequeños detalles hacen a la película. Donde un plano contiene un significado enorme. En Slumdog millionaire la pobreza es retratada de la manera más cruel posible. Boyle no sabe (o no quiere saber) que cualquier tema puede ser retratado con sutileza, tan fuerte y duro sea. Una escena es clave para entender esto: el joven Jamal se arroja al excremento para conocer a su estrella favorita. Más claro imposible, la gente pobre de la India tiene que pasar por cualquier sufrimiento para tener algo de felicidad. No es que sea desagradable la escena porque hay un chico cubierto de mierda. Es desagradable lo que piensa el film sobre la pobreza en esos países. El poco conocimiento de la pobreza desde adentro, la filosofía, el modo de vida.

Como siempre, y si estamos de paseo por India, visitemos el Taj Mahal. Gracias al director de fotografía (quien hace un buen trabajo, capaz lo mejor de la película) esta escena no es del toda bochornosa. El tipico manual para turistas se hace presente en los varios minutos que dura la escena en donde el protagonista y su hermano se encargan de robar dólares americanos (que servirán para que Jamal responda una pregunta en el programa de televisión, claro). Tampoco ayuda el montaje acelerado de Boyle, ni algunos recursos que parecen ser dignos de un videoclip de MTV que en muchos casos provocan una risa involuntaria.

La experiencia cinematográfica del año no es Slumdog millionaire. Tampoco es la película del año. Es un film mediocre, hipócrita, bienpensante, tranquilizador y puedo seguir con una infinita lista de defectos que tiene este inusual e inepto film que, como van las cosas, se va a quedar con el mayor premio del cine y además mucha gente se rinde a sus pies. Yo todavía no lo entiendo.

SLUMDOG MILLIONAIRE (Estados Unidos, Gran Bretaña, 2008)
Dirección: Danny Boyle.
Interpretes: Dev Patel, Anil Kapoor, Freida Pinto, Azharuddin Mohammed Ismail, Ayush Mahesh Khedekar, Saurabh Shukla, Irrfan Khan.
Guión: Simon Beaufoy basado en la novela de Vikas Swarup.
Producción: Christian Colson.
Fotografía: Anthony Dod Mantle.
Montaje: Chris Dickens.
Música: A. R. Rahman.
Calificación: 2

¡Sí, señor!

2009-02-12T14:11:00.001-08:00

A Jim Carrey nunca hay que darlo por vencido. También sucede, en menor medida, con Adam Sandler, el otro genio de la comedia americana. Carrel, Ferrell, y quien sea, vienen detrás. Los últimos proyectos del actor de Tonto y retonto venían volando bajo, aunque solamente Todopoderoso es la única película catastrófica de su filmografía en esta década. ¡Sí Señor!, dirigida por Peyton Reed (el mismo de la dignísima Abajo el amor y Viviendo con mi ex) es la historia de Carl, un hombre de unos cuarenta que durante sus últimos años rechazó todo en su vida convirtiéndose en un ser solitario y triste. Claro que él no lo sabe. Al ir a un seminario de autoayuda de un pseudo gurú (Terence Stamp) que predica la palabra “sí” a todos sus oyentes, Carl decide comenzar a decir si a todo. Aventurarse y comprender que la vida avanza y él quedó estancado por mucho tiempo.

El resto se sabe. Carrey haciendo locuras: haciendo Bungee jumping, otorgando créditos en su trabajo a cualquier persona, agarrandose a trompadas con un tipo, ayudando desamparados, teniendo relaciones con su anciana vecina, etc. Algo similar ocurría en un tramo de Todopoderoso. El personaje de Carrey obtiene los poderes de Dios y decide arreglar un poco su vida, lo que da pie a varios situaciones simpáticas más que graciosas y no mucho más que eso. La falla principal es esa película era que el guión era tan limitado, previsible y excesivamente obvio que la moralina se veía venir hasta incluso antes de empezar a ver el film. En ¡Sí, señor! el guión es limitado, previsible y obvio, pero la mayor virtud de este film (y que el director Peyton Reed entiende) es la desaforada actuación de Carrey, que por momentos hace que nos olvidemos los errores del material para entretenernos a base de las cosas que bien sabe hacer.

Si el espectador se dirige a ver este film con la intención de pasar un buen rato, no va a salir defraudado. La película se mantiene aún en sus perores momentos a base de pequeños y nobles chistes logrando un espectáculo muy digno. Sin embargo, si los retractores de estos films con moral y lección de vida incluida se lo toman muy en serio, la van a pasar mal en todo momento: la primera hora esperando que llegue el inevitable momento aleccionador, y una vez comenzado hasta que finalice la película.

De todas maneras ¡Sí, señor! no comete los mismos errores que Todopoderoso o Click (otra película horrible). El film se Reed no es tan torpe como los dos casos anteriores. Los personajes secundarios (donde brillan Zooey Deschanel y un inglés loco llamado Ryhs Darby) no son meros decorados en la historia, las situaciones de comedia son más logradas y hasta la moraleja final no es tan densa como se podía esperar. Y Jim Carrey. El genio de Jim Carrey, quien puede hacerse cargo el solo si es necesario de una película como ¡Sí, señor!, aún con sus fallas y todo lo mencionado.

No voy a decir “Dígale sí a ¡Sí señor!” ni nada de eso. Es una película que va a gustar a muchas personas y otras se van a quedar afuera. Yo estoy en el medio. Hasta hay algunas que van a tomar la moraleja usada en el film y van a ponerla en práctica. Y no está nada mal. Si una película llega a hacerte cuestionar la existencia de una persona para reemplazarla por una filosofía diferente, el resultado es muy satisfactorio.

¡SÍ, SEÑOR! (Estados Unidos, 2008)
Dirección: Peyton Reed.
Interpretes: Jim Carrey, Zooey Deschanel, Rhys Darby, Bradley Cooper, John Michael Higgins, Terence Stamp.
Guión: Nicholas Stoller, Jarrad Paul y Andrew Mogel.
Producción: David Heyman y Richard D. Zanuck.
Fotografía: Robert D. Yeoman.
Montaje: Craig Alpert.
Música: Mark Everett y Lyle Workman.
Calificación: 6

Marley y yo

2009-02-10T08:57:00.000-08:00

En épocas de películas con discursos solemnes, dramas con innumerables golpes bajos y poca imaginación a la hora de establecer un buen relato, Marley y yo cambia todas las fichas de lugar. Es la primera gran sorpresa del año y la mejor película estrenada hasta el día de la fecha. Si, la del perro con Owen Wilson y Jennifer Aniston. Lo mejor que tiene para ofrecernos este film de David Frankel es que justamente no se trata solo de un perro. Pero vayamos por partes.

La historia comienza con John y Jennifer (los geniales Wilson y Aniston) una pareja recién casada. De la fría Michigan se mudan a Florida donde ambos trabajan en el ambiente periodístico. Cuando Jennifer desliza la idea de tener un hijo, John duda. Un amigo le aconseja comprar un perro para ir adaptándose de a poco a las obligaciones de tener alguien a cuidado suyo. Marley, un labrador que pronto irá creciendo cada vez más, es simplemente un problema. Destructor, inquieto, pero al final de cuentas encantador.

El perro acompañará a la pareja en todo momento. Felices y tristes, como todo buen animal. Estará cuando paseen por la playa y también cuando ambos pierdan la posibilidad de tener un hijo. “A un perro no le importa si sos rico o pobre, listo o torpe, inteligente o tonto, dale su corazón y él te dará el suyo” se escucha decir a Owen Wilson en un momento clave del film. Sin embargo, más allá de que la película esté enfocada en la relación entre un hombre y su perro, la película se aleja de la simple comedia a base del humor slapstick. A medida que el relato avanza, el drama se hace presente. Pero como en todo buen exponente del género, este se suministra de manera sutil, sin golpes bajos, logrando una imitación de la vida.

Una de las grandes escenas del film (que son muchas) es un compendio de escenas barajadas rápidamente que muestra la vida cotidiana de la pareja y su relación con el perro. Lo que hace a la escena interesante es que el director se inclina por exhibir la vida tal cual es: un puñado de recuerdos buenos y malos, anécdotas graciosas y otras no tanto y en el medio tres seres amándose. La película adquiere un tono de comedia para, precisamente, engañar al espectador (de una manera noble) concibiendo la idea de un film que no está hecho para describir las aventuras de un perro travieso y juguetón (como sucedía en la saga del ya lejano Beethoven).

Si el merito de la capacidad dramática del film está compartido entre el director y los guionistas Scott Frank y Don Roos (quienes adaptan la historia del real John Grogan), una de las mayores virtudes de Marley y yo radica en el desfile de personaje. Que no son muchos. Empezando por la pareja principal hasta los mejores secundarios que se podrían haber creado (el amigo de John y el jefe de este, son absolutas revelaciones en sus papeles) demuestran que Hollywood algunas veces puede albergar estas películas. Que son pequeñas, con mucho corazón, que no luchan por los premios de la Academia. Simplemente cuentan una historia con las mejores armas del genero.

Hace un año se estrenaba en Argentina el film El mágico mundo de Terabithia que resultó para los críticos una de las grandes sorpresas del 2008. La película de Gabor Csupo, relataba un cuento fantástico pero en vez del virtuosismo de los grandes efectos que abundan en otros productos infantiles, El mágico mundo… eludía esos excesos para concentrarse en su historia. El resultado es simplemente excelente. En Marley y yo, el director David Frankel le da un giro a los personajes y las situaciones. Utiliza los clichés y lugares comunes y les da un sentido dramático que en otras manos serían traducidos como golpes bajos y demagógicos.

Es eso lo que hace a Marley y yo ser una sorpresa en esta época. Un film inteligente, hecho con amor, sobre una pareja y un perro que los acompaña. Una película sobre la vida misma en la que hay esperanzas y decepciones, momentos buenos y malos, aciertos y desaciertos. En una de las últimas escenas la mano de Owen Wilson, algo avejentado, acaricia a su perro. El plano de la mano sobre la piel del animal muestra mucho más de lo que parece. Hay una Historia, hay un pasado, presente y futuro encerrado en ese plano. Y como dice el crítico Marcos Vieytes: “es el retrato sobre una relación tan habitual como única, tan destinada al olvido como inolvidable". Los temas similares ocurren en la reciente Las horas del verano de Olivier Assayas. No por nada son las dos mejores películas que se estrenaron hasta el día de la fecha. Vayan a ver Marley y yo. Se la banca más que cualquier otro film con múltiples nominaciones al Oscar. Ya saben a cuales me refiero.

MARLEY Y YO (Estados Unidos, 2008)
Dirección: David Frankel.
Interpretes: Owen Wilson, Jennifer Aniston, Eric Dane, Alan Arkin, Kathleen Turner, Nathan Gamble, Haley Bennett.
Guión: Scott Frank y Don Roos.
Producción: Gil Netter, Karen Rosenfelt.
Fotografía: Florian Ballhaus.
Montaje: Mark Livolsi.
Música: Theodore Shapiro.
Calificación: 8

El curioso caso de Benjamin Button

2009-02-08T18:26:00.000-08:00

Una de las películas nominadas en los próximos premios Oscar a llevarse el galardón de Mejor película del año es El curioso caso de Benjamin Button. No la tendrá fácil ya que Slumdog Millionaire del inglés Danny Boyle, según los especialistas, es la gran candidata a llevarse el prestigioso premio. Pero eso es otra historia. Benjamin Button, séptimo largometraje de David Fincher, es la historia de un hombre que nace viejo y a lo largo de los años va rejuveneciéndose. Al poseer un reloj biológico distinto a los demás, el protagonista va decreciendo físicamente pero aumentando en otras condiciones, como las actitudes clásicas de un niño como los caprichos, el hecho de ser curioso o el momento en que se enamora de una joven.

Benjamin Button es un cuento de F. Scott Fitzgerald. Eric Roth, conocido por su guión de Forest Gump, es el encargado de traspasar el mencionado cuento a la pantalla grande. Sin embargo, Roth tiene en su haber interesantes trabajos como El informante, Alí y Munich (las primeras de Michael Mann, la segunda de Steven Spielberg). En El curioso caso… Roth comete los mismos excesos que tenía la Forest Gump. A pesar de contar con una historia más rica en temáticas (el destino, la vida y la muerte, el amor) sucede que el film de Fincher parece ser un calco, por momentos, de la película de Robert Zemeckis.

David Fincher logra crear una puesta en escena interesante y muy lograda, apoyándose en el maquillaje y la fotografía. Sin embargo, este espectáculo de grandes proporciones no logra hacer avanzar el film. La primera media hora, que está utilizada para conocer al protagonista y su increíble fenómeno, está contada con fluidez por parte de Fincher ya que se apoya en la ligereza y por muchos momentos la comedia logrando que el espectador se sienta parte de la historia. El problema comienza cuando el film despega por completo. Button empieza a conocer gente (parte fundamental de la adolescencia) y se embarca en distintas aventuras que lo llevan a trabajar en un barco carguero, estar en la guerra, conocer al amor, etc. Al ser un film de una duración muy excesiva, varios pasajes del film se sienten muy densos, hasta artificiales. Es decir, parecería que el guión no avanza por completo, sino que se detiene en aspectos innecesarios, como las largas secuencias entre Button y el personaje de Tilda Swinton (demostrando una vez más que es una gran actriz). Luego, Benjamin va a la guerra (si, como Gump), ve morir a conocidos (si, también como en Gump) y encuentra al amor de su vida a la que perderá nuevamente (estamos pensando en lo mismo).

A medida que el film transcurre, la historia se siente densa y repetitiva. En especial cuando Button ve que va quedándose solo en el mundo. Justamente, esta actitud pasiva es constante en el protagonista. Nunca se hace mención al curioso caso del personaje. Hay frases hechas sobre la vida y “el aprovechar el momento” pero nunca hechos que demuestren en poder que ejerce esta manifestación sobre la actitud de Button.

El director de Pecados capitales y La habitación del pánico no encuentra la manera de hacer que cada escena no se sienta similar a la anterior. A pesar de contar con varios atractivos (la belleza de Pitt y Blanchett, la puesta en escena correspondiente a cada época, etc.) el film avanza cada vez con menos fuerza. Tampoco ayuda la pomposa voz en off del personaje de Pitt remarcando hechos que ya son bien notorios. Sin lugar a dudas uno de los grandes problemas del cine americano actual es la carencia del “tacto”, de la sobrexplicación, de las historias demagógicas, entre otras fallas. Benjamin Button es un ejemplo claro de esta tendencia americana, como lo es la impresentable El sustituto o la más aún desagradable Slumdog Millionaire. Es más, cuando el film se hace más solemne, más frío es.

El curioso caso… comete capaz el peor pecado de un film: es fría, calculadora, carente de elementos genuinos dramáticos. Es un merito que Fincher cierre la película sin caer en los golpes bajos ni en los excesos. Las últimas escenas están realizadas desde una cierta distancia, indudablemente algo que no tuvo en cuenta Eastwood o Boyle en sus películas. A pesar de esto, El curioso caso… no logra transmitir emoción ni siquiera en la finalización de la historia.

Mucho se ha hablado de la actuación de Brad Pitt. Personalmente le tengo mucho afecto al actor de La gran estafa. A pesar de tener en su filmografías títulos lamentables (Babel, ese bodrio llamado La mexicana, etc.), considero que es un actor interesante que más allá de lo mediático de su persona. Sin embargo, su Benjamin Button es una de sus peores actuaciones. Por momentos llega a un grado tal de inexpresividad que parece un chiste el hecho de que se encuentre nominado al Oscar por su interpretación.

En definitiva, Fincher logra su peor trabajo hasta la fecha. Es una obra impersonal, con un exceso monumental de clichés, situaciones ya vistas, y los peores vicios del cine hollywoodense. Indudablemente una de las grandes decepciones, si tenemos en cuenta que un gran director, un interesante guionista y un actor de la talla de Brad Pitt se encuentran ligados a este proyecto. El curioso caso de Benjamin Button es una oportunidad perdida de hacer una gran película, vapuleada por su duración y su dosis de terrorífica solemnidad.

EL CURIOSO CASO DE BENJAMIN BUTTON (Estados Unidos, 2008)
Dirección: David Fincher.
Interpretes: Brad Pitt, Cate Blanchett, Tilda Swinton, Julia Ormond, Tajari P. Henson, Jason Fleming, Elias Koteas.
Guión: Eric Roth.
Producción: Frank Marshall y Katheleen Kennedy.
Fotografía: Claudio Miranda.
Montaje: Kirk Baxter y Angus Wall.
Música: Alexandre Desplat.
Calificación: 3

Vicky Cristina Barcelona

2009-02-03T12:10:00.000-08:00

Luego de filmar durante casi toda su vida en Nueva York, Woody Allen de mudó a Londres. Llegó Match point y obtuvo el éxito de critica y publico que había perdido luego de algunos proyectos poco interesantes (la más rescatable, Ladrones de medio pelo). Más tarde, decepcionó con Scoop y El sueño de Cassandra. Ahora, el último lugar de residencia del director de Annie Hall es Barcelona.

Vicky Cristina Barcelona, justamente, transcurre en tierras españolas. Dos amigas, Vicky y Cristina, visitan Barcelona con distintos motivos: la primera (Rebecca Hall) desea investigar la cultura catalana para confeccionar una tesis, mientras que la segunda (Scarlett Johansson) acompaña a su amiga sin mayores pretensiones que divertirse en las tierras extranjeras. El carácter de ambas son bien diferentes y más aún en lo que amor respecta. Una vez instaladas allí, conocerán a un apuesto caballero de nombre Juan Antonio (Javier Bardem). Tarde o temprano, ambas establecerán una conexión con el aunque de maneras diferentes, acorde a la manera de ser de cada una.

El último film del director de Manhattan se puede dividir en dos notorios segmentos. El primero desde el comienzo de la historia hasta la llegada de la ex esposa de Juan Antonio (Penelope Cruz), y el segundo desde esa aparición hasta el final de la película. Ciertamente este personaje cambia todas las fichas de lugar pero el resultado no resulta tan satisfactorio.

La primera mitad del film tiene como protagonistas a los personajes de Hall, Johansson y Bardem. La trama avanza segura cuando exhibe las distintas actitudes de las dos mujeres y el papel del hombre en el medio de ellas. Allen se toma el trabajo se crear un Juego de diferencias entre diferentes aspectos de los protagonistas. Diferencias entre las dos amigas, entre Juan Antonio y el novio de Vicky, entre la relación del personaje de Bardem con cada una de las mujeres, etc. Apoyado por una inusual voz en off que relata todo lo que ocurre y lo que piensan los personajes, la historia se mantiene segura (sin ser una genialidad) hasta los primeros 45 minutos con la mencionada llegada del personaje de Cruz.

Si bien es un personaje que le dota cierta gracia a una historia que no tiene grandes dosis de comedia, María Elena produce un quiebre en la historia que se concentra por momentos en Vicky y otras veces en Cristina. Esto produce que la historia de ambas, por separado, no tenga un peso por si mismo. Menos aún cuando el relato se vuelve más convencional y más previsible en especial alrededor de Cristina, Juan Antonio y María Elena. Por si fuese poco, a esto se le suma otro personaje poco convincente interpretado por la siempre eficaz Patricia Clarkson, quien pretende cambiar la vida de Vicky. Y a esta altura, la película ya no es la misma que lo era al comienzo.

La poca interesante segunda mitad hace que Vicky Cristina Barcelona sea otro pequeño fracaso en la carrera de Allen. Los devotos del director de Manhattan van a celebrar esta película pero el resultado final no es satisfactorio. Y esto es porque Woody no sabe que hacer con su propio material, exprime sus personajes tornándolos comunes y hasta insípidos. ¿Y qué pasa con la Johansson? Sabemos que su belleza es descomunal pero desde hace varios films (desde Match point para ser más exactos) viene repitiendo su papel de “mujer fatal” y sus actuaciones son meramente correctas.

En resumen, Vicky Cristina Barcelona es una chance desperdiciada de nuevo por Woody, que como de costumbre, tiene una película ya completa para presentar en este mismo año. La novedad es que el realizador vuelve a su Nueva York natal luego de sus vacaciones por Europa. Esperemos que el retorno traiga buenas películas como las que sabía dirigir.

VICKY CRISTINA BARCELONA (Estados Unidos, España, 2008)
Dirección: Woody Allen.
Interpretes: Rebecca Hall, Scarlett Johansson, Javier Bardem, Penelope Cruz, Patricia Clarkson, Chris Messina, Kevin Dunn.
Guión: Woody Allen.
Producción: Letty Aronson, Stephen Tenenbaum, Gareth Wiley.
Fotografía: Javier Aguirresarobe.
Montaje: Alisa Lepselter.
Calificación: 5

El sustituto

2009-01-28T05:41:00.000-08:00

En vísperas de los Oscar llegan a la Argentina, como es costumbre, los films que formarán parte de las nominaciones en la próxima entrega de los premios más prestigiosos del cine (lo que no es siempre sinónimo de calidad, en lo que películas respecta). Desde hace un tiempo, los votantes de la Academia se inclinan por elegir proyectos más cercanos a los dramas históricos, grandilocuentes, pretenciosos dejando de lado a esos films hechos con corazón y amor al cine mismo. Desde hace un tiempo vengo sermoneando sobre el cine actual y lo que me parecen las películas nominadas al Oscar (que en mi puntaje no bajan del 4) como por ejemplo: Babel, Crash, Una mente brillante, entre otras. Esta tendencia del cine de la actualidad está relacionada con El sustituto de Clint Eastwood que reúne los peores vicios del estilo hollywoodense a la hora de crear películas.

El sustituto es uno de los dos trabajos que Clint Eastwood realizó en 2008. Gran Torino se estrena en Argentina a principios de marzo. Changeling es una historia real que transcurre en Los Angeles a finales de la década del 20. Christine Collins (Angelina Jolie) es una madre soltera con un hijo. Un día, este desaparece. Luego de varios días, la policía le informa que han recuperado al niño. Christine se da cuenta de que el joven recuperado no es su hijo. A partir de ese momento, la madre empieza una lucha contra la policía corrupta de Los Angeles para encontrar la verdad en el misterio de la desaparición del niño.

El hecho de que El sustituto sea una historia real hace pensar que se puede hacer un buen film ya que tiene los electos dramáticos necesarios para conmover al publico y a los votantes de los premios Oscar. El gran problema de la película de Eastwood es que su guión no funciona desde el comienzo. Cada paso que da es en falso. La historia no cuenta con elementos originales como para que sea interesante y a medida que el relato avanza, la película va acumulando estereotipos y clichés dignos de las mini series del canal Hallmark.

Para el guionista J. Michael Straczynski (escritor de series como Babylon 5) estos lugares comunes parecen no tener límite. Muchas desapariciones, asesinatos, un neuropsiquiátrico, varios policías corruptos, juicios… y sigue así. Eastwood tampoco sabe como manejar la película. A pesar de ser un gran narrador, el realizador de Los imperdonables se pierde en la historia como si no supiese que hacer con su material. En realidad, Eastwood no está presente en El sustituto. Es decir, no se siente como una película hecha por el. Se aproxima más, como se dice últimamente, a una película por encargo que a un proyecto propio (como supongo que será Gran Torino). El único tema que está relacionado con el resto de su filmografía es la conexión que siempre existe entre Eastwood y el pasado.

Eastwood no dirige bien. En El sustituto, decide llevarse por el exceso de golpes bajos, escenas efectistas (como la vergonzosa escena del electroshock) y momentos edulcorados (la relación de Collins con una prostituta). En definitiva, el film no es sutil y tampoco tiene un objetivo claro. La denuncia a la policía corrupta funciona de a ratos, ya que el trazo grueso se presenta en la mayor parte de la historia.

Si la película funciona es gracias a dos aspectos. Primero Angelina Jolie y segundo, la puesta en escena. La actriz cumple con su mejor actuación (a pesar de ya haber ganado un Oscar) y carga con la densidad de la película. El merito de Eastwood es aprovechar la belleza de la Jolie para que ilumine cada escena con sus atributos físicos.

Sin embargo, esto no alcanza. El sustituto está plagada de errores básicos en su guión y dirección. Los golpes bajos y efectismos son innumerables y las temáticas a analizar se mezclan creando una película amorfa, mal hecha, con el objetivo de hacer emocionar de la peor manera posible. El morbo a la orden del día. El peor Eastwood. El que disfruta apuntar con el dedo lo que está bien y mal, el que disfruta que el espectador sufra en las innecesarias vueltas de tuercas, el que muestra un ahorcamiento sin sutilezas. El que se vendió al peor cine hollywoodense.

EL SUSTITUTO (Estados Unidos, 2008)
Dirección: Clint Eastwood.
Interpretes: Angelina Jolie, John Malkovich, Jeffrey Donovan, Jason Butler Harner, Colm Feore y Amy Ryan.
Guión: J. Michael Straczynski.
Producción: Clint Eastwood, Brian Grazer, Ron Howard.
Fotografía: Tom Stern.
Montaje: Joel Cox y Gary D. Roach.
Música: Clint Eastwood.
Calificación: 4

Las horas del verano

2009-01-24T15:11:00.000-08:00

Todo comenzó cuando el Museo de Orsay encargo a varios directores (Olivier Assayas, Hou Hsiao-hsien, Jim Jarmush) que realicen cortometrajes para celebrar los veinte años de la institución. Por diferentes motivos este proyecto no prosperó. Lo que si tuvo resultado fueron los largometrajes Le voyage du ballon rouge de Hou Hsiao-Hsien y Las horas del verano del francés Olivier Assayas, ambos financiados por el museo.

Las horas del verano comienza con una celebración en una casona en las afueras de París. La madre de tres hijos (dos hombres y una mujer – interpretados por Charles Berling, Jérémie Renier y Juliette Binoche) festeja su cumpleaños número 75 en medio de una alegría un tanto falsa. La anciana, deprimida, sabe que sus días están contados y solo piensa en la organización y destino de su casa y valiosos objetos una vez que ya no esté en este mundo.

El director Olivier Assayas divide el film en tres grandes segmentos: la mencionada reunión donde se establecen los personajes (la madre, su sirvienta, los hijos con sus parejas, nietos, etc.) de manera excepcional. Con pocos trazos, Assayas logra que el espectador comprenda como es realmente cada uno de los integrantes de la familia. La segunda parte del film se centra en la muerte de la madre y el destino de su propiedad y los objetos que ocupan lugar en la casa. Sin embargo, en este punto, el realizador de Clean va más allá que el clásico drama familiar para presentar su opinión al respecto de que sucede con el pasado y como el presente devora los recuerdos de una familia. Algo similar ocurre en la excelente Reyes y reina de Arnaud Desplechin, quien exhibe una gran historia de errores cometidos en el pasado y la culpa que aún flota en el presente. La tercera parte del film es la proyección de estos acontecimientos en las nuevas generaciones.

Las horas del verano no solo es una película sobre la familia. Uno de los temas principales del film está relacionado con el arte. Los elementos que se encuentran alojados en la casa contienen un gran valor que pueden ser vendidos a un alto precio en los museos de París o Nueva York. La tercera parte de la historia, la proyección generacional, está más relacionada con esta temática. Assayas demuestra como el pasado se vende al presente dejando solamente un futuro vacío para las otras generaciones. Sin embargo, el director no apunta con el dedo a los jóvenes de hoy, sino que sutilmente presenta sus problemas como consecuencia de los hechos cometidos por los adultos.

Assayas aprovecha cada una de sus escenas para armar el conflicto en cada una de sus partes. Desde la primera reunión, donde el regalo de un teléfono de ultima generación desconcierta a la madre de la familia, descubriendo el alejamiento de este personaje sobre el presente hasta la última gran escena, que tiene lugar en la misma casona pero con otras personas en ella, el director deja entrever los conflictos que hacen a la historia.

El ultimo film del director de Irma Vep es una historia acerca de la familia, la Historia, el pasado y el presente, el futuro inmediato, las generaciones, las obras de arte, los contrastes entre los integrantes de la familia, el poder de la globalización en el mundo, etc. Hay muchos elementos más que pueden ser analizados por separado luego de ver una película como esta. Assayas se encarga de no maximizar cada uno de estas temas dotándolos de la sutileza que se merece. El ultimo plano del film, bellamente fotografiado (obra del gran Eric Gautier), es una de las claves que proporciona el realizador para entender por completo el significado de la película.

En definitiva, estamos ante un hermoso film, estéticamente bello, con múltiples e interesantes temas para analizar y que cada persona lo hará a su manera, marcando el contraste como lo hacen los tres hijos. A Assayas no le interesan las vueltas de tuerca ni los grandes secretos, solamente se encarga de contar una historia sobre el pasado, presente y futuro de una familia y que cada uno saque sus propias conclusiones.

LAS HORAS DEL VERANO (Francia, 2008)
Dirección: Olivier Assayas.
Interpretes: Charles Berling, Jérémie Renier, Juliette Binoche, Edith Scob, Dominique Reymond, Valérie Bonneton.
Guión: Olivier Assayas.
Producción: Charles Gillibert, Marin Karmitz, Nathanael Karmitz.
Fotografía: Eric Gautier.
Montaje: Luc Barnier.
Música: Armand Amar.
Calificación: 8

Peligro en la intimidad

2009-01-12T18:11:00.000-08:00

El director americano William Friedkin es capaz uno de esos casos raros que están ocultos en la historia del cine. Capaz uno de los realizadores más importantes de la primera etapa de la década del 70, el director proveniente de Chicago se encargó de estar detrás de las cámaras de dos films tan importantes como lo son Contacto en Francia y El exorcista (en los años 1970 y 1972, respectivamente). Dos películas que, sin lugar a dudas, abrieron un nuevo camino en el genero de la acción y el terror. Contacto en Francia, capaz uno de los mejores policiales de la historia, le permitió al señor Friedkin alzarse con un premio Oscar como Mejor Director ganándoles en el rubro a dos pesos pesados de ese año, quienes eran ni más ni menos Stanley Kubrick y el joven Peter Bogdanovich (por sus trabajos en La naranja mecánica y La última película respectivamente). Dos años más tarde, Friedkin se encargaría de trasladar a la pantalla grande El exorcista, la exitosa novela de William Peter Blatty. El resultado fue una absoluta obra maestra que quedó en la historia por sus impactantes escenas y su interesante opinión sobre la lucha del bien y del mal. Luego de estas dos gemas del cine, la carrera de William Friedkin cayó notablemente. De vez en cuando alguna película sobresalía pero nunca pudo recuperar la tan rica carrera que se avecinaba luego del estreno de El exorcista. Luego de dirigir algunos títulos mediocres (y otros interesantes como Vivir y morir en Los Angeles o la versión de El salario del miedo) Friedkin rodó en el 2006 uno de sus títulos más interesantes de su filmografía. Presentada en el Festival de Cannes en ese mismo año, Bug, su ultimo proyecto hasta la fecha su alzó con el premio FIPRESCI (premio de la critica) en la Quincena de los realizadores del tan importante festival.

Bug relata la historia de Agnes (la mejor actuación de Ashley Judd en su carerra), una madre desvastada por la desaparición de su hijo. Agnes vive en un motel en medio del desierto norteamericano, completamente abandonada, infeliz, solitaria. Un día, una amiga (o novia) le presenta a Peter Evans, un misterioso y tímido hombre con el cual Agnes empezará a relacionarse. Pero los problemas se presentan cuando Peter comience a demostrar una terrible obsesión por los bichos que según el están en todo el cuarto donde se aloja Agnes. El secreto de Peter (que no revelaré para no arruinarles la sorpresa) hará que Agnes en su búsqueda de salir de sus propios problemas, se integre en la obsesión de su nueva relación.

No solo se trata de bichos, Bug es un complejo estudio sobre el ser humano, sus miedos, obsesiones, y la necesidad del amor entre las personas. Agnes buscará en Peter sus días felices que fueron extirpados luego de la desaparición de su hijo y Peter encontrará en ella el refugio perfecto para depositar su paranoia. Rodada con un presupuesto mínimo, la cámara de Friedkin no se despega casi nunca del lugar de los hechos y de sus protagonistas. Al igual que en El exorcista, el director de Contacto en Francia crea por una parte una puesta en escena sencillamente aterradora que hace recordar a su obra maestra de 1972 en la forma en que es creada la atmosfera partiendo de un lugar tan minúsculo como lo es el cuarto del motel en Bug o como era la habitación de Regan en la mencionada El exorcista. No exagero si digo que el talento de Friedkin sigue intacto luego de estos años. Y esto se ve en muchas de las escenas del film. El vuelo del helicóptero, la escena de la cama, la extirpación de muela de uno de los personajes, y los últimos tramos de la película son simplemente extraordinarios.
Si Bug genera el grado de credibilidad que posee, aparte de la excelente dirección de Friedkin, es por sus actuaciones. Ashley Judd, como escribí anteriormente, realiza la mejor actuación de su carrera y es acompañada con solvencia por un increíblemente aterrador Michael Shannon.

A pesar de no ser perfecta (tarda un poco en empezar con el conflicto), Bug es un interesante análisis del ser humano, el amor, la paranoia y la locura del hombre frente a sus propios miedos. Y es, finalmente, el retorno de un director que esperemos vuelva a hacer proyectos tan increíbles como en la década del 70 y porque no, como al fin y al cabo, Bug.

BUG (Estados Unidos, 2006)
Dirección: William Friedkin.
Interpretes: Ashley Judd, Michael Shannon, Lynn Collins y Harry Connick Jr.
Guión: Tracy Letts basado en su obra homónima.
Producción: Micahel Burns, Malcolm Petal y Kimberley C. Anderson.
Fotografía: Michael Grady.
Montaje: Darrin Navarro.
Música: Brian Tyler.
Calificación: 7

TOP 10 + algunas cosas más

2008-12-29T12:22:00.000-08:00

Finalmente, acá está mi balance de este 2008 que se encuentra a punto de terminar. Cinematográficamente hablando, fue un gran año. Desde grandes películas que quedaran en la historia (WALL-E o The Dark Knight) hasta gemas del cine nacional que abrirán nuevas puertas a las proximas generaciones de cineastas (Historias extraordinarias), pasando por valiosos exponentes de diversos géneros (en la comedia, Una guerra de película, y en el terror, la española REC).

Sin más preámbulos, el Top 10 del 2008:

1. WALL-E, de Andrew Stanton (Estados Unidos). Al igual que todo lo realizado por Pixar, demuestra que el limite parece no existir para los creadores de esta increíble maquina de hacer grandes películas. No exagero si digo que, en la actualidad, Pixar, es hablar de un cine en mayúsculas. Comparable con cualquier exponente de los grandes del cine mundial. A ver si los ignorantes de la Academia le dan una nominación a mejor película de una vez a un film que realmente se lo merece. Hay tantas cosas que hablar de una obra maestra como lo es la película de Andrew Stanton, que se podría hacer un post entero, mucho más extenso que la critica que publique hace unos meses.

2. Historias Extraordinarias, de Mariano Llinás (Argentina). ¿Que se puede decir de la película más importante del cine argentino en los últimos veinte años? Una invitación a algo completamente nuevo. Si uno se pone a pensar lo que es hacer una película como esta y la manera en que fue realizada, lejos de la industria, es casi imposible caer que esta película se hizo y terminó como una obra maestra del cine nacional. Historias extraordinarias es una carta de amor al cine y la literatura. La aventura atraviesa los tres relatos, lejos de la solemnidad del Nuevo Cine Argentino, durante las extensas cuatro horas que dura la película. Un film insuperable.

3. La mujer sin cabeza, de Lucrecia Martel (Argentina, España, Francia). La tercera película de Lucrecia Martel es la historia de una mujer que luego de atropellar algo en la ruta (podría ser un perro o un niño) es victima de un estado de shock permanente siendo testigo de aspectos de su vida diaria que hasta ese momento no eran registrados. Martel construye una película con una atmosfera densa vista desde los ojos de esta mujer (excelente Maria Onetto) que empieza a descubrir que la verdad no es lo que parece y que esta misma puede ser ignorada y hasta encubierta. Un film sublime en todos los sentidos.

4. Petróleo Sangriento, de Paul Thomas Anderson (Estados Unidos). Ambiciosa y fascinante. El ascenso y posterior caída de Daniel Plainview interpretado por un extraordinario Daniel Day Lewis (ganador en la última entrega de los Oscar) se puede considerar como El ciudadano del siglo XXI por los puntos de contacto que surgen entre los protagonistas de ambos films. Paul Thomas Anderson es uno de los grandes directores actuales y lo demuestra con una puesta en escena donde todos los elementos se unen de manera única. La música, a cargo del guitarrista de Radiohead, es un personaje más: sombría, original y de algún modo, también ambiciosa como el propio protagonista. En resumen, Petróleo sangriento es una obra excepcional, diferente a la mayor parte del cine americano actual.

5. Batman – El caballero de la noche, de Christopher Nolan (Estados Unidos). La ultima incursión en el mundo del hombre murciélago no solo es una gran película de superhéroes (hasta ese término le queda corto) sino un interesante estudio de los manejos de poder en diferentes esferas. Mafiosos, políticos, policías, villanos y un cuestionado protagonista son los principales personajes del film de Nolan. Tramas y subtramas de cruzan durante las dos horas y media de duración (algunas subtramas y personajes, hay que decirlo, están de más). The dark Knight se aproxima más a un film como Fuego contra fuego de Michael Mann que a una película de superheroes. Uno de los puntos más altos del film es sin dudas, Heath Ledger, quien, en su ultima película, realiza una actuación sobresaliente interpretando a un Guasón único e irremplazable.

6. Naturaleza Muerta, de Jia Zhank-ke (China, Hong King). El cine del realizador de The World está cargado de belleza en cada escena. Desde el derrumbamiento de un edificio hasta la iluminación de un puente. Jia Zhang-ke se centra en la desaparición de un pueblo para la construcción de La represa de las tres gargantas, un proyecto tan magnifico como polémico. Los habitantes del lugar debieron reubicarse en otras zonas sin posibilidad de pelear por lo que les corresponde. Otro ejemplo de la extraña política china y el amalgamiento de la sociedad a los factores de poder. Y en el medio dos historias. Ambas sobre de la búsqueda de otra persona.

7. Paranoid Park, de Gus Van Sant (Estados Unidos). Van Sant incursiona otra vez en lo que, según el director de Elephant, es la etapa más conflictiva del ser humano: la adolescencia. Todo esto visto desde los ojos de Alex, un skater que accidentalmente mata a un guardia de seguridad en el parque que le da nombre al film. Nuevamente, los temas clásicos del cine de Van Sant se hacen presente: la ausencia de padres, los conflictos románticos, la culpa, los secretos, etc. Al igual que ocurre en La mujer sin cabeza, el protagonista es impregnado de un estado de shock que le hace ver la realidad desde otra perspectiva. Los problemas con su novia, la relación con sus amigos y familia, etc. están tratados con el mayor alejamiento posible.

8. REC, de Paco Plaza y Jaume Balagueró (España). No podía faltar esta película. No solo porque es la mejor película de terror del año, sino porque es la primera que me logra asustar de verdad. Si, es efectista. Y a mucha honra. REC logra un excelente uso del fuera de campo, de un atmosfera que crece en densidad a medida que se acerca el final y de un excelente registro técnico que permite que los sustos (que no son pocos) funcionen de manera excepcional. Es obvio que la película va a ser efectista. Si está realizada con el recurso de la cámara en mano, es natural que los directores usen el fuera de campo para asustar. Efectivamente, lo hacen y logran meter mucho, mucho miedo. Los últimos diez minutos cortan el aliento. Dos meses después salió su versión americana, la cual no vi todavía.

9. La Escafandra y la Mariposa, de Julian Schnabel (Francia, Estados Unidos). Los primeros quince minutos de la última película de Schnabel son notables. Desde el punto de vista de los ojos del protagonista vemos el desconcierto de este al encontrarse (sin saber porque) en una sala de hospital, al verse paralizado y al no poder emitir palabra alguna. Una historia excelente relatada lejos del golpe bajo y las manipulaciones, como hacía Alejandro Amenabar en Mar adentro, con grandes actuaciones y una sorprendente fotografía de Janusz Kaminski.

10. Una guerra de película, de Ben Stiller (Estados Unidos). Cierro en el Top 10 con una comedia magnifica. Ben Stiller logra hacer una película muy graciosa y muy inteligente. Un film políticamente incorrecto que reparte palos para todos los encargados del Hollywood actual. Directores, productores, actores, falsos héroes, todas las cabezas caen en la ultima incursión de Stiller detrás de cámara (su anterior película había sido Zoolander). Stiller cierra Tropic Thunder sentenciando que el cine actual carece de amor, solo se busca el dinero y los premios. Al final son los dueños de Hollywood quienes terminan festejando mientras bailan.

Mención de honor:

La nube errante, de Tsai Ming Liang.

Sin lugar para los debiles, de Joel y Ethan Coen.

Iron Man, de Jon Favreau.

Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal, de Steven Spielberg.

El gran golpe, de Roger Donaldson.

Promesas del este, de David Cronenberg.

Las decepciones:

Superagente 86, de Peter Seagal.

El sueño de Cassandra, de Woody Allen.

Hancock, de Peter Berg.

Viaje a Darjeeling, de Wes Anderson.

La peor película del año:

Quémese después de leerse, de Joel y Ethan Coen. Un “cine” que solo demuestra el desprecio que sienten los hermanitos ganadores del Oscar por sus propias creaciones en una historia nula. ¡Que chantas!

Así cierro este 2008, puteando a los Coen por su última película (si, me gustó Sin lugar para los débiles).

Feliz año a todos!!!!

Nos vemos en el 2009!!

Quantum of Solace

2008-12-15T19:10:00.000-08:00

Luego de veinte películas sobre el agente James Bond, Casino Royale propuso cortar con los elementos básicos y algo agotados de la saga para transformar al nuevo agente en un ser completamente distinto. El glamour de Bond pasaba a un segundo plano. La acción era más frenética, violenta, comparable con el estilo de Jason Bourne. La frescura del film permitió un gran éxito de público y el apoyo de la crítica. Daniel Craig fue aceptado luego de las dudas sobre si podría realmente ser James Bond. Con Quamtun of solace, Marc Foster (Monster’s Ball, Descubriendo el país de nunca jamás, Cometas en el cielo) se pone detrás de cámara para la segunda parte de la (nueva) saga del agente británico.

Quantum… empieza un rato después de la finalización de la primera aventura del agente 007. Y el film no tarde en exhibir sus primeras escenas de acción. Desde una apasionada persecución en auto hasta una coreografía en la cual Bond y un villano cuelgan desde una roldana. Pero más allá de las escenas de acción, lo que más llama la atención en Quantum… es el muy logrado guión que componen nuevamente Paul Haggis (escritor de Millon Dollar Baby y la esperada Terminator Salvation), Neal Purvis y Robert Wade. En Casino Royale se notaba un esfuerzo por cambiar algunos aspectos clásicos del agente 007 apegándose a un guión más realista. Quantum presenta un guión con un trasfondo político muy certero.

Mientras que una gran parte del film se concentra en los sentimientos de Bond luego de la supuesta traición de Vesper, la única mujer que amó, el otro costado de la película tiene como protagonista a un muy interesante villano (Mathieu Amalric, de La escafandra y la mariposa) que tiene como objetivo controlar el agua de las zonas bolivianas apoyando un golpe de estado en ese país. Algo muy similar a lo que ocurre actualmente en el mundo.

Volviendo al film, Quantum of solace logra puntos muy altos, superando por momentos a la anterior película de la saga. Su villano y algunos momentos en que el guión funciona muy bien, son algunas de las pruebas de que Paul Haggis y compañía son realmente eficaces (lastima que Haggis es el responsable de Crash, cine berreta si los hay) a la hora de componer personajes y situaciones. Sin embargo, en algunas escenas de acción, el director Marc Foster comete el error de hacer planos cerrados confundiendo al espectador que siente que no está viendo nada más que dos personas peleando desde un punto de observación muy complicado. En un momento sucede algo extrañísimo: una persecución entre Bond y un villano en la que Foster decide incluir una carrera de caballos logrando un montaje paralelo entre ambas acciones. Si tuviese algo que ver una cosa con la otra, sería un efecto interesante. Pero nada de nada. No se si Marc Foster era el indicado para rodar esta película. Particularmente pienso que Paul Verhoeven podría hasta hacer una lección de cine con un film de James Bond.

Uno de los elementos más importantes en las películas del agente británico, fueron son y serán las mujeres que acompañan a Bond en cada una de sus aventuras. En este caso, la ucraniana que interpreta a una boliviana Olga Kurylenko y la inglesa Gemma Arterton, son las elegidas para cumplir el rol requerido. El trabajo de ambas es digno aunque es seguro que ninguna de las dos va a quedar impregnada en la historia de la saga de James Bond (Igual son preciosas).

Más allá de estas circunstancias que hacen al film un espectáculo menor que Casino Royale (si, las comparaciones son odiosas pero inevitables), Quantum…, o mejor dicho la “nueva” saga de 007 contiene elementos irresistibles e inoxidables. Un excelente héroe, un villano a la medida, chicas muy lindas, eficaces escenas de acción y el placer de brindar un gran entretenimiento. Quantum of solace lo demuestra y sale airosa.

QUANTUM OF SOLACE (Estados Unidos, 2008)
Dirección: Marc Foster.
Interpretes: Daniel Craig, Olga Kurylenko, Mathieu Amalric, Gemma Arterton, Giancarlo Gianinni, Judi Dench, Jeffrey Wright, Jesper Christensen.
Guión: Paul Haggis, Neal Purvis y Robert Wade.
Producción: Barbara Broccoli y Michael G. Wilson.
Fotografía: Roberto Schaefer.
Montaje: Matt Cheese y Richard Pearson.
Música: David Arnold.
Calificación: 8

TOP 5 - BAFICI 2008

2008-12-10T19:06:00.000-08:00

Acá les va lo que, para mi, son las cinco mejores películas que vi en el último Festival de Cine Independiente. No hay grandes sorpresas en la lista confeccionada. Las cinco películas me resultaron simplemente excelentes y espero que en un futuro cercano se estrene alguno de los films que componen la lista.

TOP 5 del BAFICI 2008:

1) Stellet Licht, de Carlos Reygadas (Mexico)
2) En la ciudad de Sylvia, de José Luis Guerín (España)
3) My Winnipeg, de Guy Maddin (Canadá)
4) Funny Games U.S., de Michael Haneke (Estados Unidos)
5) I’m not there, de Todd Haynes (Estados Unidos)

Tropic Thunder

2008-12-06T12:56:00.000-08:00

Ya no es sorpresa que Ben Stiller esté detrás de cámaras dirigiendo un film sobre el mundo del espectáculo. En sus dos anteriores películas, El insoportable y Zoolander, retrataba el papel del entretenimiento. En Tropic Thunder, la sátira es tan excesiva como maravillosa. A pesar de no tener una carrera muy extensa como realizador, se nota que el actor de La familia de mi novia conoce el mundo del espectáculo a la perfección. Pero lo más significativo es que detrás de la supuesta ambición que nos ofrece en su último film, Stiller logra realizar una muy interesante película sobre el cine mismo y el papel del séptimo arte dentro y fuera de la industria americana.

Y lo hace con honestidad brutal, disparando dardos contra todos los sectores relacionados con el mundo del cine. Desde el público, hasta los Oscar. En Tropic Thunder desfilan todos los personajes que componen este complejo universo: buenos y malos actores, productores ambiciosos y despiadados, directores ineficaces, falsos patriotas, etc. Stiller no deja títere con cabeza en su último film. Y lo bien que hace ya que desnuda toda la hipocresía del ambiente cinematográfico exhibiéndolo tal cual es. No por eso, el director de Zoolander comienza su película con falsos trailers que retratan el estado del cine actual (americano): películas de acción reiterativas, horribles comedias (un palo terrible para Eddie Murphy), y dramas solemnes ganadoras de premios internacionales (si, como Secreto en la montaña). Pero Stiller no se ríe de esos films, sino mostrar cual es su mirada sobre el mundo cinematográfico de su país y la reiteración sobre las mismas películas. Stiller apuesta por algo fresco diferenciándose de tantas remakes y secuelas que inundan la cartelera mundial.

Esta historia acerca del rodaje de una película en medio de Vietman que termina con sus protagonistas luchando contra un grupo de traficantes en la selva, contiene todos los elementos necesarios para que en la superficie funcione como una gran comedia: actuaciones excelentes, un buen manejo de los tiempos y muy buenos chistes. Es cierto que para disfrutar de Tropic Thunder se debe manejar el ambiente hollywoodense y estar al tanto de algunos aspectos de la industria. Si el espectador no maneja esos códigos lo más probable es que el placer de ver esta comedia sea menor. Sin embargo Stiller, y esto es lo más interesante de la película, parece no realizar su último proyecto para el espectador, sino para el cine mismo. Lo mismo que ocurre con El gran golpe de Roger Donaldson se aplica a Tropic Thunder. No solo es un entretenimiento y una gran sátira cuasi política, sino una suerte de carta de amor de Stiller al cine. No importan los premios ni cuanto se recaude parece decir el realizador de El insoportable. Lo realmente importante es el cine.

El resto es simplemente comedia muy bien realizada. Al igual que ocurría en Zoolander, Stiller apuesta por el absurdo en momentos pero se percibe algo detrás de cada uno de esos segmentos de locura que tiene el film (que son muchos). En resumen, Tropic Thunder es una excelente sátira sobre el estado actual del cine con pasajes que recuerdan la ambición de Coppola y su Apocalipsis now, y por momentos a algunas películas de Robert Altman (como Las reglas del juego). Más allá de su discutible “exceso de caos”, el film de Stiller se establece en definitiva, como una refrescante comedia políticamente incorrecta y con mucha inteligencia.

UNA GUERRA DE PELÍCULA (Estados Unidos, 2008)
Dirección: Ben Stiller.
Interpretes: Ben Stiller, Robert Downey Jr, Jack Black, Nick Nolte, Tom Cruise, Matthew McConaughey, Steve Coogan, Jay Baruchel y Brandon T. Jackson.
Guión: Ben Stiller, Justin Theroux y Etan Cohen.
Producción: Ben Stiller, Eric McLeod, Stuart Conrfeld.
Fotografía: John Toll.
Música: Theodore Shapiro.
Calificación: 8